星期六, 6月 19, 2021
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倡导者Arte Povera逝世

一直以来,博物馆关闭、展览取消或推迟等阴霾的消息层出不穷。这是传奇评论家和策展人Germano Celant(1940-2020)去世的消息。 塞兰特1940年出生于意大利。在热那亚大学学习艺术史后,他开始了自己的编辑生涯,并于1967年举办”Im Spazio”。 Arte Povera运动在意大利语中的意思是”贫穷的艺术”,用报纸、绳索等日常和粗糙的材料呈现作品,塞拉诺的成就部分在于他让世界了解了意大利极简主义和那个时代年轻艺术家的潮流。 他曾在古根海姆博物馆和威尼斯双年展担任策展人,是世界上最著名的策展人之一。我祈祷他的灵魂安息。

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C-DEPOT: 日本現代美術ユニット

C-DEPOTは、70~80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか? A:アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Q:自分のグループはどのくらい成功したと思いますか? A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q:C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか? A:2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q:様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A:そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか? A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか? A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか? A:メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか? A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか? A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2~3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q:「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか? A:いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q:「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか? A:日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Q:今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q:TRiCERAに期待することは何ですか? A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...

Joi Murugavell – 欢乐迷宫

澳大利亚艺术家Joi Murugavell创作了色彩斑斓的艺术作品,这些作品大胆、有趣,充满了独特的个性。在奥克兰理工大学获得艺术与设计硕士学位后,Joi开始了她的艺术家之旅。     自2009年首次举办个展以来,Joi Murugavell一直积极参加世界各地的展览。最近,她参加了国际知名的当代艺术博览会"Affordable Art Fair",以及日本最大的拍卖行之一的新和拍卖。她的作品不仅在大洋洲展出,还在欧洲、亚洲和美洲展出。   她的艺术常常是抽象的、明亮的、尖锐的、幽默的,独特的人物在画布上跳舞。她的角色不仅仅是有趣和娱乐。每个人物都能捕捉到人类经历的美与痛,以及变化中的灵魂,引用。                                     查看更多Joi Murugavell的作品

自然现象的视觉化,刺激人的感官。

赤松内洛,《流星》,三潴美术馆。     '流星'从5月29日到6月29日上映。神奈川的艺术家赤松内洛的作品将在东京市屋町的三潴美术馆展出。   赤松的主要研究兴趣是地磁的影响,这是一种看不见的自然现象。然而,他用自己独特的方法论来表达这种无形的现象。   通过对自然现象的体现,他的作品成为一种现象学的体验,注重视觉、声音、时间和体验。   本次展览,赤松将展出两件新作:利用热汽化原理的《Meteon》和因地磁存在而流动旋转的装置作品《Chidiki Spider》。   据Akamatsu Otero和Mizuma Art Gallery的声明,最近的研究表明,人类可能会将磁力作为第六感来感知。赤松将"地磁"这一主题融入到作品中。     我的作品将热气化的原理和地磁的作用形象化,同时我希望人们用五官自由地感受作品和展览。我们可能不知道自己的第六感是什么,但是我们会本能地感受到一些现象,我想把它作为我的第六感。赤松不强求他处理的任何主题。   赤松的自动移动装置作品在移动的过程中会发出细微的声音。刺激人的五官的作品,比如眼睛和耳朵,唤醒我们。无论你是否能感受到赤松所探讨的自然现象,都不妨去体验一下"五官的觉醒",这在我们忙碌的生活中是很难感受到的。     本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

