星期日, 12月 5, 2021
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迷人的缅甸艺术

如果听到”缅甸艺术家”这几个字,你的脑海里会浮现出一位画家,那你一定是个严肃的艺术怪胎。

 据缅甸当地一家报纸报道,缅甸正式注册的艺术家只有1000人,非注册艺术家有6000人。此外,缅甸只有两所大学设有艺术专业。此外,虽然有国家博物馆,但还没有建立公共艺术博物馆。要想接触最新的艺术,唯一的办法就是在私人经营的小型艺术馆里走走。虽然亚洲在艺术结构上落后于世界其他地区,但从日本的角度来看,这是不可想象的情况。

在本文中,小编要介绍的是江河画廊代理的10位艺术家的作品。

Aung Thiha


美丽的
倒影
92 x 76 cm
沐浴
之美92 x 76 cm

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大夫图图

僧侣的记忆(2
)92 x 122 cm
僧侣的记忆(4
)92 x 122 cm

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觉林

缅甸风景(5
)61 x 61 cm
缅甸风景(7
)61 x 76 cm

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Kyee Myintt Saw

仰光
雨夜-201876 x 76 cm
我们
是夜-201691 x 91 cm

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Maung Aw

装饰裸体(1
)91 x 91 cm
裸体装饰(4
)91 x 91 cm

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Mor Mor

四月(2
)76 x 61 cm
七月(1
)76 x 61 cm

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南南

无题(4
)61 x 61 cm
无题(4
)61 x 61 cm

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倪波宇


Padaung153 x 122厘米
雨中之舞(3
)92 x 76 cm

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Thar Gyi

模糊的记忆(2
)61 x 61 cm
冥想(1
)122 x 122 cm

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Zaw Win Pe

收获
准备76 x 92 cm
辐射之地(1
)92 x 122 cm

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 缅甸是一个热带国家,是一个多民族的国家,是一个历史悠久的国家,有很多面孔,比如佛教渗透到日常生活中,还有长期的军事政权,有一些艺术家创作了非常独特的作品。本文为大家提供了一个关注他们的机会。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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为什么我们千禧一代应该购买现代艺术?

我们正在塑造一个更复杂的未来。 我们这些千禧一代,包括1988年出生的我在内,就像《FRIENDS》中菲比和瑞秋的混血儿,但怎么混?我们渴望独特性和真实性,就像Phoebe一样,她喜欢在跳蚤市场上买到的多愁善感、精心制作的古董。但我们也渴望人气和安全感,比如Rachel,她选择了Pottery Barn的新古董家具。 看看我们的混合生活方式。我们有很高的时尚品味,知道如何穿着旧货店的外套或Gucci包。我们精通技术,无论是模拟技术还是数字技术,并见证了智能手机、YouTube和贾斯汀-比伯如何塑造我们的生活。他还是一个狂热的旅行者,并在社交媒体上发布了数百万张自己的照片,为自己树立了品牌。我们与Greta Thunberg一起参加了骄傲游行和游行,以解决人权和环境问题的负面传承。而且,是的,我们喜欢讽刺。不过,相对来说,我们不是做得很好吗?我们当然有能力塑造一个新时代。 你会选择有机的吗?也要选择墙艺。 我相信,买艺术品不应该和选择在哪里买菜有什么不同。我们这一代人对吃的东西比先例更在意。我们去全食市场购买有机农产品和不含人工香料的食品。或者在周末的农贸市场,我们直接从种植户那里购买新鲜的食物。虽然可能要花钱,但我们知道我们不仅促进了自己的健康,而且促进了当地生产者的可持续发展。好的食物丰富了我们的日常生活。 那么艺术呢?在跳蚤市场上,我们看到当地的艺术家在出售他们令人惊叹的绘画和手工艺品。为什么会这样?因为我们宁可花同样的钱买一个工厂生产的复制品,上面还印有品牌名称。为了自称"有文化",我们花钱去博物馆看老一辈建立的艺术。这很不幸,因为我们没有看到多少我们喜欢的东西,我们告诉自己,我们不懂艺术。更糟糕的是,即使我们喜欢的东西,也不能放在家里。更糟糕的是,即使我们喜欢的东西,也没钱放在家里,即使我们喜欢的东西,也没钱放在家里。事实上,我们了解我们这个时代的艺术。现在是一个该死的时间,在我们的墙上以及Instagram和Pinterest上体现我们不同的品味。 在您当地的农贸市场TRiCERA购买食品杂货。 像TRiCERA这样的在线艺术市场平台就是你的本地市场。在这里,艺术家们直接将他们的艺术作品带给你,策展人挑选的作品也是质量有保证的。"如果你能以实惠的价格从Pheobe Buffay那里买到一件原创的艺术作品,那会怎么样呢?每天都能在墙上欣赏到自己喜欢的作品。你会被工厂艺术无法比拟的笔触和错综复杂的细节所激发。如果我们不仅能支持我们的艺术家,还能让他们一年比一年富有呢?事实证明,现代艺术市场比美国股市更有前景。你是在做一个很酷的投资,你可以从字面上展示。您用TRiCERA支持的艺术和艺术家可能会在几年后出现在拍卖会和博物馆中。你看,你是一个潮流的塑造者。这就是我们这些千禧一代和X一代如何重塑现代博物馆。 5个例子说明了什么叫艺术收藏家。 这是一篇小说。人名、人物、地名...是完全巧合的]。 Tracy - 28岁 - 喜欢冰沙、瑜伽和猫咪。她的公寓通常很凌乱,但她有一个角落用于自拍和约会应用程序的视频聊天。她的性格有点前卫,喜欢玩硬碰硬。 高畑爱华,《在终点》,32cm x 41cm。 https://www.tricera.net/painting/id81003010004...

