星期三, 6月 29, 2022
Home News 森林中舞蹈的短暂艺术。

森林中舞蹈的短暂艺术。

 烟花、玻璃、樱花……世界上有很多短暂的事物和物品。在它们身上发现美,是人类的基本天性。

 蝴蝶是这些短暂的生命中的第一个。

 它那不规则的翅膀扇动,似乎随时都会消失,那娇小的身躯,似乎只要你一碰就会碎掉。蝴蝶就像昙花一现的艺术,翅膀上的图案让无数人迷恋。

 因为蝴蝶的美丽,所以一直被作为绘画和设计的题材,如日本花田设计中的”牡丹与蝴蝶”。在本文中,小编要介绍的是画布上翩翩起舞的蝴蝶。

Aira


蝴蝶40 x 40厘米

蝴蝶47 x 32 cm

有关艺术家的更多信息,请点击这里

山田久美子

蝴蝶II
22.7 x 15.8厘米
蝴蝶III
22.7 x 15.8厘米
蝴蝶
ⅴ22.7 x 15.8 cm

有关艺术家的更多信息,请点击这里

Anna Koshal

蝴蝶 –
1100 x 80 cm
蝴蝶 –
2100 x 80 cm
蝴蝶 –
5100 x 80 cm

点击这里了解更多关于这位艺术家的信息

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

Most Popular

You Might Like

东京青年艺术场景#001

1.一流酒店角落里的当代艺术画廊 "MEDEL GALLERY SHU"位于东京银座帝国酒店广场,是一家于2018年4月开业的当代艺术画廊。 该画廊至今已举办了70多个展览,主要是年轻艺术家的作品。很多有潜力的艺术家被引进,有的在展览后成为专属艺术家。 基于"一切有价值的东西都是艺术"的理念,时装、配饰、珠宝与艺术品一样出现。这是一个充满新气息的画廊。 2.安井孝之:融合了绘画和雕塑的艺术家。 最近,MEDEL GALLERY SHU介绍了一位将绘画和雕塑融合在一起的艺术家--安井高之助。 安井的绘画和雕塑有着共同的"皱纹"质感,安井以当代模特为主题,象征着现实与理想的二元对立之间的一些东西,创造出一种模糊了绘画与雕塑之间界限的表达方式。 本次展览中,艺术家将以罗丹的情人和雕塑家卡米耶-克劳德尔为主题。她通过符号化事物之间空间的技术,呈现出一种奇观,这种奇观就像一种情感,基于历史的差距,我们这些生活在当下的人,也看到了过去。 与商业不同,我们生活的日常世界并不是黑白分明的。安井的作品以艺术的形式戏剧性地表现出来。 安井隆之介,《神逝》,2020年,石膏/棉布/丙烯/木板,163.5×132.5cm。 安井隆之助,水库,2020,石膏/棉布/丙烯/木板,137×91.5cm。 3.AZUSA NOZAWA:波普而清新的画作,犀利地提到了性的周围环境。 MEDEL GALLERY SHU计划在展览中介绍她的作品,值得关注的艺术家是野泽谅。她的特点是在"贴纸炸弹"的基础上,用技巧在屏幕上窄窄地画出不成熟的男孩和女孩。 贴纸炸弹是一种在汽车或摩托车上贴纸的技术。虽说是源自街头文化的类型手法,但野泽却用这种手法将自己童年时收集的杂物填满画面。...

菊竹雄鹰画廊展览”我想要一颗钉子”的评论。

装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 6月6日至7月13日,菊竹优人画廊隆重推出艺术家二人组作品展"为了想钉子"。 奈尔-霍尔是由两位日本年轻艺术家田中义久和饭田龙太组成的艺术家二人组,始于2007年,当时田中和饭田就如何提出和分享当代社会的问题进行了讨论。他们从2007年开始合作。 今年在菊竹丰画廊举办的展览,将展出以大分县别府市为灵感的作品。去年夏天,内尔-霍尔参加了在别府举办的名为"KASHIMA"的居住项目。在这个项目中,她研究了日本最著名的温泉胜地之一别府的历史,从明治初期到第一次世界大战和第二次世界大战的历史。 内尔-霍尔的研究范围从别府人的口述历史到当地的资源和温泉的自然环境,以及伴随着历史发展而来的文化方面。 研究成果以13幅作品的形式展示在葵之家、别府公园以及他居住的商业设施的墙壁上。此次在东京Yutaka Kikutake画廊举办的展览中,我们还将展出上述作为东京项目而构思的新作品。新的作品也是基于在驻地进行的研究。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 他们作品的有趣之处在于,每一部作品都有自己的故事。比如,《金先生的肖像》是我与当地一位金先生的对话所得到的灵感。金先生的肖像》背后的故事是这样的向尼赫鲁讲述了在朝鲜战争中当兵的人,回国后开韩国烧烤店的故事,以及二战后移民日本的朝鲜人在日本生活的故事。这部作品的诞生,是因为聆听了在日本的韩国移民的故事,他们现在已经成为当地人,让我们感受到不同背景的人的历史和生活。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 野豚"和"节拍器"的灵感来源于别府动物的故事和经历。尼赫鲁听说别府的河流中居住着热带鱼,便到堺河下游寻找瓜皮鱼,结果找到了。虽然石斑鱼原产于南美洲,但它已经成为当地的一种鱼类。豚鱼已经适应了环境的变化,看起来更像一条鳉鱼,但它的腹部仍然有着热带鱼特有的鲜艳。此外,通过《节拍器》,Nelhole还将个人经历与当地动物的记忆结合在一起,当我去看高崎山的野生猴子时,那里有1200多只猴子,我看到父母猴子在它们死后的几个星期里都在背着和抱着它们的小猴子。我很惊讶。这种行为是由于没有接受这种情况。在回家的路上,内尔霍听着与猴子心跳节奏相同的节拍器安静的声音,他回忆着猴子的行为。 ...

