星期六, 6月 19, 2021
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无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办”NO BORDER”群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。

 

享受”不可知性”的艺术

本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。
无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。

当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权
,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。

 

关于参展艺术家 – 兴趣点

 

平田直哉|平田直哉

平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为”雕塑是具有空间性和时间性的东西”,他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:”数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。

 

 

先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3

 

 

 

畑直之 – 畑直之

旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。

 

 

g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10

 

 

 

西木俊介|西木俊介|西木 俊介

西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。

 

 

日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画

 

 

 

忠野绫香 – 忠野绫香

忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了”我们人类有一天会消失”的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野”永恒的缺失/事物总有一天会消失”的主题,产生了一种很感伤的效果。

 

 

还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸

 

 

 

曾超

出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是”气势表现的多少”,他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画

 

 

KS190829 2020 53×53cm 布面油画

 

 

 

尼尔-汤姆金斯 – 尼尔-汤姆金斯

尼尔-汤姆金斯痴迷于实际景观与观者情感之间的关系。他认为,人们通过风景来观察自己的情感,当人们看到或记住一个风景时,自己的情感就会掺杂其中。

 

 

晨曦》2019年46×36cm布面丙烯画

 

 

 

嘉兴赵–嘉兴菜

身在韩国的Gahyo Choe的作品很有意思,她从零开始创造空间,说得很简单。她把自己做过的梦画成草图,然后通过拼接来建立风景,并涂上一层很薄的颜料来表现梦的质感。在绘画的背景下,它更像抽象画,但它也是具象的,我在梦中描绘视觉。在我看来,你画了一条很微妙的线,就像梦想和现实的关系。

 

 

自由世界#1 2019年 65×53cm 水粉、油画粉画、布面。

 

 

 

了解艺术

 

不管是绘画还是表演,我觉得艺术有一点是无法逃避的,那就是它是你能看到的东西。视觉信息是非常强大的。都说人与人之间百分百是表里如一。但我认为,艺术是通过对象的语言来讲述创作者的情感、思想、历史、社会状况等。当然,如果作品在视觉上是完整的就可以了,但我觉得如果你能欣赏到作品背后实际存在的思想,那就更有意思了。

比如,”毕加索的这幅画为什么会这么乱?如果换个角度看,作品的机制就像一个谜语。也许,艺术之谜的乐趣之一就是找到自己的解谜方式。

 

作者简介

 

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

采访奥田裕太,谈真诚与自我投射的绘画。

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剪报:本周3条日本艺术新闻。

冠状病毒也在影响日本的艺术博览会。     以"酒店为基础的艺术博览会"--AiPHT(ART in PARK HOTEL TOKYO)宣布推迟今年的活动。原因是为了防止新型冠状病毒的传播。 ,该博览会从2016年开始,至今已是第四届。本次博览会的新特点是,艺术品可以在白立方之外的另一个地方观看和购买。 主办方表示,将把活动推迟到今年9月25日至27日举行。 主办方表示,今年将推迟到9月25日至27日举行。也有人担心对其他展会的影响。 参考资料 :https://www.aipht.artosaka.jp/   日本最古老的公共美术馆将重开   京都市立美术馆于1933年开馆。它是日本最古老的博物馆建筑,但它在2017年进行了大修。它计划于今年3月21日重新开放。 ,通过此次更新,博物馆将拥有一个不仅可以容纳时尚和动画的空间,还可以举办当代艺术展览、新锐艺术家的展示、传统和当代艺术家的收藏。 参考资料 :https://kyotocity-kyocera.museum/   京都的艺术家艺术展     ARTISTS'FAIR KYOTO 2020是以艺术家为主角的当代艺术博览会,将于2月29日至3月1日在京都市的两个会场举行,为期两天。 ,以"让艺术随时可以购买"、"为下一代艺术家培养一个传承文化艺术的场所"为使命,在艺术界具有很强的伦理意义。奈川康平等著名艺术家都曾推荐年轻艺术家作为顾问。如果你想看看牙买加新一代的艺术家,你应该去看看。 参考资料 :https://artists-fair.kyoto/

