恐怖屋与艺术？万圣节版

点击这里查看更多我的作品 如果你还没有读过纸艺系列的第一部分，其中解释了纸作为一种艺术材料的独特性，请在这里阅读。 纸与人类的蜜月关系 这次先说点小知识。 据考古研究表明，中国大约在公元前100年发明了纸，此后，纸作为文明的一部分发展起来。"纸"这个词来源于纸莎草纸，这是埃及文明使用的一种厚厚的纸状书写媒介，其历史可以追溯到公元前2560-2550年。 在2020年的今天，由于数字技术的兴起，我们对纸张的依恋正在减弱。然而，纸质文化不会在一夜之间消失。例如，即使在这个一切都可以通过电子邮件、LINE、Zoom完成的时代，我们仍然会在新年贺卡、婚礼、生日等场合发送信件，即使一个轻薄的平板电脑上可以容纳上百本书，很多人仍然会购买沉重笨重的纸质书籍。将我们与这些看似过时的材料联系在一起的，是对纸张的怀念，是印在我们人类记忆中的类比。 无论世事如何变迁，人与纸之间延续了4000多年的蜜月关系依然在世界各地延续。在法国和我所在的国家，每年都会举办几次古玩展，非常受欢迎，吸引人们兴趣的物品有时是几十年前写的信。精美的手写明信片和信件虽然已经泛黄，但上面写的感情依然鲜活。从不褪色的墨迹斑驳中可以看出作者的犹豫和激动。 点击这里查看详情 和纸是一种薄而结实的纸，是为了与毛笔和墨水兼容而开发的。由于和纸的质地美观，还被用于制作日式灯饰、吉祥屏风等家具。在古代，和纸被用作神道祭品的包装材料，作为一种礼仪性的折叠，如何折叠和折痕的知识成为高级武士教育的一部分。在江户时代（1603-1868年），折纸传播到了今天我们所熟知的普通大众。作为一个在日本长大的年轻人，我通过对书法、折纸的喜爱，以及和朋友们一起开纸飞机，对日本纸的优良品质一直很熟悉。 点击这里查看更多他的作品 纸的"模拟"媒介在艺术中的重要性如何？Janaki Lele，一位来自印度的视觉艺术家，通过手工剪纸编织了一个故事。她在一篇名为《心灵感应》的文章中，配上一首诗，她写道："一张能量网穿过看不见的线......。连接两颗心...你有想过我吗？其实，我刚才也在想你。我低声说道。我看到，连接我们大脑的不仅仅是看得见的电力电缆的现代能量，它让我重新思考我们与他人的连接方式。我们表达思想的方式，就像把风筝或鸟儿放进天空之流。这种流动在我们的脑海中转动着风车水车的涡轮，在互动中，能量被创造出来。显然，当我们与这种模拟机制相通时，可以发生心灵感应的联系。 点击这里了解更多作品信息 另一件作品《追星者》则描绘了一个温柔而朦胧的梦境。这幅作品的灵感来自于他和朋友的孩子玩耍的时候，挑着窗外经过的夕阳。这些故事都只在一张或几张纸上展开，用剪影和一点深度。令人惊讶的是，一张只有几微毫米厚的纸，竟然有能力和潜力接收和传输所有的戏剧。为什么会有这样的事情呢？秘密就在于纸是一种有机物。正如我们在思想和交流的有机形成中所看到的，生物能量在人与纸艺之间相互作用。纸张作为一种催化剂，连接着艺术家与艺术，以及艺术与我们。 更多关于该作品的信息，请点击这里。 百鬼丸是一位多产的剪纸艺术家，他的作品超过一万幅，将武士带入21世纪的纸上。他画的线条有一种锋利的感觉，就像日本的刀一样突出。他曾为日本历史小说设计过很多封面，其中很多主题都是武士和忍者活跃的时代，他大胆的构图结合了浮世绘的动感和漫画的朗朗上口。这些元素与他对人的生动描绘相结合，使他的作品充满了生命力。毋庸置疑，有机纸具有容纳生命的接受力。 点击这里查看更多他的作品 艺术家的实践和他的作品一样有力量。除了创作二维和三维剪纸艺术，他还上过电视，在日本、美国、法国等地展出，有趣的是，他还进行过现场剪纸表演。他还出售印有他的战士图案的面具，对于带科罗娜的时代来说是非常可靠的。百鬼丸的职业可能就像浪人武士一样，在大学里学习建筑学，然后接受陶艺师的训练。但现在，作为日本剪纸界的先锋，他正在开创自己的事业，为后人指明方向。 https://www.youtube.com/watch?v=yDVpG4p948E&feature=youtu.be TRiCERA将继续为您带来艺术家的信息。不要忘记订阅ArtClip通讯，获取更多犀利的见解和有品位的专栏。