我们将举行抽奖活动,销售神童加奈/中岛健太的新版画。

TRiCERA很高兴地宣布,我们将以抽签的方式销售曾在富士电视台网络媒体"富士特评"中出现过的艺术家神子加奈和中岛健太的新版画作品。     受理期 2020 年 10 月 25 日(周日)10:00--2020 年 11 月 10 日(周二)■获奖通知 仅在 2020 年 11 月 17 日(周二)前以电子邮件方式通知获奖者 xml-ph-。0046@deepl.internal ■ 申请方式 请填写报名表,并在报名前阅读注意事项。     出售须知】(1)作品将由艺术家签名并编号。 (2)请注意,本次抽奖活动,您可能无法获得心仪的作品。...

采访野田丽马

野田丽马1995年出生于爱知县一宫市,现就读于东京艺术大学漆艺专业硕士课程。我们采访了野田,他谈到了自己的作品和"在这个国家的表达方式",他尝试用昆虫、水果等自然物的具象性,用工艺技术和语境来创作。     我感觉您的很多作品都是以昆虫和香蕉为主题,您能先谈谈吗? -我的作品是以甲虫等昆虫为题材,最近我又以香蕉为题材,用漆艺创作。我想表达的是大自然的每一个故事。内容非常简单。我看昆虫和自然界,我觉得它们和人类不相上下。这真是太神奇了。我们无法与大自然创造的形状和颜色的伟大相提并论。当我想到自己作为一个人,能做什么的时候,我想是表达和讲述自然形态背后的故事。     你用的是漆,但你的技术很多是归功于工艺? -部分原因是我自己在手工艺领域学习过,但我认为,当你想在这个国家创造一种成型的表达方式时,它是一种重要的材料。不管是气候还是文化,我认为漆器的特点和背景是非常重要的。还有就是工艺本身。这种类型,无论好坏,都有很强的材料局限性。可能会有一些弊端,但我认为可以从材料的底层入手,表面处理技术也很出色。有很多工作要做,我觉得对每一件工作(手工)都有很强的责任感。这也是我喜欢它的原因之一。   但你会选择当代艺术的存在吗? -是的,我想把我的作品作为当代艺术来展示。我想我第一次认识当代艺术是在本科四年级。本来,这与流派无关,但我喜欢造型艺术。换一种说法,就是"用眼睛就能完成的事情"。在手工业界,物尽其用的倾向特别强烈。     有什么当代艺术家是你在关注的吗? -给我留下深刻印象的人是Demian Hirst。我不在乎是否时尚,但我认为我受到作品的影响,改变了我对事物的价值取向。赫斯特的作品是一个例子,还有就是《喷泉》。   所以你本来可以学雕塑,但这部分原因是你前面提到的材料问题吗? -是的,就是这样。说实话,我觉得雕塑可能是个不错的选择。但我以为雕塑这个流派太宽泛了,部分原因是它受材料的限制比工艺的限制小。我以为这种手艺是正确的方法,先把它学好。当我想到它是一种表达方式时,手艺似乎很适合。我仍然想把当代艺术作为我的领域,但我并没有打算放弃工笔画的语境。     回到你的表情,你最近开始了一系列的香蕉。有趣的是,你为什么选择这种水果作为主题。 -我决定做的第一件事是毕业项目。说实话,我也没什么动力,只是觉得有一个大金香蕉会很有意思。于是,我去千叶的一个农场看了看实物。这是一个相当大的转折点,因为真实的东西真的很酷。在我大腿那么大的树干上,大约长了两三百个,不顾地心引力。这时我就想,我不应该自己变形。我觉得对我来说太早了,所以我把它带回家了。最近我才开始工作。   是否给我留下深刻印象是标准? -当然,这也是其中的一部分,但是......好吧,这是一个小小的飞跃,但是当我想到什么是艺术最重要的时候,我认为它是积极的。我的意思不是说好听的语境什么的(笑)。(笑)但我认为最重要的是创造出一些让你看到它时感到积极的东西。不是让你感到消极的东西,而是让你感到积极的东西,比如一段美好的回忆或一场胜利或一种欣喜的感觉。我自己也想在作品中创造这种精神气质。     我很好奇你立场的背景。 -大概是从我读本科三年级时的一次柬埔寨之行开始的。我获得了奖学金,去了一个有漆器的地区,虽然那里的贫富差距比日本大得多,但那里的寺庙建得非常华丽,我被他们的宗教意识所感动。我想每个人都有自己感受幸福的方式,但祈祷并不能给你带来什么,也未必能改变你的身体。即便如此,至少在我看来,他们的生活似乎有了积极的改变。