进入观念艺术的下一个时代。

京森康平是一位以"现代装饰"为主要作品的二维艺术的艺术家。他的目标是创作出能吸引人类视觉感的强大作品,并将它们传递给下一代。"我的目标是超越时间。通过在我的画作中诠释和更新人类在历史上建立的装饰文化,我希望能创作出让大家感动的作品。"     说说你"把装饰文化运用到艺术中"的风格。 ,我想诠释装饰文化的历史,更新装饰文化。我的作品可能是一幅画,介绍一种新的装饰文化风格,不分国家和地区。我想让大家觉得,"哇!"。我想创造一件让人觉得"哇!"的艺术作品。   你也曾参与过平面设计和时装设计。这段经历对你的工作有什么影响吗? ,我的根基是平面设计和时尚,所以这些技能对我来说非常有用,尤其是在构图方面。另外,我的日本平面设计的根基是版画,我使用胶版画和其他版画技术,所以也影响了我的作品。   你是如何创作的? ,我先从草图开始,然后用数字模拟。重要的是要有来自意想不到的地方的元素,比如我在拼接材料的时候。数字模拟完成后,我将作品输出到胶版印刷品上,并通过UV处理完成。我的作品看似不精致、不讲究,但其实很精致。     您的作品有几个系列,现在最重要的是哪个系列? ,其中有一个系列叫"Aharebi"。我是为了奥运会才开始做这个系列的,它有一个信息,就是我想克服对不同文化和背景的人的歧视和偏见。 另一个重要的系列是使用靛蓝染料的"JAPAN BLUE"系列。我相信,任何事物都是独一无二的,即使你是一个反社会的人。我认为,一个多元化的社会,首先是一个不符合常规框架的社会。所以这个系列的主题是"对不完美的肯定",我觉得很日本。     你的很多作品都有很强的信息,不是吗?-是的,创作自己的作品最重要的是超越时代。这些天我常想的是普遍性,比如"眼见为实,心动不已"。我在我的装饰品上投入了很多技巧和时间,但我相信每个人都会被每件作品给桌子带来的能量所感动。我喜欢那些不用解释就能让你感动的东西,我觉得这很好。我想探索我在平面设计和时尚领域的背景,无论是在当代艺术的世界,还是在杜尚之后的观念艺术的世界,我都可以做什么。无论我在世界的哪个地方,无论我的职业和种族,我都希望创造出让所有人都能说"哇!"的作品。我想做出让大家都会说"哇!"的作品。  

当代艺术能不能成为一个游乐场?

"现在是玩的时候"东京现代艺术博物馆     长大后,有人告诉你,不要再玩游戏了,不要再和玩具、朋友玩了。成年后,你可能会发现自己在重复同样的事情,并问自己这些问题。我们可能会想这样的事情:"我是应该停止和哥们儿一起玩,还是应该更加努力学习,更加努力工作?   是的,生活从来都不容易。每个人、任何时候都是如此。那么,什么时候才能有时间好好地"玩",什么时候才能真正地喜欢上玩什么呢?你需要工作和学习的时间,但不要低估游戏时间的重要性。因为游戏时间可以让你有机会看到自己和世界的新价值。   那么,你是如何看待当代艺术的?当你去博物馆或美术馆的时候,你觉得这是一个玩的时间吗?如果不是,您是否认为当代艺术是一个困难的课题,需要更多的研究和发现?不管你怎么看当代艺术,有人说它很难。   东京现代艺术馆正在举办名为"Time to Play Now"的展览。本次展览的设计,不仅让孩子,也让大人享受到当代艺术的"游戏时间"。     本次展览展出了6位艺术家和艺术家团体的作品,他们分别是:Yoshiaki Kaihatsu、Kazuhiro Nomura、Team Hamburg、Tanotaiga、TOLTA和Usio。每件作品都是游客可以参与的游戏。一进入第一个展室,就会看到一个巨大的柜子覆盖了整面墙。除了规模过大,柜子也很抢眼,因为它是一面巨石攀岩墙。参观者可能会被作品所吸引,但柜门却通向另一个展室。作品看似幽默风趣,但据艺术家海发义明介绍,这面"考试墙"其实是对考试压力和紧张的一种表达。       另一件有趣的作品是Tanotaiga的《Tanonymous》,Tanonymous是一件用无数面具覆盖整面墙的作品。众多的面具,以艺术家毫无表情的面孔为基础,由观众从参与式的工作坊中逐渐变成各种面孔。在工作坊中,观众用博物馆准备的材料自由装饰素面面具。最终,所有这些不同的面孔都将作为"Tanonymous"的艺术作品展出。   艺术家谷田贺在他的艺术作品中基本探讨了社会制度和价值观,并探讨了大众媒体和标准化符号在我们日常生活中的力量。作品名称"田野伊玛苏"是艺术家的名字"田野加"和"阿尼姆斯"的复合词。通过他的作品,艺术家批判性地审视了标准化的社会和弥漫在当代社会的匿名性。通过让观众随心所欲地装饰面具,观众最终同时成为观众和创作者。在博物馆里同一张面孔逐渐变化成各种面孔的过程中,艺术家似乎想传达自己的思想。   和朋友玩耍,玩玩具,任何一种玩法都能给我们充电的时间。艺术家通过展览表达了与社会相关的主题,展览和博物馆也成了游乐场。在当代艺术成为游乐场的意义上,我们可以说,它是值得看(玩)展览的。观众的参与成为作品的一部分,在某些情况下,观众的游戏痕迹可能会作为作品的一部分保留下来。   东京当代艺术博物馆将举办"现在是玩的时候"展览,展期至2019年10月20日。除了参与性的艺术作品,还有相关的项目和工作坊,观众可以和艺术家一起玩耍。更多详情和信息,请访问https://www.mot-art-museum.jp/en/exhibitions/time-to-play/。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