冈西由奈:从笔迹中寻找禅意。

"书法不仅仅是画线条,更重要的是线条之间的空间"。 Yuna Okanishi 冈西由奈从小就被单色的纸墨世界所吸引,7岁时开始正式学习书法,加深了对书法艺术的理解。对她来说,书法不仅仅是画线条,更重要的是线条之间的空间--虚与实的对立。 黑色代表空虚,白色代表满足。冈西认为,在这个不知道什么是真实的,什么是虚幻的世界里,我们需要努力去寻找真正重要的东西。 在这次采访中,我们谈到了冈西作品的起源,他的作品对他的意义,以及禅宗哲学对他创作过程的影响。为保证篇幅和清晰度,本次采访进行了轻度编辑。 描绘真实和想象中的世界 "空与满"的二元对立关系 从书法到水墨画 简单和禅宗的生活方式 书法就是生活 在哪里可以买到冈西由奈的作品? 将现实和想象的世界结合在一起。 请说说你是如何成为一名水墨画家的。 我从7岁开始练习书法,2010年举办了第一次个人展览。直到2012年,我决定向曾师从日本著名水墨画大师川井行堂的关泽先生学习水墨画,他的技艺确实非同一般。 我觉得向关泽学习水墨画很重要,于是我联系了他,并立即开始接受他的指导。那时候,我尽自己最大的努力学习水墨画,他教了我很多东西。 冈西由奈的大与小 你从关泽老师那里学到的最重要的东西是什么? 你在课堂上有多少次快乐? 我记得有人多次问我:"你玩得开心吗?关泽先生总是说:"好,好!他见到我很高兴。 关泽先生经常对我说:"画画最好的方法就是开心。书法是一面镜子,它能反映出一个人的心境,所以是否喜欢画画,旁观者都能感受到。您也说过,享受创作过程本身是继续追求艺术的关键,我在创作时也时刻意识到这一点。这种享受不仅延伸到作品本身,也延伸到自己身上,所以我觉得自己在创作的时候真的很享受。 "我画的每一条线都代表我,我自己。" 您从7岁开始学习书法,这对您有什么影响? 我想,每一条线都代表着我。比如,如果你不会画一条简单的直线,说明你对自己不自信,不确定。...

外在和内在的艺术。外来艺术的艺术家

局外人艺术是艺术评论家罗杰-卡迪纳尔在1972年提出的一个概念。换句话说,它是一个技术术语,指的是没有接受过正规艺术教育的艺术家所创作的艺术。  在本文中,我们将介绍ACM画廊所经营的一些艺术家,他们的作品都是这种非常规的、自由的局外人艺术风格。 Takayuki Fujihashi 1963年出生的藤桥,20岁时在新明塾结识了朋友,发现了绘画的乐趣,拓展了自己的世界。 二三十岁时,他在染坊、干洗店积累了实战经验,认真踏实的工作得到了高度评价。此后,她加入了Sora工作室,并在纱织和陶瓷绘画中展现了她的形式感。目前,她独自生活,目标是独立。 点击这里查看艺术家的详细信息 Kaguratani 1971年出生,在冈山县津山市生活和工作。神乐谷总是对自己感兴趣的东西进行调剂,他有一种强烈的愿望,想把自己感兴趣的东西赋予形式,所以他根据自己的兴趣进行油画、水彩、设计、物件等创作。几件作品同时在制作,在他的工作室里还有很多正在制作的作品。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 XL 1967年出生,2006年起成为NPO Swing的成员。初中毕业后,他找了一份泥水工的工作,但被人欺负,离开了公司。他活跃在艺术创作活动"Oretachi Hyogen-zoku"、京都人形交通指南"Anata no Doko, Teishimasu"等多个领域。目前,他正带领Swing在多个领域开展"工作"。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Terai Ryosuke 1985年出生。他对棒球的热情,吸引着身边的动物和事物陆续进入棒球的世界。即使是那些乍一看毫无关联的事物,如果追根溯源,其实也是从棒球开始起步的。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Hironobu Matsumoto 1991年出生的松本,两三岁就开始画画,3岁时被诊断为高功能自闭症。他的许多作品都反映了他当时的兴趣,他通过将这些作品转化为他认为属于自己的图像来进行绘制。他从300支彩色铅笔和约100支水性笔中毫不犹豫地选择颜色。他从不使用尺子、橡皮、修正液,作品精准、细腻、色彩丰富。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 日本首创的外来艺术在世界范围内有了被认可的迹象。他的作品看似陌生,但其内涵却赋予其无边的力量。