我希望我的作品也是这样。   受这种思想直接影响的作品有哪些? -这是甲虫的作品,叫"Vulgarly"。总之,我想做一个真人大小的人偶。我把它想象成一个被祈祷的存在,所以它需要有这个尺寸。但这是我自己的一个化身,或者说我想雕塑一个理想的存在。然后,当我想到在这个国家表达什么合适时,我决定用甲虫,因为日本有一种独特的甲虫。金箔的使用也受到寺庙的影响。毕竟,金色是一种吸引人的颜色。     从你说的情况来看,听起来你的作品正在朝着象征性的方向发展。 -是的,确实如此。例如,甲虫是某种力量的象征。就像军阀的头盔一样,我选择代表尊严和力量的图案。从这个意义上说,香蕉也是一样的。我们把它叫做"香蕉系列",首字母"V"和"胜利"是一样的,就像我之前说的,我觉得香蕉所具有的强大的生命感是一种象征。   虽然概念很清晰,但我觉得你的表达方式很简约,但这是否受你对自然形态的感受影响? -我不知道......但肯定有一种尊重。可能是跑题了,不过......我个人认为,所有的生物在诞生的时候都有同样的意义,当我把香蕉和昆虫看成是平等的生物时,我觉得用人类特有的价值感来评判它们,或者用和人类一样的时间感来评判它们,我觉得很不舒服。我不知道用同样的方式表达自己的想法,在人的尺度上是否可以。     这也和我们刚才说的,关于我们人类可以做什么样的表达有关。 -是的,没错。对于香蕉,我是根据真实的东西来塑造的,因为我想表达香蕉生命和生长的证据,因为它是真实的。然后,我就把我看到它时的能量,在受到色彩和形状,以及材料和技术的限制下,思考如何表达它。看事物的方法有很多种,但我觉得昆虫的形状很酷,很美。所以我觉得我不应该取笑他们。     您刚才说的文字和作品之间似乎有很近的距离,您是否意识到这一点? - 我是这么想的,我很高兴你这么想。很高兴你这么想,对图案的感受是一样的,但也如你所说,我希望作品能完整地呈现在眼前,如果是这样的话,我想你第一眼看到它和我想说的话之间的距离应该很短。.我不擅长这种工作,或者说,我个人不太会看抽象画(笑)。压力有点大。我喜欢看一般的东西,但也喜欢能用眼睛完成作品。这就是为什么我喜欢雕塑和昆虫的原因。昆虫是最不紧张的看。   在你的作品中,视觉效果是第一位的吗?-是的,绝对是。形体本身一开始是在草图中完成的,但当我用三维的方式创作时--换句话说,当我雕塑它的时候,除非它有形体,否则我无法把握它。另外,我是那种从一个模糊的想法出发,然后在完成后再巩固概念的人。我是那种用手思考的人。我不太擅长反面。我不太擅长其他方式。我想,文字还不够好吗?     回到你的流派,当你尝试在当代艺术领域工作时,你的工艺背景是否会妨碍你的工作? -这不是一个障碍。但在表达上,从手艺的角度来说,我做了很多鲁莽的事情。主要是在技术方面,比如焊接。但我不想削弱手艺的吸引力,我认为它绝对有潜力。......然而,(手艺)确实倾向于关注技术和材料,无论好坏。在点评中,将使用的技术水平与博物馆等传统工艺进行对比。就像"不,多看看香蕉的灵气!"。(笑)。(笑)但这很好。这就是思维的不同。我觉得有不同想法的人是好事。想表达什么就说什么,互相打击真的很重要。我觉得把自己想表达的东西说出来,面对对方很重要。   这是一个有趣的态度。最后,你有什么想挑战或计划在未来做的事情吗? -现在,我只是在刷题。与其说是新的东西,不如说是我想深入研究一下我目前正在研究的香蕉和我目前的表达方式。现在也是我的毕业项目的时候,所以我在想如何把我想说的东西演化成一种更容易传达的方式,我想现在是完善的时候了。我想和尽可能多的人分享我的工作,所以,是的,我想让它更方便。现在,有些点我觉得:"这个部分不够好。我还想追求一些不像甲虫那样太过浮夸和过分的东西(笑)。     野田龙马野田龙马1995年出生于爱知县一宫市,2014年毕业于爱知县木子高中设计系,2015年考入东京艺术大学工艺系。去年,她在东京艺术大学的毕业展上获得了"鸟居市长奖"。现就读于该校工艺美术研究生院漆艺专业硕士研究生班。 作品页面: https://www.tricera.net/artist/8100422Instagram:https://www.instagram。com/ryoma_noda/?hl=en