“100日元就能买到艺术品的系统”将如何改变世界?Straym是艺术的游戏规则。

关于本文・"STRAYM"是提供"100日元起就能买到的艺术品"的分割所有权艺术服务・"任何人都能买到艺术品的世界"、"艺术"。SMADONA的使命是"创造一个任何人都可以购买艺术品的世界","振兴艺术市场","在转卖时将利润返还给艺术家"。・团队成员是广告、证券和技术方面的专家。     SMADONA公司宣布,在2020年底正式推出基于"100日元就能买到的艺术品"概念的平台STRAYM。    该公司于2019年12月推出了这项服务,首席执行官长崎美弘曾在广告和其他创意行业工作。该公司的成员包括艺术家杉山宏等证券和网络系统开发方面的专业人士,主要有两个问题。 ・"艺术买家偏向少数富人"・"日本艺术市场增长乏力"。作为解决这一问题的方法,该公司提出、开发、经营"艺术品所有权分割",近年来在国内外出现了。         它有什么特点? ,名气大的艺术家的作品,价格超过100万日元,难免会被卖给收入与价格相称的买家(除非他们负债累累)。不过,该公司的一个顾虑是,如果艺术作品只在少数人中传播,评价的人也会变成寡头垄断。   STRAYM的特点是不出售作品本身,而是出售作品所附带的所有权,并构建了一个可以多人购买的系统,价格仅为100日元。该系统的独特之处在于,只需100日元就可以让多人购买作品,其目的就是为了解决上述问题,让"富人"以外的人也可以购买作品。     增加花少量的钱就能买到的艺术品,必然会导致购买者数量的增加,进而导致市场本身的扩大。这就解决了STRAYM的另一个问题,也就是盘活市场。   另一方面,该服务旨在解决的另一个问题是转售时对艺术家的利润回报。在美国、中国、瑞士、日本等发达国家,除西方国家外,目前艺术家的作品在拍卖会上转卖时,并没有法律保障其获得利润回报。在STRAYM中,服务的结构是将所有权转售产生的利润的百分之几返还给艺术家,以确保再分配的平等性。我们的想法是让那些在转卖过程中被边缘化的艺术家成为当事人。     该公司的目标是在2020年正式推出该服务,阶段性目标是在2009年提供英语和其他语言的服务,并在2010年建立海外基地。 STRAYM改变游戏规则的"如何购买艺术品"的方法,可能会大大改变以经济为核心的艺术参与人的面貌。   参考网址:https://fundinno.com/projects/131