1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为"人的确认仪式"，是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步，因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角，同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。     Kosuke Motohashi             元桥，你一直以"死"和"生"为主题进行创作，请问你是如何开始艺术创作的？ -我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家，但正是在2013年，我抱着"以艺术家的身份做艺术"的想法买了第一张画布，两年后我举办了第一次个展。 我想，我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历，比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如，如果有人告诉他："你明天就会死。"我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人，但同样，我也想把自己体内的能量留给别人。同样的，我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话，我想我是想把自己的能量放出来，连接到别人身上，就像U盘一样。     不透》，2020年，布面油画，1,167×727mm。   还有其他的方式，比如写作或唱歌，但为什么是艺术？ -这是个难题（笑）。我想是因为我一直喜欢画画。   除了画画，你还对什么感兴趣？ -我对社会心理学、精神分析感兴趣，也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学，曾经有一段时间，我想大学毕业后去联合国工作。 ，我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病，我意识到，一个人的幸福与否，取决于他们对事物的看法。所以我想，如果我学了心理学，就能让人快乐。 我想我从小就倾向于同情别人，自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐，成为一个集。在学生时代，我经常给同龄人做心理咨询，也曾被邀请到学生沙龙上谈"什么是爱情"（笑）。(笑)但当我想了想，我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。   所以，你从那里去艺术？-有消极因素也有积极因素，但就前者而言，我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则，当我想到自己出生的意义，以及如何让自己是神、是"本桥浩介"的事实发挥到极致时，我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情，于是我成为了一名艺术家。     通用构图，2020年，布面丙烯，1,620×1,303，装置展于大象工作室。   您在创作时有什么感受或发现？ -我曾经认为"艺术=自我表达"，但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过："艺术最美的部分不属于创作者个人。"我真的很同情这句话，我更强烈地感觉到，世界和人都是通过我的手画出来的，而不是由我画出来的。 ，现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品，或者说，能够成为一种情感寄托。在这个时代，尤其是在东京，变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为，事物变化越快，我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然，也是为了我自己。所以我想做普世作品。   刚开始做这些作品的时候，我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实，也没有什么说服力。第二天早上，我看着它们，会觉得"这是个糟糕的作品"。我认为我的作品之所以没有说服力，是因为我在撒谎。 ，其实我是一个挺在意很多东西的人：我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切，尝试着去画画时，我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候，我就能做出一部好作品。   你的很多作品都是以生活本身为主题，是不是因为你想创作一些普世的东西？ -是的，可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要，，买你作品的人每天都会看，如果里面有谎言，他们也不会喜欢。艺术有一个方面，就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画，上面写着"你现在就应该死"，观众就会毫不犹豫地接受它。我认为，做一些没有任何真实性的东西，只会害人害己，我希望通过接受这些作品，创作出可信的、与现实相协调的作品。     光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年，木版丙烯，1300×450mm。   在你的作品中，很多都是和生死有关的，不是吗？ -也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年，我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了，我想这是整个社会共同的感受，因为人们失去了亲近的人，或者觉得自己的生命有危险。 ，电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻，但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待，但我想，在人们内心深处，是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处，我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。 ，对此，死人往哪里去，我们应该如何接受死亡，这是一个宗教的问题，但在现代生活中，我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家，我不知道应该如何处理生与死的划分。 下一次我准备办个展，重点是"活的自己"。冈本太郎说，艺术是为了生活，活着首先是一种特权。所以在我的个展中，我一方面打算展出具有强烈身体性的作品，或者是歌颂生命的作品，另一方面，我也在思考处理"死人去哪儿了"这个简单的问题。     绽放》，2020年，木本油彩，1,303 x 894mm。   在你继续创作的过程中，你有什么目标可以激励你吗？ ，我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说，我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。 另外，这可能有点自以为是，但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐，我想与尽可能多的人交往。       点击这里查看本桥浩介的作品。