艺术中”蓝”的故事

我们看到的生活是极其生动的。 然而,似乎只有艺术家和设计师才会在日常生活中注意到色彩。 让我们花点时间考虑一下颜色对我们的影响。比如说红色能促进肾上腺素的分泌,黄色能影响淋巴功能。不管真相如何,色彩对生理或心理功能的影响都被积极应用于广告等领域。换句话说,颜色是根据广告的目的来使用的。 那么在艺术界呢? 例如,蓝色经常被用在印象派的作品中,在中世纪,蓝色是皇家的颜色。伊夫-克莱恩也对蓝色情有独钟,并创造了自己的颜色--国际克莱恩蓝(IKB)。蓝色是宁静和高贵的颜色。 当然,色彩是艺术不可缺少的小工具之一。轻盈或暗淡,奢华或纯洁,每一种具体的色彩都有自己的隐喻形象,也是输出画家所设想的世界的重要手段。 日南田的作品也不例外。她的作品以蜡笔、丙烯颜料和石膏为基调,规模宏大,用色多为蓝色。 点击这里了解更多关于她作品的信息  Delta N.A是一个艺术家单位,在洛杉矶、都灵、迈阿密、蒙特卡洛、巴黎等世界各地巡回展出作品的同时,其作品的主旨是当代人所面临的二元对立。低光蓝调的运用,邀请我们进入一段轻松的时光,色彩中带着一丝幻想,引人深思。 点击这里了解更多作品信息 高桥宏树是一位细腻描绘日本四季美景的艺术家。他非常注意保持色彩的清晰度和新鲜感,最大限度地发挥了矿物颜料的材料之美。由矿物颜料衍生出的色彩所纺成的情感丰富的画面,完成了坚实的深度,但又不失精致。  富士和银河,是用深蓝色画出的最日本的图案之一,坐在家里的椅子上慢慢看就好了。 点击这里查看作品详情 艺术是由图案、材料、笔触、意境等无数成分组成的。但是,在选择与我们生活息息相关的艺术作品时,我们应该注意色彩。

Don't Miss

TRiCERA的艺人出现在日本电视节目”Pre-Breakthrough”中。

已有100多位艺人参与了TRiCERA的服务,其中一些艺人曾在日本电视节目"Break Senya"中被称为"Break前夜--下一代艺人"。以下是部分艺人的片段。   土田圭介   https://youtu.be/dxff44DdumU     查看更多土田圭介的作品。 这里 更多   小川五郎   https://youtu.be/NzIFKYC_qsw     查看更多小川五郎的作品这里更多   Yu Uchida   https://youtu.be/SKzYm92XoBY     查看更多内田裕的作品 这里 更多   Aran Yasuoka   https://youtu.be/E2N7nuM_-WY     点击 这里查看更多安冈阿兰的作品。   Yuna Okanishi   https://youtu.be/hXQ2TwrjfYE     查看更多冈西由奈的作品。这里从:   Osamu Watanabe   https://youtu.be/dRcfSvzVYZ0     查看更多渡边治的作品。这里更多   Tomoichi Fujita   https://youtu.be/1-ZnEXmS4WI     想看更多藤田智一的作品,请访问这里从   蒲田千寻   https://youtu.be/ep6Ob--4RzU     查看神田千寻的更多作品这里从   Haruka Kanamaru   https://youtu.be/mO3FPZPMSV0     查看更多金丸春香的作品。 这里 从   在这里,您可以找到由我们的艺术顾问挑选出来的高质量的艺术作品和艺术品。同时,我们还通过提供安全的配送和优质的客户服务来保证质量,让您的购买变得无缝便捷。   TRiCERA是艺术家和买家唯一可以信赖的平台。我们提供每件作品的详细信息,并以日语、中文、英语回答咨询。我们的目标是向世界推广日本的艺术品。

裸体的现体制:当代绘画面对”裸体”的问题。

 裸体表现的是人的真实形象。从公元前的希腊艺术时代开始,很早以前就有裸体作品产生,即使在没有系统化的原始艺术中,世界各地也都有积极的创作。  在《米兰敕令》之后,欧洲以基督教的名义进行治理,但即使在公序良俗的时代,"裸体"也是艺术界不可侵犯的一部分。即使以"它有寓言和神话"的借口来对待裸体是必要的。  然而,戈雅所画的西方艺术史上第一幅庸俗而具象的女性裸体画《裸体马哈》,在"描绘《圣经》、神话和故事中的场景的神话历史画"之外,开辟了一个新的领域。  从此,裸体,继续让人们着迷,它超越了艺术世界,发生了戏剧性的变化,出现了各种人物。然而,在这个互联网时代,我们只需一部智能手机,就能随时随地与"裸体"相连。在这一点上,我们能否与其他媒体在感性上相抗衡是个问题,但今天的艺术家处理"裸体"的意义何在?通过本文介绍的作品,我们想一起思考这个问题。 Fiona Maclean 点击这里了解更多关于这位艺术家的信息 Andrea Vandoni 点击这里获取更多关于艺术家的信息 Isabel Mahe 点击这里获取更多关于艺术家的信息 Zakhar Shevchuk 点击这里查看艺术家的详细资料 Badri Vaklian 点击这里查看艺术家的详细资料