肖像中的社会扭曲

以人为本、以情感人的方法。 比方说,你在博物馆里逛藏品。你是那种会仔细看普通人像部分的人,还是像笔者一样快速走完的人?这个地方让我觉得很不舒服。因为墙上的画像让我想起了校长办公室的那面墙,在那里,我因为天真无邪的不当行为被骂了几个小时。尽管如此,还是有一些作品和苦涩的回忆一样让我着迷,我不由自主地停下脚步,看看模特和艺术家们永恒的叙事,以及无法忽视的存在感。 看来不是只有我一个人觉得普通人的肖像特别有趣,特别有戏剧性。比如,荷兰黄金时代画家约翰内斯-维米尔的名作《戴珍珠耳环的女孩》,启发了特雷西-舍瓦利耶写出了同名小说,销量超过500万册,甚至被拍成了电影。就像雕刻在拉什莫尔山上的美国总统的脸庞无所畏惧却又无法接近一样,无论被渲染得多么美丽,都会被典型的特权阶层所吸引,这就有些难能可贵了。 一张好的人像作品应该具有吸引我们进入模特、艺术家和观众之间的奇怪三角关系的力量。我们不需要害怕对它的感情。今天《TRiCERA》中的一些肖像画描绘的是普通人,尤其是那些来自扭曲的社会层面的人。我们准备好潜入那个扭曲的层面了吗? 请系好安全带。这将是一次非常私密和情绪化的飞行。 "我希望它能尖叫"--詹姆斯-厄利。 出生于英国的詹姆斯-厄利是当今最有前途的超现实主义画家之一,曾获得2019年伦敦双年展一等奖。 他说,他经常代表问题人物,"提高人们对无家可归、精神健康和战争等问题的认识。出乎意料的是,他的不拘一格的模式,其人性和宁静的积极意义远大于悲伤和疲惫的消极意义。 到了所谓的"普通人"那里,喊的是这些"不幸的人"和我们没有区别。每个人在生活中都有想要隐藏的问题。 但在他们的情况下,他们只是因为没有社交服装遮挡而暴露。 这个男人的脚底,吸引了观众的目光,象征着我们极力掩饰的生活艰辛和污点,也唤起了观众暴露在其中的尴尬。 2015年,当我搬到被称为世界上最宜居城市的加拿大温哥华时,无家可归者饱和的景象让我感到震惊。毕竟,就在一条日夜熙熙攘攘的游客街上,一个街区的距离,就是世界上最大的无家可归者区。生活在他们中间,我没有受到任何直接的伤害,但间接的伤害却很大。他们中很多都是同龄的青年男女,每次从他们身边走过,我都会心疼。 用微薄的积蓄和打工来支付房租、食物和昂贵的学费,我在东京市区的生活一天比一天艰难。在我勉强维持生计的时候,一位同龄的加拿大朋友向我讲述了她的秘密往事。她告诉我,她的情况和我一样,但是摔了一跤,无家可归了几个月,然后住进了收容所。在外界看来,她很美,也很开朗,但在她的伪装下,她隐藏得很好。那天之后,无家可归不再是别人的问题。这种认识和恐惧成了我离开市区的动力,但最终成为我离开市区的催化剂。 有一天,在我逃避了多年的悲惨现实之后,一个来自蒙特利尔的无家可归者,名叫让-马克,让我去那家商店为他买这个。平时他只会问我要几个硬币,但他很友好,年龄也差不多,所以我接受了他的提议。当我们一起走过接下来的几个街区时,他高兴地与我分享了他的个人故事。几天后的晚上,我又在街上看到了他,我们聊了几句。我不能为他做什么,但我有时会想他现在怎么样了。 当我在Early的亲密画像中看到Jean-Marc羞涩的笑容时,我感动得泪流满面。我只能认为,艺术家一定有一颗充满同情和怜悯的心,以及分享和承受他们的悲伤的力量。在这幅画中看到的不是慈善,而是他不加修饰的人格,才会有真挚的笑容。早期将现实中瞬间的欢乐作为艺术来延续,照亮了那些被忽略的生命。 这些并不是唯一反映社会扭曲的画像。 在年轻一代中,要求自己独一无二(和别人一样)的压力越来越大。他们在与生俱来的个性珍贵和社会认可的个性流行之间努力寻找自己。拉法-马塔在他的艺术和文字中恰如其分地指出了这一矛盾。 曾超把当代中国社会的意识形态冲突描绘成一个人的肖像。他说,一个群体是受中国社会主义的影响,而另一个群体则是受中国古代哲学道家的影响。他为这些人物穿上象征社会主义的服装,并将他们的头颅换成他的道家图案"临时山石"。动感的笔触与油彩的对比,让人惊叹。 镜子里反射的影像是我们自己的,还是别人看到的影像?我们看到的不确定性问题是清水美乐迪作品的主题。他说:"我们通过别人向我们展示的形象来理解和定义自己。因此,别人是我们的镜子。这幅自画像是将各种社会的镜子中的自己的各种形象打上马赛克。 肖像所代表的内容可能与人们容易理解的不同,例如,在一幅山水画中。不过,正因为有这种模糊性,所以从字里行间可以自由欣赏作品。作为观众,我们的感受是什么?画家是如何诠释模型的?而模特的眼睛里反映的是什么呢?从个人情感的角度出发,欣赏人像是一件好事。 我的一个同事又写了一篇关于肖像的文章。"人为什么要画脸? 他还从技术角度分析了许多其他作品。如果你对这个话题感兴趣,别忘了订阅ArtClip通讯。