局外人艺术是艺术评论家罗杰-卡迪纳尔在1972年提出的一个概念。换句话说，它是一个技术术语，指的是没有接受过正规艺术教育的艺术家所创作的艺术。 　在本文中，我们将介绍ACM画廊所经营的一些艺术家，他们的作品都是这种非常规的、自由的局外人艺术风格。 Takayuki Fujihashi 1963年出生的藤桥，20岁时在新明塾结识了朋友，发现了绘画的乐趣，拓展了自己的世界。 二三十岁时，他在染坊、干洗店积累了实战经验，认真踏实的工作得到了高度评价。此后，她加入了Sora工作室，并在纱织和陶瓷绘画中展现了她的形式感。目前，她独自生活，目标是独立。 点击这里查看艺术家的详细信息 Kaguratani 1971年出生，在冈山县津山市生活和工作。神乐谷总是对自己感兴趣的东西进行调剂，他有一种强烈的愿望，想把自己感兴趣的东西赋予形式，所以他根据自己的兴趣进行油画、水彩、设计、物件等创作。几件作品同时在制作，在他的工作室里还有很多正在制作的作品。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 XL 1967年出生，2006年起成为NPO Swing的成员。初中毕业后，他找了一份泥水工的工作，但被人欺负，离开了公司。他活跃在艺术创作活动"Oretachi Hyogen-zoku"、京都人形交通指南"Anata no Doko, Teishimasu"等多个领域。目前，他正带领Swing在多个领域开展"工作"。 有关艺术家的更多信息，请点击这里 Terai Ryosuke 1985年出生。他对棒球的热情，吸引着身边的动物和事物陆续进入棒球的世界。即使是那些乍一看毫无关联的事物，如果追根溯源，其实也是从棒球开始起步的。 有关艺术家的更多信息，请点击这里 Hironobu Matsumoto 1991年出生的松本，两三岁就开始画画，3岁时被诊断为高功能自闭症。他的许多作品都反映了他当时的兴趣，他通过将这些作品转化为他认为属于自己的图像来进行绘制。他从300支彩色铅笔和约100支水性笔中毫不犹豫地选择颜色。他从不使用尺子、橡皮、修正液，作品精准、细腻、色彩丰富。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 日本首创的外来艺术在世界范围内有了被认可的迹象。他的作品看似陌生，但其内涵却赋予其无边的力量。

Varda Caivano，"无题"，2019年，亚麻布上的水性油画（水粉和水墨），90.9×57.6厘米（画框：150.9×117.6厘米），©Varda Caivano，Courtesy of。小山富雄画廊 小山富雄画廊欣然宣布，将于10月11日至11月9日举办伦敦艺术家Varda Caivano的个展。卡伊瓦诺1971年出生于布宜诺斯艾利斯，自2000年代初起一直在英国居住。这将是她在小山富雄画廊的第四次个展，她将展出自己的最新作品。 在她的艺术实践中，绘画过程本身就是她最关注的。凯瓦诺在关注工作过程的同时，也关注物质性。她的作品围绕着"绘画"的基本特征：色彩多样、笔触丰富、层次分明。在这次展览中，她将绘画的范围扩大到强调作品内部空白的作品。与以往的作品在整齐排列的画布表面作画不同，他强调无色空间，并尝试使用粗麻布。正是因为有了边幅，才使得有限的画布空间有了无限的可能。因此，她作品的边际激发了观众对边际之外的想象力。可以说，她的作品在保持自己独特风格的前提下，以多种表现方式发展。 瓦尔达-凯瓦诺个展（2019）装置图 ©瓦尔达-凯瓦诺，由小山富雄画廊提供。 瓦尔达-凯瓦诺个展（2019）装置图 ©瓦尔达-凯瓦诺，由小山富雄画廊提供。 只专注于所画之物，与她以往的作品并无完全不同。她的主题依旧，只是改变了有效或多样的表达方式。物质性也很突出，因为凯瓦诺注重的是"过程"。她作品中的"过程"是什么？可以是重复的决定和观察，比如做什么样的拼贴画。也可能是想到在画布上配色。 因此，她的作品成为涉及物质性、她的关注和时间的过程痕迹。她的时代痕迹和关注点似乎不是具体的描写（描述）。凯瓦诺自己认为她的作品如下。 "我认为绘画不是作为表象，而是作为诗歌和音乐背景下的一种呈现。" (Varda Caivano采访"。激发想象力的无限画作》，采访者岛田小太郎，艺术科技，2017年2月）。) 此次展览是艺术家自2016年以来在小山富雄画廊举办的第四次个展，还将展出她的9幅最新画作，以及新的装帧作品，包括拼贴画、素描和纸上绘画。此外，新作品中使用的色彩也较之前有所改变：2016年在日本举办的个展中，之前的"灰画"系列主要使用了灰色，而新作品则较之前表现出了红、黄、绿等更为鲜艳的色彩在这个新的系列中，我们可以看到红、黄、绿等更加鲜艳的色彩。 一句话，她的作品并不是停滞在画布上，而是像诗歌或音乐的意境一样，似乎有一种流动的节奏。她以新的方式呈现她的作品，特别是通过使用框架和刻意的边框，将她流动的主题表现得淋漓尽致。 Varda Caivano的个展 日期：2019年10月11日星期五至11月9日星期六)...

C-DEPOTは、70～80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか？ A：アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Ｑ：自分のグループはどのくらい成功したと思いますか？ A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q：C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか？ A：2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q：様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A：そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか？ A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか？ A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか？ A：メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか？ A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか？ A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2～3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q：「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか？ A：いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q：「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか？ A：日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Ｑ：今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q：TRiCERAに期待することは何ですか？ A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...