冈西由奈:从笔迹中寻找禅意。

"书法不仅仅是画线条,更重要的是线条之间的空间"。 Yuna Okanishi 冈西由奈从小就被单色的纸墨世界所吸引,7岁时开始正式学习书法,加深了对书法艺术的理解。对她来说,书法不仅仅是画线条,更重要的是线条之间的空间--虚与实的对立。 黑色代表空虚,白色代表满足。冈西认为,在这个不知道什么是真实的,什么是虚幻的世界里,我们需要努力去寻找真正重要的东西。 在这次采访中,我们谈到了冈西作品的起源,他的作品对他的意义,以及禅宗哲学对他创作过程的影响。为保证篇幅和清晰度,本次采访进行了轻度编辑。 描绘真实和想象中的世界 "空与满"的二元对立关系 从书法到水墨画 简单和禅宗的生活方式 书法就是生活 在哪里可以买到冈西由奈的作品? 将现实和想象的世界结合在一起。 请说说你是如何成为一名水墨画家的。 我从7岁开始练习书法,2010年举办了第一次个人展览。直到2012年,我决定向曾师从日本著名水墨画大师川井行堂的关泽先生学习水墨画,他的技艺确实非同一般。 我觉得向关泽学习水墨画很重要,于是我联系了他,并立即开始接受他的指导。那时候,我尽自己最大的努力学习水墨画,他教了我很多东西。 冈西由奈的大与小 你从关泽老师那里学到的最重要的东西是什么? 你在课堂上有多少次快乐? 我记得有人多次问我:"你玩得开心吗?关泽先生总是说:"好,好!他见到我很高兴。 关泽先生经常对我说:"画画最好的方法就是开心。书法是一面镜子,它能反映出一个人的心境,所以是否喜欢画画,旁观者都能感受到。您也说过,享受创作过程本身是继续追求艺术的关键,我在创作时也时刻意识到这一点。这种享受不仅延伸到作品本身,也延伸到自己身上,所以我觉得自己在创作的时候真的很享受。 "我画的每一条线都代表我,我自己。" 您从7岁开始学习书法,这对您有什么影响? 我想,每一条线都代表着我。比如,如果你不会画一条简单的直线,说明你对自己不自信,不确定。...

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日本的秋天与艺术

 过了8月,一直折磨我们的炎热终于缓和下来,我们终于进入了秋天的季节。  都说秋天是运动、读书、开胃的季节。但对于艺术爱好者来说,秋天就是艺术的天下,不是吗?顺便说一句,"艺术之秋"这个词本身在其他国家是没有的,据说是日本独有的。  第一个原因是日本的大型展览,如"日花展"、"日天"、"仁天"等,都是在秋季举行。也有人说,秋天气候宜人,让人们有更多的时间去欣赏艺术。  秋天是一个月朗风清、秋叶飘香的季节。在这样的季节里,不厌其烦地用图片欣赏它们,是多么的优雅。在本文中,我想介绍几幅描写月色和秋叶的作品,这些作品就像日本人的原始风景一样。 Yoshihiko Daichi 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Keiko Kobayashi 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Edi Matsumoto 点击这里查看艺术家的详细信息 Sachi Oizumi 点击这里查看艺术家的详细信息 Hitomi Fujikawa 点击这里查看艺术家的详细信息 千加子音 点击这里查看作品详情 秋 点击这里查看详情