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剪报:本周3条日本艺术新闻。

冠状病毒也在影响日本的艺术博览会。     以"酒店为基础的艺术博览会"--AiPHT(ART in PARK HOTEL TOKYO)宣布推迟今年的活动。原因是为了防止新型冠状病毒的传播。 ,该博览会从2016年开始,至今已是第四届。本次博览会的新特点是,艺术品可以在白立方之外的另一个地方观看和购买。 主办方表示,将把活动推迟到今年9月25日至27日举行。 主办方表示,今年将推迟到9月25日至27日举行。也有人担心对其他展会的影响。 参考资料 :https://www.aipht.artosaka.jp/   日本最古老的公共美术馆将重开   京都市立美术馆于1933年开馆。它是日本最古老的博物馆建筑,但它在2017年进行了大修。它计划于今年3月21日重新开放。 ,通过此次更新,博物馆将拥有一个不仅可以容纳时尚和动画的空间,还可以举办当代艺术展览、新锐艺术家的展示、传统和当代艺术家的收藏。 参考资料 :https://kyotocity-kyocera.museum/   京都的艺术家艺术展     ARTISTS'FAIR KYOTO 2020是以艺术家为主角的当代艺术博览会,将于2月29日至3月1日在京都市的两个会场举行,为期两天。 ,以"让艺术随时可以购买"、"为下一代艺术家培养一个传承文化艺术的场所"为使命,在艺术界具有很强的伦理意义。奈川康平等著名艺术家都曾推荐年轻艺术家作为顾问。如果你想看看牙买加新一代的艺术家,你应该去看看。 参考资料 :https://artists-fair.kyoto/

本桥浩介的光栅限定版画限量发行150张。

沉默之王   15,000日元(不含税)   版本:150尺寸:高420×宽297mm工艺:亚克力镜片凹版印刷有框印刷。原创亚克力框架(+10,000日元) 照片中的画框仅供参考,并非原物。 ©︎KOSUKE MOTOHASI/TRiCERA,inc.版权所有。       TRiCERA欣然宣布推出本桥浩介的限量版印刷品"THE KING OF SILENCE",限量150张。 本桥1989年出生于日本兵库县,2013年左右开始艺术生涯,一直活跃在东京和纽约。本桥一直在问:"在我们这个时代,解决生与死的问题意味着什么?"他通过作品探讨了艺术作品和观众面对面时发生的关系性化学反应和意义。 ,在这次展览中,他采用光栅印刷的方式,创作出了一件可以从三个不同的方向看到的作品,并且不断变化,仿佛是一个多变的现象世界。 请大家借此机会欣赏一下本桥作品中流淌的一部分直接面对生死的心跳。                             出售须知】(1)作品附带签名、编号的证书。 (2)版号不能选择。 (3)从您购买作品到发货,请允许大约2周至1个月的时间。 (4)因客户拒收工程而需重新交付的费用由客户承担。 (5)作品销售期为2020年12月8日至2021年1月8日。      

石井野夫:晚开的奇迹,给世界带来微笑。

对于一个在Instagram上建立了5.2万狂热粉丝群的艺人来说,石井野夫的了解并不多。他每天发布高质量的作品,却没有任何形式的关注,这足以说明他的魅力。毋庸置疑,他是一个晚辈,但这可能就像一座休眠的火山爆发,喷出大量岩浆。他的创造力从未减弱,并继续绽放。   然而,他的多产只是其中一个因素,他即使到了晚年,仍然是个孩子般的天才。因为石井野夫天真无邪的好奇心,才是他的幽默主题和各种绘画、荒诞陶艺、老式陶艺技术的关键。他看似古灵精怪的幽默感,却被他身上少年的甜美浪漫主义所平衡,即使是开性玩笑,也能被接受。   以及石井用纸墨的画法,用笔干净自由。伊西认为,只有当艺术家本人享受创作时,观众才能享受他的作品。所以当我们看到他的作品时,可以放心地微笑。这对我们来说是一种宣泄,也许对他来说也是一种与癌症斗争的经历。他每天都在用自己的艺术解放52K+粉丝的心。   要在TRiCERA.Net上看到更多石井野夫的作品,请点击这里。     P.S.希望他的粉丝们能懂日语,因为有些标题是奥义噱头,我想他们看到后会更加欣赏他的作品。   See You16 x 22 cm   日文标题是"Jar Ne",意思是像英文"See ya"一样的随意尊称。它玩的是"罐"字(虽然是茶壶),两边有两个人在说"再见"。   37 x 26 cm     https://www.instagram.com/p/B9dgr9uJF7t/?utm_source=ig_web_copy_link   https://www.instagram.com/p/B3iqawTJ0aV/?utm_source=ig_web_copy_link       https://www.instagram.com/p/BwLIpVCJnnK/?utm_source=ig_web_copy_link     更多有趣的发现,别忘了订阅ArtClip通讯!