是不是和《宠物小精灵》类似?纸上艺术故事第三部分–完整

解决的办法是,他们都在进化。本文是纸艺系列的最后一章(目前),也是第一篇。第一部分&.2然后我们再看看他们的进化。另外,如果能跳到链接上,就更有意思了。 第一部分 - 小时候我们认识和玩过的纸的魅力,在"成长"的过程中被遗忘,变成了一个无聊的物件。然而,我们可以通过纸艺术家重新发现这种魅力,他们向我们展示了"纸不仅是一种包含艺术的媒介,而且也可以是一种施展创造力的材料本身"。 第二部分- 纪念人类与纸的关系,已经有4000多年的历史,即使在无纸化时代,也不会在一夜之间消失。厚度不到一毫米的纸张,随着发展,已经具备了不可思议的艺术品质。纸张来源于植物,具有生物能量。正是这种有机的能量,"在艺术家与艺术之间,在艺术与我们之间起到了催化剂的作用。 我们来看看纸艺的另一个方面。它的进化可能会像神奇宝贝一样给我们带来惊喜,它的成长超出了我们的想象。不过,对于我们这些热爱艺术的人来说,"目标是成为00级大师!"。而我们却被刺激的推倒了。 进化1型"糯米邦"不忘本 ,当我抓到蝌蚪一样的神奇宝贝Nyoromo时,我相信它会进化成绿色青蛙一样的形态。但它的最终形态--虬龙,腹部仍是蓝色的漩涡,本质上是一只蝌蚪。同样,一些纸艺也强烈地忠于自己的本源,声讨纸张的原始存在。荷兰平面设计师和园林建筑师StuidoMie创作了一个名为PaperWork的系列。顾名思义,尽管作品很简单,几乎完全由纸片和纸片组成,但其惊人的艺术演变却能让观者大跌眼镜。 她的作品似乎是从抽象和极简主义的DNA中演化出来的,她的作品给观众留下了这样的疑问:"难道不是要在彻底去除元素的过程中找到冲击力吗?她的作品似乎对艺术的先入为主的结构和美学进行了刺探。极简主义艺术大师弗兰克-斯特拉说:"看到什么,就理解什么。"我不禁从园林设计师和自然环境的角度来解读她的作品。(也不知为什么,当我看到她的作品时,耳边就会听到美国前卫作曲家约翰-凯奇的音乐。 如果你曾经踏入过迷宫花园,你可能已经注意到,当你试图识别模式时,你的眼睛会被形状和阴影所迷惑。在StudioMie的作品中,我们体验到了从人造迷宫中游走出来,进入自然森林的不可预知性,以及结构上排列的纸片所产生的不确定的影子。在冠状病毒锁定期间,她问道:"当一个模式或系统意外地变得不稳定时,会发生什么?系统是恢复、转化还是消退?并成功地将其升华为PW024/摇摇欲坠模式的简单而有力的作品。 进化类型2:"Gyarados":大力的体能转换。 就像从无奈弹跳的锦鲤王到飞翔的水龙加亚拉多斯的戏剧性跳跃一样,大村洋次郎的第二类作品让你不禁要问,它是如何从相同的DNA(在这种情况下是纸)进化而来的。他的作品充满了生命力,但令人难以置信的是,如果没有他的雕塑天赋,那就只是一张纸。一只迷幻色彩的蜥蜴正准备捕捉猎物,一只六叶蜻蜓飞向星光灿烂的银河系。屡获殊荣的艺术家的想象力和技巧将它们变成了非凡的纸艺变体。 当然,从经典的毛毛虫到蝴蝶,还有一些演变,但我们不想剥夺你在这个庞大而多样的艺术世界中寻找和收藏你的最爱的乐趣。希望大家努力完成自己的画册,成为一名"00"高手。 不要忘记订阅ArtClip通讯,以获得更多有趣的发现。

西村幸子:日本萨满教书法家访谈录

"我觉得和神灵有联系,我注重表达人物的意义。" Yukiko Nishimura 西村幸子是一位艺术家、书法家、设计师和企业主。她是国际知名的礼服设计师,是国际小姐和地球小姐的官方设计师。她还拥有一家名为"Ar.Yukiko"的婚纱公司。她不断用自己的艺术才华鼓励和激励人们。本期《TRiCERA》将介绍西村女士的书法作品。在这次的专访中,你将了解到西村女士的成长经历、她所使用的汉字,以及她与神灵的联系。 西村先生使用的汉字。 他与众神的联系 西村的书法作品 在哪里可以买到西村由纪子的艺术作品 西村使用的汉字 "这是日本现在使用的汉字的原形。" 西村幸子的财富 我从未见过有人画古汉字书法。你是怎么开始的? 遇到一位只画古汉字的书法老师,我就爱上了它。此后,我开始学习和制作原创作品。 什么是古汉字? 大约在公元前3200年,也就是纸张发明之前,中国古代就开始使用,是日本现在使用的汉字的原始形态。在中国古代,统治者接受神谕,古文字被刻在兽骨和龟壳上。 西村幸子的《龙》。 你觉得它的魅力在哪里? 因为是象形文字,所以即使不懂汉字的人也能理解其含义。另外,因为和萨满教有关系,所以有我的书法作品的人经常说,这些作品有一种神圣的力量,能改变一个房间的气氛。 与神的联系 "这些经历让我画出了我认为带有神圣力量的书法。" 你在做书法的时候有什么情绪? 我感觉到与神灵的联系,注重表达字母的意义。我的作品的独特之处在于笔触优雅而又有力,在书法中表达字母,犹如神来之笔。 今天画古字对你有什么意义? 从16岁到22岁,我在神社当了7年的宫女。我还在一所大学学习过神道教和萨满教,日本80%的神社首席祭司都受过教育。我觉得自己与神有很强的联系,觉得自己能够通过工作与神对话。这段经历让我画出了书法,我相信书法蕴含着一种神圣的力量。...