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看着”吃”。艺术中的食物故事。

西班牙小说家、《堂吉诃德》的作者塞万提斯说:"如果我有面包,我几乎可以承受任何悲伤。 点击这里查看作品详情 错过一顿饭,就会心灰意冷,如果继续一周不吃不喝,就会死亡。另一方面,"吃"的行为在人类社会中发挥了重要作用。 例如,古希腊最强的军事国家斯巴达就很重视"同吃"。斯巴达人认为,共同进餐可以加强他们的团结。 此外,还有其他"食规"。当然,这并不局限于个人喜好(如"晚上不吃碳水化合物"),比如伊斯兰教禁止吃猪肉,印度教禁止吃牛肉,佛教有些派别只允许早上吃。 有些宗教对食物有严格的规定,食物和饮食对人类似乎很重要,但在艺术界呢?我们是如何为自己塑造这个重量级的问题的? 我们以绘画为例来看。绘画大致有两种类型:具象、抽象和介于两者之间,艾拉的作品属于最后一种,在这个类似波普艺术的世界里,她用各种色彩将葡萄视觉化,使其摆脱了原有的形态。 点击这里查看详情 "看起来很好吃的工作"怎么样?中岛健太画的寿司用的是现实主义的方法,从情色上刺激食欲,18世纪作家莱辛在《老茧》中说过,"绘画要抓住合适的时机"。换句话说,中岛的寿司,抓住了最美味的时刻,也就是工匠抓起寿司,呈现给顾客的那一刻。 点击这里查看详情 便当也是一种有趣的餐食形式。一般来说,吃饭是指在家里或餐厅里坐下来的行为。新乐的画,含有733卡路里和20克蛋白质,就是一个最好的例子。如果你试着把它理解为"某人为别人做的便当",就能看出其中的故事。这样一来,打完架后的早上,盒子里可能只有米饭,另一方面,你可能会遇到时间和食材都很充足的便当,就像这部作品一样。从某种意义上说,便当可以说是通过食物进行无声的交流。 点击这里查看作品详情 首先"吃"是什么意思?除了极端的极简主义者和动物之外,"吃"和"养"对于人类来说是两回事。想吃什么就吃什么,想什么时候吃就吃,想在哪里吃就在哪里吃,想怎么吃就怎么吃。这是人类独有的一种乐趣。或者,这可能是人类特有的一种游戏。 点击这里查看作品详情 吃的行为,反映了极端的个人口味和执念,从某种意义上来说,是一种表达自己个性的方式。另一方面,买艺术品就是买艺术家的才华和思想。购买一件描绘食物和饮食的艺术品,也可能是了解艺术家生活的一种方式。

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大垣真野|为演讲而画。抽象绘画,表现原始叙事。

真野高明1976年出生于滋贺县,2006年在出生地开始了他的职业生涯。他曾就读于京都艺术大学,在柏林的"BERLINER LISTE"和纽约的"ART EXPO NY"等国内外展览,以及散文、摄影集等媒体。 主要使用丙烯画的马诺,对20世纪40年代的抽象表现形式如enformel有一定的认识,他说:"作为一种技法,我不做特别困难的事情。我直接把颜料涂在画布上。我想传达的信息是,绘画是任何人都可以做的事情,就像幼儿涂鸦一样。从小生长在一个艺术家庭,父亲是日系画家,母亲是音乐家,事实上,创作和自我表达都是简单的日常活动,并没有让马诺对艺术有特殊的认识。 他的创作根源在于19岁时的一次神秘体验,他把爱、光、希望、自然等原始主题,用抽象表现主义的手法在创作中转化为绘画。他从横尾忠则、堀尾诚司等前卫派艺术家那里得到启发,看似对绘画史充满诚意,但同时又将目光投向了作品之外的"与他人沟通"。换句话说,从某种意义上说,马诺的绘画可以说是基于自然、大地等人类大的视角而发出的信息。仿佛这个星球上发生的所有现象。 点击这里查看艺术家的网页