亚洲艺术家崛起,亚洲艺术力量在香港艺术周上爆发。

在香港巴塞尔艺术博览会上会面   从媒体和贵宾的私下观摩开始,香港巴塞尔艺术展于3月27日至31日举行。 尽管艺术博览会的主要功能和目的是销售艺术品,但为"展览功能"而呈现的"邂逅",却让参观者可以像在博物馆里欣赏艺术品一样,大尺度地欣赏艺术品。今年的"邂逅"集中展示了亚洲艺术家的作品,如李卜、汐田千晴、赵赵、米杰客栈和Pinaree Sanpitak等。 参加《邂逅》的12位艺术家中的5位。     '塞尚.., 莫兰迪 ,漱玉'展览作为一个舞台,为   除了这个著名的艺术博览会,香港巴塞尔艺术博览会还在香港艺术周中,在Pedder和H.Queen's等专门的艺术建筑中,以及在Art Central等艺术博览会上,举办了许多引人注目的展览。亚洲艺术家是今年香港艺术周的亮点,来自世界各地的画廊展示了亚洲新锐艺术家和20世纪艺术家的作品。展览的题目是"塞尚、莫兰迪、桑榆",但只要关注欧洲两位艺术家之一的桑榆就够了。策展人曾方志给出了选择三余的理由。   桑榆的画风与塞尚、莫兰迪的画风极为相似,但他的画风基本上是东方的,用油彩画出心中的水墨。     正如他自己所言,选择桑榆参展的原因是值得注意的:他想和另外两位十九、二十世纪的欧洲顶尖艺术家一起,利用这次展览的机会,让公众关注桑榆。特别是在这个时代,在作品的方法和材料上,欧美的艺术家和亚洲的艺术家并没有太大的区别。不过,在亚洲艺术家的作品中,肯定能感受到一种独特的魅力。它可能来自各种社会、政治和环境背景。   本次展览以香港画廊为背景,由塞尚、莫兰迪、桑榆、曾芳志和高古轩共同策划。无论如何,我可以理解这场运动和它关注亚洲艺术家的意图。   G它的主角是来自海外的亚洲年轻艺术家。     在香港巴塞尔艺术展上,参与的画廊之一Capsule Shanghai展出了1984年出生、常驻纽约的台湾年轻艺术家黄海新的作品。由于是首次参加巴塞尔艺术展,她的诙谐作品吸引了很多人的关注。在今年的香港巴塞尔艺术博览会上,她的作品描绘了巴塞尔艺术博览会的风景,但她的作品却对巴塞尔艺术博览会和艺术市场进行了幽默而精彩的嘲讽。     在香港巴塞尔艺术博览会之后的第二大艺术展--香港中环艺术展上,同样出现了1975年出生、常驻慕尼黑的中国画家徐海新。慕尼黑的Galerie Andreas Binder画廊与其他艺术家一起展出了她的作品。根据她的简历,她在德国慕尼黑获得了硕士学位,并以艺术家的身份常驻那里,但也有像黄海心这样的情况,她常驻纽约,但代理中国的一家画廊,徐海鹰则在国外留学,代理当地的一家画廊。徐海英,曾在国外留学,代理当地一家画廊。 无论亚洲艺术家是如何获得在香港展出的机会,有一点是明确的:许多国际画廊对来自不同背景的年轻亚洲艺术家感兴趣。   青年艺术家在TRiCERA上   超过100位艺术家参加了TRiCERA,不仅有经验丰富的艺术家,还有许多才华横溢的年轻艺术家。我们想介绍其中的一个作品,沼田真奈美。曾获"第72届日本女子美术协会"大奖,并赴意大利留学。   沼田真奈美所著的《时间卖家》。   每周都会有新作品上传,请大家多多关注。   本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

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艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

画出残缺的形体之外的美–专访沙美希。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家,2020年毕业于武藏野美术大学油画专业,从2016年左右开始,她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩,反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi,了解了她的作品背景和她至今的心路历程,正如她所说:"可爱的东西即使被分解,也能保持可爱的一面。     三越,你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外,还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗?   恐怕是感觉上的问题,但说到图案,最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩,但受父母的影响,我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏,通过这些,我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ,也许是我的作品倾向的缘故,经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上,我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情,我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ,另一方面,我不仅对可爱感兴趣,还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱,但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚,也许只是一种感觉,但我真的很喜欢这种状态。 ,并不是我有上瘾的爱好,而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱,我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想,我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中,不仅脸部,而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌,你对变形的身体也感兴趣吗?   就像你说的,除了性格化的女孩和她们的解体,我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西,而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中,有一个角色的身体被改造的场景,我特别喜欢这个场景。事实上,这是我唯一看的场景(笑)。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西,比如魔女的变身场景。 ,所以我一直想画一个会变化形状的身体,但直到遇到马多野爱的作品,我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色,但这就是瓦解的来源。   是的,是这样的 有很多时候,我会拿到一根冰柱,然后说:"哦,就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉,但从那时起,我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年,《联合》,116.7×91cm,描纸,油画和钢笔,画布。   在形成你现在的画作时,你是否有参考过其他艺术家的作品?   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响,但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色,她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家,但你要摆脱他们的影响是不是很难? 不,真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶,而自己的性格又容易模仿别人,所以我很担心。 ,但是,你们两个都是独一无二的,所以,比如艾-麦当娜的女孩,皮肤颜色不同,阴影使用荧光色,以及其他视觉上独特的部分,比如在眼睛里放字母,我禁止使用,或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性,我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为,我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙,也喜欢不经意间画出线条的时间。 ,至于涂料,我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料,让画面看起来凹凸不平,但近距离看我的作品,粗糙感很突出,我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好",现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗?   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体,但更多的是二次创作,我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候,我觉得更安心。我喜欢画布的重量,当我从侧面,或从一个角度,或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的? 你一直喜欢画画吗?   其实我上的是设计类的高中,所以对画画比较熟悉,学了三年设计,但是设计就是用来和人交流的,你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ,有很多作业要求,比如:"只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出,笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃,他们就会很生气。即使是交作业的时候,也会有人对我说:"你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年,《联合》,41 x 41cm,油画和钢笔,画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗?   不,我当时根本没有想到。初中的时候,我就想做绘本家,我很喜欢酒井驹子,但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ,但到了选择职业道路的时候,我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校,那里有一个油画课程的摊位。 太美了!也就是在那时候,我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了,不是吗?你到底是什么时候开始的?   在活动方面,是在2016年大学一年级的时候,我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展,也就是在那里,我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品,然后是在上面画了线条的丙烯画。 ,在这之前,我的作品甚至都不是女孩的作品,都是比较抽象的,我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条,但我用的是油画颜料,而不是现在的丙烯颜料,我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的,但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了,而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩,表情的深度和重量,但速度不适合我。...