Feature Post

采访奥田裕太,谈真诚与自我投射的绘画。

冈田雄太说:"我所做的事情没有任何谎言。我们与这位使用微型画和水墨的画家聊了聊他的作品,包括他尊重真诚至上的态度。     在我的印象中,你画了很多基于微型绘画技巧的活物画。 - 我所有的作品都是基于无意识的自我投射和自我诠释。在无意识的层面上,我想到了一个个生物,而在有意识的层面上,我把它们变成了概念性的作品,比如汉尼亚、玛丽莲和科迈努。 ,在我的潜意识里,我想描绘的题材永远是花和活物,并由此表达出美与丑、爱与妒、生与死等两个矛盾的主题,浑然一体。题材总是活生生的东西,我以"美丽的食物链"的概念来描绘自然秩序之美。 这几年您作品的表现手法逐年变化,从只有线条的计算型微缩画到利用线描与巧用水墨模糊的作品。我想,环境和心态的变化对你的工作影响很大。另外,我觉得你之所以画细线画,可能是你的气质问题。     你是设计师出身,是什么启发你成为一名艺术家? -我成为艺术家的原因有很多,但我确信第一个原因是因为我非常想成为一名艺术家。因为设计师和艺术家的本质是完全不同的。 作为一名设计师,我是一个很有创意的人,在图案上花了很多心思。但商业设计师是不应该有个性的。你必须按照一定的设计、一定的方式、一定的计划进行工作。这比我想象中的压力更大。所以我觉得一开始真的就是"我只想画我想画的画"。   那你是不是马上就开始画画了? -不,一开始我只是在家里画画。更是一种缓解压力的方式。我只是画了又画。现在回想起来,那个时候的图纸看起来非常密集。我想这更接近于绝望的印象,或者说是一种不可思议的强烈感。这确实是一种缓解压力的方式,我觉得自己的负面情绪得到了释放。我根本没想过要给别人看。一点也不。可以说,这是我自己的毒素(笑)。   即便如此,你能把自己的作品呈现出来,说明你是以职业艺术家的身份开始的吧? -有人认可我的工作,我的画。在我的负面情绪充分展现的时候,也有人说"我喜欢你的作品"。这是一个惊喜。这是个惊喜,说白了,让我感觉很好。这在商业设计师身上是不会发生的。在时尚界,你要编造一些东西,但在绘画界,你是赤裸裸的。我很高兴能把自己的这部分表现出来,并得到赞赏。就在这段时间,我看到一些朋友是艺术家,我很羡慕他们的作品,心想,我也想成为艺术家。所以,也许是嫉妒让我想成为一个艺术家。不过,如果我要做的话,我还是要以专业的态度去做,而不是作为一种爱好,我要放下任何半点感情。如果我要做,我就要做得彻底。     你说你的作品是自我投射。你从一开始就有一个固定的过程,比如"无意识→有意识"? -刚开始的时候,都是只顾着画画。我会画上三天,然后睡上半天,就是想把它画出来。当我把所有积压的事情,所有的事情都释放出来的时候,我终于能够看到这个概念了。这就是"自我投射"。 ,这是与时尚相反的。我在艺术中做的是发现自己,展现最真实的自己。如何裸露自己,如何将自己的这部分展现出来,是很重要的。我想看看我的经验是如何输出的。   但如果是根据自己的经验来输入,是不是很难? -我前三年就跑出来了(笑)。30年的人生在三年内跌入谷底。但我认为这是我人生中最重要的30年。我想我可以再深挖一下。回想这三年来,我的真性情是什么,我的底子是什么。所以从现在开始,我要吸收很多东西,创造新的东西。我觉得我现在正在进行第二次创业。     近来,除了早年的微型画外,还增加了使用水墨等材料的作品。这种变化是有意为之吗? -我的工作确实会改变,毕竟,因为它与我的身份有关。即使让我画出与过去一模一样的图画,无论是物质上还是精神上,都是非常困难的。事情确实会发生变化,但我可以说的是,我现在做的事情没有谎言。我真的没有任何怀疑。就像我前面提到的,我的画就是要让我能有多赤裸裸,对自己有多诚实。所以,如果你从这个角度考虑,我想我可以向你保证,我现在做的事情没有错。 ,另一方面,说到制作和技法,我首先要做的是大而多产的作品的点。过去,能画能吃本身就是一种幸福,但现在,部分原因是我把眼光放得更高了,我想在今后的创作中更注重作品的数量。除此之外,比如说,我一直在努力更新我的资料。我尝试过水彩、铜版纸、油画、日本画、泥土等多种画种。因此,我认定水墨是最适合我的天性。     经过三年的创作和展示,你把自己的工作安排得井井有条,你也找到了新的目标和挑战。你心中是否已经有了具体的目标? -我的作品是一种自我投射,所以我的未来愿景也不是都很清晰。我可以说的是,我没有骗自己。我想在工作中赤裸裸地坦诚相待。所以我想充分利用我自然而然的经历。 ,正如我前面提到的,在无意识的层面上,我的绘画总是在指涉花和生物,指涉它们的美与丑、生与死。我想看什么,我想看什么,我想以画作的形式来描绘谁,都逐渐清晰起来。现在我终于习惯了空旷的空间,我想我还有很多工作要做,吸取不同的经验,并把它们提炼成画。也许画作会不断变化。今天的我和刚开始画画时的我不同。所以气氛可能没有以前那么精辟了。但我觉得有的地方变了也不是坏事。相反,我想思考如何在理解和融入环境和自己的变化的同时,做出属于自己独特的画作。不管怎么变,对我来说,只要不撒谎,不质疑,诚实地对待自己的活动,就可以了。因为对我来说,画画就是要把最赤裸的部分,最诚实的部分展现出来。