感同身受,把它带进你的生活–当一个收藏品诞生时

涉足多项新业务的川本先生,最近开始购买艺术品。他告诉我们:"通过与艺术家的对话,我从作品的概念和信息中获得了灵感。 我对作品的同情心促使我买下了它。 川本先生,能不能说说你第一次接触艺术的情况? -我恐怕没有什么高大上的理由(笑),但我第一次接触艺术是在朋友邀请我参加的一个展览上。我的朋友是一位艺术家,因为是他的第一次展览,所以我去现场买了他的作品。 这是第一件作品(你买的第一件作品),对不对? -是的,它是。以前也买过批量生产的室内艺术品,但我不知道称之为真正的艺术品是否合适,但那是我第一次买到不是批量生产的独一无二的艺术品。 我对艺术品的兴趣由来已久,但我不知道买艺术品的线索和礼仪,"买艺术品"也不是我熟悉的东西。 中岛健太 无名氏地平线系列 18.5 x 18.5cm 点击这里获取更多关于艺术家的信息 您购买的导火索是什么? -我想,是与艺术家的对话让我更接近购买作品。当你听了艺术家的话,你会知道你所看到的东西背后是有故事的,你可以更深刻地理解"我明白了,这就是背后的信息"。而且我觉得这个信息和我觉得对我很重要的价值观之间有一个共同点。所以我想我要下定决心买下它(笑)。 (笑)把它陈列在我家的好处是,我每天都能看到它,一个包含着我能感受到的信息的作品。每当我这样做的时候,就像我在有些视觉上追踪我的思想。这很有趣,不是吗? 所以,观念的共鸣是你的一个主要观点? -我被这个消息吸引了,这也是其中的一个重要原因。我个人通常强调的是对愿景和信息的共鸣。例如,当我被邀请加入之前的公司时,我非常同情它的愿景,这是我决定换工作的一个决定性因素。 花神子血6 30 x 120cm。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 通过参与这项工作,你还有什么发现吗? -我不会说它和艺术完全一样,但我确实觉得和新企业的心态有相似之处。在企业中,你需要一个具体的、高难度的计划,用一个具体的想法来解决问题,但每一件艺术品也都有创新的地方,那就是前所未有的想法和表现形式。我认为艺术的独特性与此类似。 除了概念和信息,您在购买时还考虑了哪些点? -我考虑的是它与房间的配合。我以前经常为朋友举办家庭聚会,一年至少搬一次家(笑),所以我对自己的家很讲究。我一直喜欢室内设计,思考是否与房间相配是我喜欢的事情之一。 你认为艺术是室内设计的延伸吗? -不,又不一样了。我不是在说孰优孰劣,但就艺术而言,我把它融入我的生活,包括它的信息。以前我也经常买室内艺术品,但真正买了艺术品之后,我觉得两者的区别在于是否存在。 我是买卖房地产的,包括协调房,所以对室内设计相当熟悉。所以,我当然喜欢室内设计,但我认为,每一种设计都是可以在不同的轴线上享受的。艺术不是功能性的,也不仅仅是视觉上的。我认为,能够欣赏到的不仅仅是物品本身,还有艺术家的思想和信息,这很有意思。 一个平台的重要性,对初学者来说是可以接受的。 随着你兴趣的增长,我相信你一定会想找到新的作品。 -是的,这是真的。另一方面,我认为还有一个信息的问题。要想知道外面有什么样的艺术家,或者何时何地举办什么样的展览,是很难得到信息的。你必须去得到它,否则它不会自然而然地出现。当然有全行业的信息网络,但我的印象是,从外面很难进入。我觉得去画廊很难,直到朋友介绍我去了一家画廊。 我也参加了一个艺术博览会,但最后我没有在那里买任何东西。当然参与的画廊很多,展出的作品也很多,但我找不到自己想要的作品。可能是我与艺术家交谈的机会不多,也可能是我想要的作品与我的预算不匹配。我能说什么呢,我认为要找到一个符合所有条件的作品是非常困难的。如果你是一个初学者,可能会更加困难。比如,你想买,但你不知道怎么找。在我的印象中,买家的进入门槛也很高(笑)。 曾超 KK190612 53 x 53cm 点击这里获取更多关于艺术家的信息 利用互联网在信息量上有优势,但你对网上购买艺术品怎么看? -我认为,其中一个障碍是价值的保证。在室内设计方面,我以形象、品牌、价格、家的和谐感为指标,但对于艺术,我想我需要更高级的信息。 我曾经参加过一个在线英语会话课程,我记得老师的资料里不仅有文字,还有视频和很多资料,很有帮助。我想,如果在艺术上也能有这样的东西就好了。 这与你说的作品信息的重要性有关。 -是的,我们很容易期待比屏幕上显示的图像更深刻的东西。不过,这只是我的想法。我对传达作品价值的更深层次的信息感兴趣,比如使用这些颜色背后的意图是什么,或者为什么这些线条是这样的。 A.C.D 柯布西耶的《旋风》51 x 61cm。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 除了你的艺术,你还买卖房地产。 -不一定,但我还没有买过一件贵到我强烈意识到其资产价值的艺术品。如果要买一件价值百万日元的艺术品,我想我一定会有一种强烈的冲动,说"这也是一种投资"(笑)。这不是浪费钱。(笑)我说的只是我个人的水平,但我认为我可以花的钱会增加一个数量级。 您今后有什么收藏或购买的计划吗? -当然,我希望能找到好的作品。我觉得有必要培养自己的眼光。我希望能够和艺术家交谈,了解他们在说什么。我希望能够更好地了解他们的工作质量。