东京青年艺术场景#001

1.一流酒店角落里的当代艺术画廊 "MEDEL GALLERY SHU"位于东京银座帝国酒店广场,是一家于2018年4月开业的当代艺术画廊。 该画廊至今已举办了70多个展览,主要是年轻艺术家的作品。很多有潜力的艺术家被引进,有的在展览后成为专属艺术家。 基于"一切有价值的东西都是艺术"的理念,时装、配饰、珠宝与艺术品一样出现。这是一个充满新气息的画廊。 2.安井孝之:融合了绘画和雕塑的艺术家。 最近,MEDEL GALLERY SHU介绍了一位将绘画和雕塑融合在一起的艺术家--安井高之助。 安井的绘画和雕塑有着共同的"皱纹"质感,安井以当代模特为主题,象征着现实与理想的二元对立之间的一些东西,创造出一种模糊了绘画与雕塑之间界限的表达方式。 本次展览中,艺术家将以罗丹的情人和雕塑家卡米耶-克劳德尔为主题。她通过符号化事物之间空间的技术,呈现出一种奇观,这种奇观就像一种情感,基于历史的差距,我们这些生活在当下的人,也看到了过去。 与商业不同,我们生活的日常世界并不是黑白分明的。安井的作品以艺术的形式戏剧性地表现出来。 安井隆之介,《神逝》,2020年,石膏/棉布/丙烯/木板,163.5×132.5cm。 安井隆之助,水库,2020,石膏/棉布/丙烯/木板,137×91.5cm。 3.AZUSA NOZAWA:波普而清新的画作,犀利地提到了性的周围环境。 MEDEL GALLERY SHU计划在展览中介绍她的作品,值得关注的艺术家是野泽谅。她的特点是在"贴纸炸弹"的基础上,用技巧在屏幕上窄窄地画出不成熟的男孩和女孩。 贴纸炸弹是一种在汽车或摩托车上贴纸的技术。虽说是源自街头文化的类型手法,但野泽却用这种手法将自己童年时收集的杂物填满画面。...

漫画如何作为艺术传播?Shueisha的漫画艺术”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”已经开始。