数字是真实的代名词吗?关于平田直哉所追求的新雕塑”地方”。

平田直哉的作品,是将从网络上收集到的材料在虚拟空间中进行组合创作,在他看来,这就是"雕塑"。他说:"我做的是传统的雕塑。"我们谈到了他的方法论和作品,更新的雕塑既不厚重也不沉重,它的存在是需要固定在空间上的。 平田先生,你是在虚拟空间里创作雕塑的。这些雕塑没有厚度和重量,没有传统的空间尺度。自己的活动只认"雕塑家",不是吗? -从意识上讲,我自称是一个雕塑家和艺术家。我主要是追求"形式",考虑当代雕塑史的观点。我实际做的事情,至少在我看来,和做雕塑的人一直在做的事情没有什么不同。我是在做形式,但唯一不同的是,我的方法是在虚拟空间的世界里。 先知 33 x 27.5厘米 我联想到雕塑是一种受材料和空间限制的体裁,但这种过滤器是否妨碍了我的创作? -说实话,我一开始也不知道为什么要用视频作为我现在的输出方式。当我不确定的时候,通常是因为我没有足够的信息。我看了很多书,教我的老师也说过"雕塑是涉及到时间和空间的东西"。如果你把这种时间化和空间化作为雕塑的要素,那么我所做的事情就满足了雕塑的要求。我现在的作品是以视频和二维图像的形式输出的,我觉得这些图像的输出方式适合我自己的雕塑表达。 但你是怎么想到要在虚拟空间里进行雕塑的呢? -我在本科四年级左右开始从事数字工作。我看到我的一个学长,他当时是个有点宅的人,在玩3DCG软件,我马上就想,就是这个了。我觉得它能很好地解决我当时面临的问题,更多的是我有一种预感,我可以用它来做雕塑。 但其实在这之前,有一段时间我是在用实景影像工作。在我所在的学校,三年级的时候,我们有一个自由的生产期,但当时我的材料有问题。换句话说,我没有资金去获得这些材料。雕塑是很昂贵的,当我面临这个问题时,我想用的材料大多被排除在外。 晚餐 33 x 36.6厘米 解决的办法是视频? -是的,没错。我依稀记得,当时影响我的马修-巴尼把他的录像作品称为雕塑,我想,我明白了。所以只要能保持雕塑感,我就不用限制我的产量。于是我试了一下,但质量很差。我对自己很失望。同时,我又想:"这还不够好。我一直很欣赏国外的艺术家,我想创作出这种水平的作品。就在我做这个事情的时候,我看到了相关的3DCG软件,所以就觉得,就是这个了。 你的作品是通过从网上搜集素材进行创作的,换句话说,就是用数码现成的产品进行拼贴式的创作。你在这方面有什么打算? -这并不是什么打算,而是一开始的方法问题。我不认为我做的事情与传统的雕塑家有什么不同,但当你以数字方式创作雕塑时,很难将其与现有的电影或游戏划清界限。换句话说,挑战在于如何让作品在当代艺术的背景下发挥作用。 ...

艾米丽-梅-史密斯的首次个展将在东京Perrotin举行。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展不仅将在PERROTIN画廊举办,还将在亚洲举办。     纽约艺术家Emily Mae Smith在Perrotin画廊的首次个展。"阿瓦隆"。这是她在Perrotin画廊的首次个展,也是她在亚洲的首次个展。在这次在Perrotin画廊举办的个展中,Emily Mae Smith用她的画作讲述了自己的故事。   她的作品显示了一个完善的自我探索和概念化的过程,以及作为一个艺术家的成熟的技术能力。她的作品融合了各种主题,并经常从西方艺术史和流行文化中汲取灵感,包括象征主义、新艺术图形和迪士尼动画。在她的艺术家生涯中,她发现很多艺术场景都是由男性创造和设计的。在她的作品中,她以一种尖锐的讽刺方式重新利用这些主题,指出了艺术和日常生活中普遍存在的性别歧视和男性权力结构。不过,作为一名称职的艺术家,她并没有将图案照本宣科,而是巧妙地处理。她作品中的主题和表现方法都是具象的。       她创作了口舌等身体部位的特写,最终如梦境般飘走。在她的作品中出现的扫帚就像超现实主义的幻想,但又有些熟悉。很多人都知道,1940年迪士尼的一部老动画片《幻想曲》中,有一把扫帚似乎是活的。在《清洁工和我》中,扫帚部分出现在画面中,但只有扫帚的上半部分在画面中,这就出现了男性生殖器的形象。同时,扫帚还可以象征女人的工作、家务,以及画家的画笔等工具,这就开启了广泛的含义。     从《拾穗者奥达利斯克》中,我们或许还能认出让-奥古斯特-多米尼克-英格雷斯的艺术史名作《大奥达利斯克》,它对我们来说,看似完全陌生,却又耳熟能详。   从视觉上看,她的作品给我们一种画面感。海报,作为艺术作品,它们让人联想到虚幻主义、风景画和超现实主义绘画。包含了很多主题和跨流派。瞬间,陌生的或熟悉的,历史的参考,或作为当代艺术作品的陈述。诠释艾米丽的作品还有很大的空间。最终,她的作品运用各种主题,揭示象征意义,主题集中。从艺术史、文化现场到当代艺术。   1979年出生的Emily Mae Smith目前居住在纽约布鲁克林,并在法国第戎的Consortium博物馆和康涅狄格州哈特福德的Wadsworth Atheneum博物馆举办过个展。   这将是她在日本东京和Perrotin的首次个展,如果你在东京 ,从2019年8月28日到11月9日,一定要去看看 。   Emily Mae Smith "Avalon"   日期和时间:2019年8月28日(星期三)至11月9日(星期六)。 时间:上午11时至下午7时。 周日、周一和公众假期休息。免费入场。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