艺术在家–时尚装饰的简单指南

艺术为空间注入生命 还记得当你离开电影院,回到现实中时,或者当你度假回来时,那种令人振奋的感觉吗?用原创的艺术品来装饰你的家,其实和那些效果是一样的,那就是让你从枯燥乏味的套路中释放出来,让你充满了活力。 很多人可能突然进入了智冠时代,发现自己家里的环境并不适合。有时候,我们的"新基地"设备不完善,无法应付所有的工作、饮食和休闲,因此,适当地升级一下。不难看出,艺术是一个很好的开始。 如果你有印刷的艺术品复制品,这时候正是体验原作力量的最佳时机,如果你没有收藏历史也没关系。这是开始的最好时机。 为什么是原创艺术? 原创作品和电影演员一样,有自己的个性和魅力。在细节中,记录着艺术家的心路历程,比如油画中颜料的层次、色彩的交融、情感的笔触都在诉说着故事。换句话说,原画中还蕴含着一种生命的能量。 是否显得难以选择? 为你的房间选择合适的艺术品并不复杂。让我们分五个简单的步骤来看一下。 前三个步骤 第一步是思考房间的目的。比如,我会想象"客厅的温馨气氛"、"餐厅的振奋气氛"、"卧室的沉稳"、"儿童房的创意"。这个有目的的心情目标会像北极星一样指引我如何将艺术与室内设计相匹配。 二是要考虑风格。简单来说,让-弗朗索瓦-米勒的名作《落耳》对于客厅来说,搭配现代风格的茶几和黑色的皮沙发,并不是很有风格。相反,如果你想统一房间的精致氛围,那就不用说了,你应该选择一件时尚的艺术品来展示。 第三步是色彩协调。这听起来可能令人望而生畏,但不必畏惧,只要问自己这样的问题,就能很快解开谜底。"你最喜欢的地毯、窗帘、沙发颜色或地板颜色是什么?哪些颜色的存在感强?等等。而答案很简单:一致性。只要注意色彩的搭配,就能轻松打造出具有凝聚力的造型。 我们再来看一个例子。上图中的房间(1)是一个氛围轻松的客厅,(2)从家具的设计和材质来看,风格随意自然。(2)从家具设计和材料来看,风格随意自然。然而,淡雅的艺术和房间的共同颜色蓝灰色、坐垫的黄色、木质材料的棕色,却又是相通的。如果没有艺术作品,这个房间可能会显得很分散,但现在却因为这件作品而变得和谐起来。 第四步:寻找好玩的演员 既然场景已经设定好了,那么就可以进行有趣的艺术搜索了。每一件作品都是独一无二的,就像一个演员一样,表达着主人的性格。在上面的例子中,从客厅里那张轻快的图片可以想象出主人的热情个性。当你看到它时,很容易找到适合自己的作品,所以我希望你能解放思想,从直觉上而不是理论上寻找它。例如,我会选择下面这款作品作为儿童房,因为它的创意和随性的个性,大胆的色彩和不同材质的混搭。 最后一步:掌握空间 最后一步是了解房间。不管你信不信,艺术的加入可以让有限的空间"视觉扩张",因为在大城市里,豪华的空间很难得到。原因就在于光学错觉。通过在空间中加入平行线,可以营造一种扩张感。我建议在横向开阔的空间,比如沙发上方,挂一块横向的长方形,在狭窄的空间,比如走廊,挂一块纵向的。这间餐厅,看起来就像一条死胡同,如果没有挂毯,会显得很拥挤,但垂直的线条让它有了深度。顺便说一句,这也是一个很好的色彩协调的例子,供参考。 色彩在空间感知中也起着一定的作用,浅色调和风景的艺术品一般都能提升扩张效果。另一方面,较深或较鲜艳的色调能集中眼睛的注意力。 比如,在小卧室里,一幅山水画,简单的色彩搭配,就能瞬间营造出一种空间感,让人忍不住想深吸一口气。 去哪里找? 我们生活在一个便利的时代。如果参观艺术画廊似乎太吓人,不用担心,还有网上市场。与传统的画廊相比,它们通常提供更广泛的价格和风格,你可以在闲暇时用方便的过滤器和关键字搜索来浏览。你可以搜索:TRiCERA.NET就是其中之一,它以东京为基地,介绍世界各地从年轻到经验丰富的各个阶段的艺术家。受益于艺术产业日益数字化,发现一件新的喜爱的艺术品从未如此容易。 ArtClip还将发表对一位美国客户的采访,这位客户本身就是一位爱好收藏家和艺术家。如果您有兴趣了解更多关于她在TRiCERA的购物经验,她为什么要为自己的家购买艺术品,以及她是如何选择的,请不要忘记订阅我们的新闻通讯。

