星期四, 10月 28, 2021
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无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办”NO BORDER”群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。

 

享受”不可知性”的艺术

本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。
无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。

当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权
,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。

 

关于参展艺术家 – 兴趣点

 

平田直哉|平田直哉

平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为”雕塑是具有空间性和时间性的东西”,他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:”数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。

 

 

先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3

 

 

 

畑直之 – 畑直之

旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。

 

 

g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10

 

 

 

西木俊介|西木俊介|西木 俊介

西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。

 

 

日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画

 

 

 

忠野绫香 – 忠野绫香

忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了”我们人类有一天会消失”的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野”永恒的缺失/事物总有一天会消失”的主题,产生了一种很感伤的效果。

 

 

还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸

 

 

 

曾超

出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是”气势表现的多少”,他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画

 

 

KS190829 2020 53×53cm 布面油画

 

 

 

尼尔-汤姆金斯 – 尼尔-汤姆金斯

尼尔-汤姆金斯痴迷于实际景观与观者情感之间的关系。他认为,人们通过风景来观察自己的情感,当人们看到或记住一个风景时,自己的情感就会掺杂其中。

 

 

晨曦》2019年46×36cm布面丙烯画

 

 

 

嘉兴赵–嘉兴菜

身在韩国的Gahyo Choe的作品很有意思,她从零开始创造空间,说得很简单。她把自己做过的梦画成草图,然后通过拼接来建立风景,并涂上一层很薄的颜料来表现梦的质感。在绘画的背景下,它更像抽象画,但它也是具象的,我在梦中描绘视觉。在我看来,你画了一条很微妙的线,就像梦想和现实的关系。

 

 

自由世界#1 2019年 65×53cm 水粉、油画粉画、布面。

 

 

 

了解艺术

 

不管是绘画还是表演,我觉得艺术有一点是无法逃避的,那就是它是你能看到的东西。视觉信息是非常强大的。都说人与人之间百分百是表里如一。但我认为,艺术是通过对象的语言来讲述创作者的情感、思想、历史、社会状况等。当然,如果作品在视觉上是完整的就可以了,但我觉得如果你能欣赏到作品背后实际存在的思想,那就更有意思了。

比如,”毕加索的这幅画为什么会这么乱?如果换个角度看,作品的机制就像一个谜语。也许,艺术之谜的乐趣之一就是找到自己的解谜方式。

 

作者简介

 

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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7月6日,卢浮宫重新开放。目前的状况、举措和挑战是什么?

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小樽NUKAGA的"凝视与距离" 凝视与距离》(2019)装置图 © KOTARO NUKAGA,由KOTARO NUKAGA提供。 你看过巴勃罗-毕加索和保罗-塞尚等历史和当代艺术家的展览吗?东京画廊KOTARO NUKAGA本月刚刚举办了这样一个展览。画廊举办了"凝视与距离"联展,展出了20世纪初至今的裸体绘画作品。虽然主题很有趣,但参与的艺术家名单也很有趣。 除了保罗-塞尚、巴勃罗-毕加索、埃贡-席勒等耳熟能详的艺术家外,展览还包括汤姆-韦塞尔曼、基思-哈林、马琳-杜马斯等20世纪的代表艺术家。此外,还有三位日本艺术家上榜:藤田刚治、斋藤诚、伊达幸政。知道日本新锐艺术家之一的伊田幸政只有29岁,就能理解这次展览的名单有多新鲜。本次展览的主题是"裸体画",我们在艺术史的背景下欣赏了当代和历史作品。 画廊认为,追溯裸体画的历史,就等于回顾艺术史,也就是艺术的演变。20世纪学院派结束后,作为现代艺术的开端,对身体的多样化描绘得到了发展。这要从塞尚说起。塞尚的裸体画风格不同于当时的其他画家。在整个作品的构图中,他刻意将身体作为绘画元素之一。他的"浴池"系列,利用三角形结构稳定构图,使人物与山水和谐统一,名声大噪,被称为现代艺术之父。 在扩大了他的物象描写范围后,各种艺术运动应运而生,包括野兽主义、立体主义、未来主义和达达。例如,众所周知,巴勃罗-毕加索是受塞尚的一系列澡堂的启发,创作了《阿维尼翁的年轻妇女》。 凝视与距离》(2019)装置图 © KOTARO NUKAGA,KOTARO NUKAGA提供。 凝视与距离》(2019)装置图 © KOTARO NUKAGA,KOTARO NUKAGA提供。...

毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

我想看看画画能引起的化学反应–专访吴林仙娜。

从2011年开始,林加奈武就开始创作和展示以速度为主题的二维表达作品,2015年她发表了类似未来主义的《速度主义宣言》,向艺术史致敬,我们就她迄今为止的职业生涯、作品和制作情况对她进行了采访。 舞蹈 42 x 29.7cm, 纸本Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看她的作品 小林的作品一直以速度为主题。你在平面上对速度的追求,让人想起了未来派,但同时,你似乎已经独立于他们。能否先说说你现在工作的缘起? 速度是我思考了很久的东西,但就我与未来主义的关系而言,我是在2015年才开始意识到这一点。在那之前,我的作品主要是以人为主,但当我画的以人为中心的构图越来越多时,我不可避免地停了下来。人物可以分解为五个部分:脸、手、脚、躯干。很简单,但也正是因为如此,我才觉得这种风格能持续多久是有限度的。大约在2013年,我开始觉得自己需要改变。我想我需要做一些更有实验性的工作。然后,在2015年左右,人们开始说我的作品是"未来主义式的",我也经常被拿来和俄罗斯前卫派等艺术史上的潮流相比较。当时,我对它并不感兴趣,只是知道大家都在说它,但我对它并不了解。本来我也不太懂,但我渐渐厌倦了"人云亦云"的局面,但我什么都不懂。所以我决定做一些研究。在日本,关于这个主题的文献并不多,但在研究的过程中,我了解到他们似乎是专注于速度主题的人,我开始喜欢他们的世界观。 而这也导致了2015年《速度主义宣言》的发布。您当时的这一行动与"未来主义宣言"也有关联,您的意图是什么? 它更像是一个宣言,一个意向声明,说:"我要做一段时间这样的运动。这是一个宣言,所以我像米莱哈人一样,把宣言做成传单,分发出去。当时,周围的人对此颇感兴趣。他们说:"你要怎么做呢? 对于我来说,我的心情是战斗的。我想,这就是我要做的事。当时,我一直在画画,但我的心态是没有时间在画画。我不得不直接做概念艺术。我想,如果我没有用空间去接近它,我就无法获胜。 他以未来主义运动为由,转向装置。您的事业起步比较早,但从一开始您的主要精力就放在了绘画上,是吗? 我是2010年进入大学的,第二年开始逐渐工作,所以我想我肯定是早起的鸟儿之一。我在一次公开展览中获得了一个奖项,这就是它的开始。但是,在我做装置的那段时间,我对自己的画很不喜欢。身边的人经常说他们"酷",但我内心却觉得,我花了那么多心思,为什么要把他们当成插画?但我觉得,"我花了那么多心思,你为什么要把它当做插图?就算他们说的再酷炫什么的,到最后也只是被消费。那时候我就在想,我需要用一种更非消耗性的方式来做艺术。 从某种意义上说,空间艺术是人们评价和认知的对立面,而未来主义是这种方式的理论支撑。但随着时间的推移,这些感觉越来越不成熟。这也许是一件很单纯的事,但我渐渐地想画画了。或者说,我是这么认为的。部分原因是时间的关系。我想思考一下自己在绘画方面的不足,现在还在继续,但我尝试绘画的欲望变得更加强烈。况且,我觉得我当初对绘画的态度并不真诚。试图在画布上创作单件艺术品的态度本身就不是我的根基。我想还是重新学习一下基础知识吧,比如拿起油画颜料画一些东西。想到这里,"未来主义"这个概念对我来说几乎是后话,当时我有一种感觉,这是已经做出来的东西。我也在想,如果只有我一个人谈速度,是不是真的有前途。所以我去年4月去了意大利,也就是在那里和他们说了再见。我在他们工作的地方和未来主义告别。我说:"谢谢你的一切。从现在开始,我要做我想做的事情。 我又回来画画了。我还不知道自己在绘画领域要做什么,但我一直在思考绘画和插画的问题。一方面,这是一个障碍。绘画和插画之间有一种永远无法弥补的隔阂。当把它看成插图时,我感到反感和恼火,当我把它称为速度主义时,我有一种融入美术史和绘画史的错觉。在艺术史上,绘画与插画融合的尝试一直在进行,但现在我觉得连"断舍离"这个词都已经淡化了。而这种感觉真的很重要吗?我想知道。不,这不重要。你可以做任何你想做的事情。 首先,我画的东西重要的是线条,这也是我模糊插画和绘画界限的原因。最近,我一直在做数字绘画,当我做数字绘画的时候,质感几乎变得无关紧要,这让线描的特点更加明显。在这个世界上,颜色和颜料的层次等东西都不那么重要了,我越来越痴迷于创造强烈的形式。即使你改变了做事的方式,最后还是会有一条线,以及你用这条线做什么。从某种程度上来说,这和学习一种形式类似。 我想问你,你当初画画的行为是怎样的? 这是很正常的,或者说是一个很普通的故事,我画画的时候大家都很开心,我觉得很有意思。我的父母是酒农,我们住在一家酒铺的二楼。父母经常带我去店里,当我给顾客画像时,他们很高兴。那是很有趣的,我现在仍然喜欢做。 对你来说,绘画或画画是否有类似于装置的意义? 我想是的与其说是想画点什么,不如说是因我画的东西而发生的事情,我觉得是最好的。也许这就是为什么我能够把它当作一个装置来处理。 我想扩展一下你的背景,但你所接触的文化中是否有很多画画的内容? 在这方面,我觉得是漫画。漫画对我很重要,我觉得它对我的生活绝对是必不可少的。漫画,还有动画。不过我觉得重要的是,线路是移动的。 然后是音乐... 或者说,声音。在我们的日常生活中,基本上都有声音。你喜欢的不是歌手,而是音乐、声音。声音本身。音乐对我来说是最快的媒体。我觉得音乐和声音对我来说已经是"快的东西"了。 你提到了速度,速度也是你工作中的一个重要因素。 有一种摩托车比赛叫MotoGP,那场比赛中的摩托车可以跑得非常快,我想超过300公里/小时。你不再觉得自己在看比赛了。你不像在看比赛,就像一个速度很快的物体从你面前经过,你只能听到发动机的声音。你能清楚的感受到的只有发动机的声音,你能感受到,也能明白,这就是速度。我想,我的图片有追求速度形式的倾向,但另一方面,也有"什么是速度"的问题。比如,有时也叫光速,但没有人见过这个速度。我们知道,速度会越来越快,也会越来越慢,我们每天都能感受到。但首先什么是速度?我想谁也看不出这个速度。我觉得它很神秘,很有戏剧性。 速度的概念可以应用于物理学以外的事物,不是吗?例如,有人说,城市地区的时间流向与其他地区不同。我觉得今天人们在城市生活的速度和100年前是不一样的,但是你有没有想过这个问题? 我有一种感觉,如果人群中人多,速度就快,如果人少,速度就慢。10年前我刚来东京时,这里就像一个谜一样。东京的速度是不可思议的。我仿佛置身于一个神话般的速度世界,乐在其中。但10年后,这种速度就会变得很压抑,你已经没有时间去享受它了。我不知道自己是不是单纯的厌倦了。也许人类本身的硬件还没有赶上速度。即使是玩游戏,现在也几乎没有任何加载时间。我们可以这么便宜地享受科技,很多事情都可以简化。无论是在家里还是在外面,一切都是那么的天衣无缝,无处不在。但我觉得我们的大脑已经厌倦了。但如果没有一定的速度,大家就已经很沮丧了吧?不过,这才是有趣的部分。 无论是自然现象还是社会、生活系统,速度都涉及到我们生活的方方面面。 而我们甚至不知道。没有人可以看到,不是吗?我想这就是为什么速度永远是个谜的原因。 简介出生于日本长野,自2011年起开始以二维表达中的速度为主题进行创作。 2015年,他宣布了速度主义的宣言。 他的主要个展包括"大树与巨型啄木鸟"(清版与画廊/2015)和"速度之神"(WISH LESS画廊/2019)。 点击这里查看更多林湘苗木的版本作品。