“100日元就能买到艺术品的系统”将如何改变世界?Straym是艺术的游戏规则。

关于本文・"STRAYM"是提供"100日元起就能买到的艺术品"的分割所有权艺术服务・"任何人都能买到艺术品的世界"、"艺术"。SMADONA的使命是"创造一个任何人都可以购买艺术品的世界","振兴艺术市场","在转卖时将利润返还给艺术家"。・团队成员是广告、证券和技术方面的专家。     SMADONA公司宣布,在2020年底正式推出基于"100日元就能买到的艺术品"概念的平台STRAYM。    该公司于2019年12月推出了这项服务,首席执行官长崎美弘曾在广告和其他创意行业工作。该公司的成员包括艺术家杉山宏等证券和网络系统开发方面的专业人士,主要有两个问题。 ・"艺术买家偏向少数富人"・"日本艺术市场增长乏力"。作为解决这一问题的方法,该公司提出、开发、经营"艺术品所有权分割",近年来在国内外出现了。         它有什么特点? ,名气大的艺术家的作品,价格超过100万日元,难免会被卖给收入与价格相称的买家(除非他们负债累累)。不过,该公司的一个顾虑是,如果艺术作品只在少数人中传播,评价的人也会变成寡头垄断。   STRAYM的特点是不出售作品本身,而是出售作品所附带的所有权,并构建了一个可以多人购买的系统,价格仅为100日元。该系统的独特之处在于,只需100日元就可以让多人购买作品,其目的就是为了解决上述问题,让"富人"以外的人也可以购买作品。     增加花少量的钱就能买到的艺术品,必然会导致购买者数量的增加,进而导致市场本身的扩大。这就解决了STRAYM的另一个问题,也就是盘活市场。   另一方面,该服务旨在解决的另一个问题是转售时对艺术家的利润回报。在美国、中国、瑞士、日本等发达国家,除西方国家外,目前艺术家的作品在拍卖会上转卖时,并没有法律保障其获得利润回报。在STRAYM中,服务的结构是将所有权转售产生的利润的百分之几返还给艺术家,以确保再分配的平等性。我们的想法是让那些在转卖过程中被边缘化的艺术家成为当事人。     该公司的目标是在2020年正式推出该服务,阶段性目标是在2009年提供英语和其他语言的服务,并在2010年建立海外基地。 STRAYM改变游戏规则的"如何购买艺术品"的方法,可能会大大改变以经济为核心的艺术参与人的面貌。   参考网址:https://fundinno.com/projects/131

弗朗西斯卡-博尔戈–光影的阴影

意大利艺术家弗兰西斯卡-博戈(Francesca Borgo)以泥土、自然的色调创作抽象的风景画。她从周围的大自然中获得灵感,用丙烯颜料、石膏和丙烯树脂与沙子混合,增加了质感效果,丰富了她的表现力。     绘画一直是她的爱好。这激发了她的想象力和表达人类和地球不同未来的愿望。在经历了一段时间的病痛之后,她被关在家里,开始与色彩和画笔进行"每日约会",并感觉到与自己的接触越来越多。   她的作品用深色、稀释的颜色来塑造整体效果,用金属颜料来制造光的反射。这些一起形成了光影的对比。最近她开始探索新媒体,用笔和平板电脑进行数字绘画创作。这种技术可以让她表达自己内心世界的冲突。   她积极参加欧洲各地的博览会和展览。她的作品还被美国、英国、日本、瑞士、西班牙、马耳他和意大利的私人收藏。向下滚动查看她的空灵抽象风景画。                                       查看Francesca Borgo的艺术作品

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