追求艺术对一个不确定时代的意义。采访艺术家本桥浩介

1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为"人的确认仪式",是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步,因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角,同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。     Kosuke Motohashi             元桥,你一直以"死"和"生"为主题进行创作,请问你是如何开始艺术创作的? -我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家,但正是在2013年,我抱着"以艺术家的身份做艺术"的想法买了第一张画布,两年后我举办了第一次个展。 我想,我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历,比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如,如果有人告诉他:"你明天就会死。"我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人,但同样,我也想把自己体内的能量留给别人。同样的,我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话,我想我是想把自己的能量放出来,连接到别人身上,就像U盘一样。     不透》,2020年,布面油画,1,167×727mm。   还有其他的方式,比如写作或唱歌,但为什么是艺术? -这是个难题(笑)。我想是因为我一直喜欢画画。   除了画画,你还对什么感兴趣? -我对社会心理学、精神分析感兴趣,也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学,曾经有一段时间,我想大学毕业后去联合国工作。 ,我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病,我意识到,一个人的幸福与否,取决于他们对事物的看法。所以我想,如果我学了心理学,就能让人快乐。 我想我从小就倾向于同情别人,自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐,成为一个集。在学生时代,我经常给同龄人做心理咨询,也曾被邀请到学生沙龙上谈"什么是爱情"(笑)。(笑)但当我想了想,我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。   所以,你从那里去艺术?-有消极因素也有积极因素,但就前者而言,我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则,当我想到自己出生的意义,以及如何让自己是神、是"本桥浩介"的事实发挥到极致时,我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情,于是我成为了一名艺术家。     通用构图,2020年,布面丙烯,1,620×1,303,装置展于大象工作室。   您在创作时有什么感受或发现? -我曾经认为"艺术=自我表达",但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过:"艺术最美的部分不属于创作者个人。"我真的很同情这句话,我更强烈地感觉到,世界和人都是通过我的手画出来的,而不是由我画出来的。 ,现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品,或者说,能够成为一种情感寄托。在这个时代,尤其是在东京,变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为,事物变化越快,我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然,也是为了我自己。所以我想做普世作品。   刚开始做这些作品的时候,我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实,也没有什么说服力。第二天早上,我看着它们,会觉得"这是个糟糕的作品"。我认为我的作品之所以没有说服力,是因为我在撒谎。 ,其实我是一个挺在意很多东西的人:我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切,尝试着去画画时,我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候,我就能做出一部好作品。   你的很多作品都是以生活本身为主题,是不是因为你想创作一些普世的东西? -是的,可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要,,买你作品的人每天都会看,如果里面有谎言,他们也不会喜欢。艺术有一个方面,就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画,上面写着"你现在就应该死",观众就会毫不犹豫地接受它。我认为,做一些没有任何真实性的东西,只会害人害己,我希望通过接受这些作品,创作出可信的、与现实相协调的作品。     光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年,木版丙烯,1300×450mm。   在你的作品中,很多都是和生死有关的,不是吗? -也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年,我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了,我想这是整个社会共同的感受,因为人们失去了亲近的人,或者觉得自己的生命有危险。 ,电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻,但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待,但我想,在人们内心深处,是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处,我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。 ,对此,死人往哪里去,我们应该如何接受死亡,这是一个宗教的问题,但在现代生活中,我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家,我不知道应该如何处理生与死的划分。 下一次我准备办个展,重点是"活的自己"。冈本太郎说,艺术是为了生活,活着首先是一种特权。所以在我的个展中,我一方面打算展出具有强烈身体性的作品,或者是歌颂生命的作品,另一方面,我也在思考处理"死人去哪儿了"这个简单的问题。     绽放》,2020年,木本油彩,1,303 x 894mm。   在你继续创作的过程中,你有什么目标可以激励你吗? ,我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说,我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。 另外,这可能有点自以为是,但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐,我想与尽可能多的人交往。       点击这里查看本桥浩介的作品。

Editor's Choice