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拉扎罗-乌尔塔多–让我们扭起来! – 我们的生活之谜

有人说:"如果你想受欢迎,就不要把艺术和政治、宗教混在一起。"但这是胡说八道。艺术总是被当权者、赞助人利用和培养。如果没有这种支持和认可,一件艺术作品是无法独立建立起声誉的。从历史上看,艺人通过自由表达自己的政策和喜好,享受到徇私舞弊的好处,只是比较近的事情。   今天,因为这种非常令人回味的特质,当代艺术因其自由表达的理念而受到赞誉。其实,我很感谢这个幸运的自由时代和互联网,让我找到并支持这样来自阿根廷的艺术家。拉扎罗-赫塔多的画作对理解他的人来说是开放的、宣泄的。这些作品和它们的标题,就像一个个谜语和答案一样环环相扣。以他超现实主义的想象力和艺术实现的技巧,简单的亚克力和纸板的材质就足以让我们产生共鸣。   "观众通过解码和解释作品的内在本质,使作品与外部世界接触,并对创作行为做出贡献。" - 马塞尔-杜尚     讽刺,通常用文字来表达,但也有用艺术的形式来表达,是表达干巴巴的幽默和对现实的扭曲的一种方式。我的南美朋友是讽刺大师,他们说:"由于我们的腐败社会,我们已经有了足够的实践,我们可以通过一些笑声来度过一天。"拉扎罗-富塔多的人文和哲学绘画作品浓郁而富有冲击力,就像一杯上好的马提尼酒。有人说:"笔比剑有力。"我必须补充一句:赫塔多表达了人性的混沌、自毁的本质,但却接受了这种本质。   "当我们意识到自己不了解生活、不了解自己、不了解周围的世界时,真正的智慧就会出现在我们每个人身上。" - 苏格拉底             如果你喜欢这位艺术家,你可能还喜欢:...   SEGUTOART   你只需要我的爱 作者: SEGUTOART55 x 45 cm   Endika Basaguren   金星的诞生 作者: Endika Basaguren80 x 130 cm   不要忘了订阅ArtClip通讯,获取更多有趣的发现。