冈本:非常感谢您的评价。但我也不想和"艺术市场"中现有的流派对着干。艺术有很多不同的流派,不管是绘画还是雕塑,我不想在市场上和他们竞争,抢走他们的市场份额。我不想和他们竞争,抢走他们的市场份额。 我更愿意和其他流派合作。例如,你可以与工艺美术师合作,制作一个漆画框。如果你想把你的作品作为一个艺术作品,作为一个日本的创作来呈现的话,我觉得和其他流派的合作很重要。 井口:在将漫画拓展到其他艺术类型的同时,我认为要与现有的艺术产生共生关系,创造新的价值。 冈本是的,这就是我认为有趣的地方。到现在为止,已经有了海报和复制品。但从来没有把漫画作为艺术品来开发的想法,以保证艺术品的质量。当然,这对树德社来说是第一次,我想这对行业来说也是一个新的东西。 井口:你刚才说"作为艺术",但从这个意义上讲,我觉得用区块链发证是很有意思的,或者说,它在某种程度上是直指问题的核心。作为一个从事艺术的人(笑),我可以想象,当人们听到区块链和证书时,他们可能会想到分销、价值形成和抵押品。(笑)我可以想象,当他们听到区块链和证书的时候,他们会想到发行、价值形成、抵押品,这次我觉得会作为一个多作品来发展,到时候就必须要谈版号管理。 冈本:没错。这正是让我认识到这个项目潜力的初衷。我不想被人认为是在卖复制品。在这种情况下,我需要设计一种方法来管理这些版本和发行它们,或者说是一种逻辑,让它们作为艺术品在市场上流动。从这个意义上说,Startburn的区块链系统是一个很大的催化剂。 井口:我觉得你刚才说的有一点,"作为艺术的分配"是非常重要的,我觉得当代艺术是一个系统而不是一个流派。但是,当我这样想的时候,虽然可能是重复我前面所说的,但是在版画、照片等可以复制的作品的发行过程中,版本管理,或者更具体地说,市场价值的管理就变得非常重要。 冈本:我想你是对的。 如果我们能通过这个问题,那么我认为已经奠定了基础。在今天的当代艺术中,有一种倾向,那就是接受原本来自外界的人,比如KAWS。所以街头艺术、波普艺术或插画已经成为一种流派。也许我说得太夸张了,但我认为新类型的漫画有进入这个领域的基础。如果我说这样的话,可能又会被别人骂我说的太多了(笑)。 冈本:没有,但我明白你的意思。但这也是为什么要用心创造价值的原因。包装、运输也是如此,当然还有证书。 井口:在法国,漫画据说是第九艺术(笑)。但正如你所说,当代艺术是一个机制的世界,是有规则的。你按照"礼仪"或者说商业惯例来做,很隐忍,我觉得你对这个项目很认真。 冈本但如果从这个角度来谈,另一方面,我想避免与当代艺术,或者说与美术的核心对接。我意识到漫画的背景,美术方面有现有的方法和技巧。我认为,试图强迫自己去顺应这一点是不好的。当然,我一点都不忽视,这也是为什么我们要讨论区块链证书... ...我想把它确立为更广泛意义上的艺术,我认为有必要思考它本身的背景和价值。 我明白了另外,在价值方面,这是我个人的观点,但我认为,价值是一种被感知的东西,当一种共同的价值,或者说认可被创造出来的时候,它就会成长。当这种共同价值增长时,整体价值就会诞生。我对漫画艺术如何创造艺术价值非常感兴趣,我认为这里面有很大的潜力。 以"漫画艺术"的方式来传承漫画。 井口:说到问题的核心,或者说说得更深一点,您觉得这个《修真漫画-艺术遗产》和复制品最大的区别是什么? 冈本:最大的区别是研究和修复。其实,原创漫画作品褪色、变质的速度非常快。它们比油画要脆弱得多。这是因为以周、月连载为基础的漫画原画,为了适应生产速度,往往使用容易干燥的染料油墨。这些油墨是漫画的表现力所在,但它们也会很快褪色和变色。另外,还有很多因素会损坏纸张,比如粘贴成绩单的粘合剂。 井口:我明白了,所以你没有让原图持续时间更长的想法,因为你认为它会被打印出来。 冈本是的,没错。我听说有的档案专家说,档案的寿命不超过100年。即使它们被存放在适当的设施中,也是如此。所有的漫画原画都在以持续的速度恶化。所以,我在做这个作品的时候,就研究了一下原来的状况是什么样的,一边做一边还原。 井口:不只是简单的印花吧? 冈本:没错。而且与漫画不同的是,原图是放大而不是缩小。所以,如果你从摄影到印刷都没有做好,最后得到的东西是无法欣赏的。从生产到发行,一切都要经过严格的控制,所以我们不能简单的说我们是做复制品。 井口:把它做成艺术,我们就把它留下来。 冈本通过把它们作为图片留下,换句话说,作为给人一种与漫画状态不同的体验的东西。如今,我听到纸质原件在拍卖会上被卖出高价的故事,但原件却没有被及时保存下来。我们有数字档案,但原纸只怕是越来越差了。所以这个项目如果产生了资金,可以用于研究艺术品原件的存放,当然也可以返还给艺术家。 井口:你可以为漫画家创造一个新的活动领域。 冈本那正好,漫画的世界也越来越艰难了。艺术家仅靠稿费和版税谋生是很难的,但如果能把自己的画作当做艺术,也许就能看到不一样的可能性。今后,我想把新漫画家的画也变成艺术品。 井口:这样一想,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的目标就很明确了吧?漫画的传承,以及漫画家的新可能性。 冈本:漫画毕竟是日本重要的产业和文化。我们要在适应时代的同时,思考如何传承,我想这也是一直把漫画送出去的书生社不得不重视的问题。我想仔细地,当然也想挑战地建立漫画作为艺术是否可行的问题。 冈本正志 - 冈本正志 昭和漫画-艺术遗产"的导演。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。先后在女性杂志和女性杂志门户网站工作,参与漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。他还将《周刊少年Jump》等漫画杂志的制作环境数字化。转入数码部后,先后推出了"漫画工厂"和"SSDB(树艺社综合数据库)"。 太井口 大学毕业后,他加入了一家老牌的音响设备制造商,并在亚太区总部开始了他的职业生涯。2015年加入耐克日本公司,2017年担任日本直营店供应链经理,参与全球项目,并在日本启动和执行多个新项目。2018年11月1日,他成立了TRiCERA公司。 网站网址https://mangaart.jp/

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