我们为什么要画脸? 关于肖像画。

肖像是对特定人物外貌的描绘。在摄影、雕塑等各种输出方式中,以绘画方式输出的称为肖像画。 在近代早期,有一种绘画流派叫"肖像画",描绘皇室和贵族的形象,但随着照相机的兴起,写实绘画逐渐衰落,现在的肖像画是在博物馆里看到的。 在当代艺术中,以人的脸(真实的或虚构的)作为模块的案例很多,如安迪-沃霍尔描绘玛丽莲-梦露脸部的作品。无论是作为图案还是主题,艺术家们对脸部的使用方式多种多样。 Hitoshi Tsuboyama  坪山的"组合肖像"系列,第一眼就唤起了一种疏离感和焦虑感。  坪山受上世纪六七十年代晚期现代主义包括极简艺术的启发,他的画作以美感著称,以自己的空间概念为基础,通过色彩探索新的表现形式。  这部作品的主题是人们对某一事物的鉴别和认识的疑惑和质疑,这也许是它被称为"组合"的原因。脸部像轮廓线一样被划定,并涂上美丽的色彩,似乎在向我们询问一些关于肖像的外观和身份。 点击这里查看作品 Changhee Lee  李的肖像画也不是似曾相识。她一贯选择年轻女性作为主题,她的画作混合了中世纪和奇幻的元素。  李国庆的作品虽然打着肖像画的名号,但却是他内心世界的进步表现。 点击这里查看作品 Antonio Salas Cabrera / Antonio Salas Cabrera  安东尼奥-萨拉斯-卡布雷拉通过重建现有的图像来创作他的作品。他把一张现有的图像放到PC中,经过修剪和改变颜色后,输出的图像呈现出与我们熟知的现有模型不同的表情。  安东尼奥作品中的模特也是一件艺术品,我们可以说是通过双重透视来观察原作的人物,因为作品中的模特也是一个人物。然而,即使双重解释在不知不觉中被剪掉了,但我们意识到我们的意识还是直接捕捉到了模型的身影。安东尼奥以模拟主义为基础的方法,给我们提供了一个关于感知的解释。 点击这里查看作品 代理人X  X探员是一个多媒体拼贴作品,他从美国漫画等现有的图像中汲取灵感,创造出一个独特的存在,虽然他的实验作品中很多人物都是人类,但他的作品种类繁多,令人惊叹。  在未来主义的美学和哲学、达达运动的社会评论以及从波普艺术到超级平面的当代艺术运动之间的独特交集中进行绘画,《<女王>》系列让人想起16世纪艺术家阿奇姆巴德的拼贴画式肖像。然而,当代的思想与数字一代的技术相结合,创造出了一件件和谐的艺术作品,但我们却感到了一种混乱和变态的感觉。 点击这里查看作品详情 A.C.D.  这幅作品在很多直线的运用上让人联想到立体主义,但抽象的方法却是A.C.D.所独有的,它给观者一种硬朗的印象,而高饱和度、高色彩的画作则给人一种温暖的感觉。  尤其是"乐大王子",以简单的线段精确地表达了现代人的脸部表情。 点击这里查看作品详情  人像摄影具有不同于其他领域的味道,因为它们往往表现出艺术家和模特之间的戏剧性。然而,在这个人人都在批量生产人像的时代,人像是描绘面孔的唯一方式,这证明了人的面孔和身份有着密切但不稳定的关系。

这是一个样本。

这是一个样本。 这是一个样本。

寺田子丸子|被记忆中的风景所迷惑。

对寺田子丸子来说,绘画是她一生的工作,这种活动一直持续到过去、现在和未来。她自幼熟悉绘画,一路走来,没有偏离这条道路,才有了今天的成就。生于三重县,在名古屋造景短期大学主修西洋画。他说:"在这个过程中认识了很多优秀的画家和老师,他们的影响帮助我成长为一名艺术家。   寺田子的抽象画在日本和世界艺术界都享有很高的声誉。作为自由艺术协会的成员,寺多子曾在埼玉现代美术馆、东京的画廊和首尔的Kepco艺术中心举办过个展。他还参加了许多群展,并一直活跃在美国和亚洲的艺术博览会上。   正如她所说,她的作品主题是"记忆的颜色",她的画作让观者想起了生活中的温馨时刻。她通过娴熟地运用美丽的色彩层次来表现水、山、天空、植物等自然界的色彩,以及城市的色彩。虽然这些都是她的个人记忆,但也吸引和迷惑着观众进入一个美丽的似曾相识的"记忆景观"。       点击这里查看艺术家详情                  

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