Feature Post

无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办"NO BORDER"群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。   享受"不可知性"的艺术 本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。 无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。 当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权。 ,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。   关于参展艺术家 - 兴趣点   平田直哉|平田直哉 平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为"雕塑是具有空间性和时间性的东西",他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:"数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。     先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3       查看工作细节   畑直之 - 畑直之 旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。     g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10       查看工作细节   西木俊介|西木俊介|西木 俊介 西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。     日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画       查看工作细节   忠野绫香 - 忠野绫香 忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了"我们人类有一天会消失"的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野"永恒的缺失/事物总有一天会消失"的主题,产生了一种很感伤的效果。     还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸       查看本作品的详细信息   曾超 出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是"气势表现的多少",他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画。     KS190829 2020 53×53cm...

关于东京国立艺术中心的”影像叙事”展”日本当代艺术中的文学”展,东京国立艺术中心

北岛敬三,《TSILCARL VILLAGE ARMENIA》(选自1991年苏联系列),1991/2019,颜料版画 66.0×93.0cm 艺术家收藏 ©KITAJIMA KEIZO。 2019年8月28日至11月11日,东京国立艺术中心将隆重推出六位日本当代艺术家的群展。展览的题目是"影像的故事"。日本当代艺术中的文学"。顾名思义,此次展览主要关注日本当代艺术界的文学表达。展出的作品有共同的文学元素,它们像诗歌一样,以隐喻的方式表达。他们建议不要直接表达信息,而是想象作品中的时间、地点和人物。 根据东京国立艺术中心官方公布的展览公告,有一句话"Ut pictura poesis",意思是"绘画是诗,诗也是画",源自古罗马诗人贺拉斯的《阿尔斯诗集》。在解释绘画(视觉艺术)与诗歌的密切联系时,经常引用这句话。 本次展览展出的六位日本当代艺术家的年龄跨度很大,从上世纪50年代出生的北岛敬三到上世纪80年代出生的宫林。一进博物馆,第一个房间就被活跃在国内外的田村雄一郎占据。整个房间将是他基于"幻觉"概念的新作《天眼》。艺术家着重介绍了"幻觉"在日语中的意思是"天空中的眼睛"。考虑到从文字和图像中衍生出的故事,将更有助于欣赏他的作品。 在第二展室,宫岸将展出为本次展览创作的新装置作品《在灯火通明的房间里》。 在本次展览中,宫岸将展出由26张照片、5段视频和声音组成的新装置作品《两个人物的对话》。作品中呈现的风景和对话与宫城的经历密切相关。宫城一直关注与冲绳有关的性问题和少数民族问题。通过作品激发观众的想象力,他对围绕冲绳的社会问题提出质疑。 小林绘里香,《我的火炬》,2019年,C版画54.9×36.7cm(每张,一套47张)。 艺术家的收藏 ©小林绘里香 提供 菊竹优人画廊 照片:野川加奈。 来自东京的艺术家小林绘里香将在3号房间展出一件装置作品,追溯核武器的原材料铀和1940年东京奥运会火炬的故事。小林主要讲述了奥运火炬从未到达日本,以及日本试图从德国进口铀来研制原子弹的讽刺故事。 第四,丰岛安子对架子和面板的重新诠释。在"架子"系列中,丰岛设计的架子,其腿部的设计比架子的主面板要精致得多。丰岛以此颠覆了架子的主次作用。这种对一个普通物体的简单改造,让我们想到了自己对它的认知。此外,在他的面板系列中,他不是加工胶合板的表面,而是加工面板的背面。...

大垣真野|为演讲而画。抽象绘画,表现原始叙事。

真野高明1976年出生于滋贺县,2006年在出生地开始了他的职业生涯。他曾就读于京都艺术大学,在柏林的"BERLINER LISTE"和纽约的"ART EXPO NY"等国内外展览,以及散文、摄影集等媒体。 主要使用丙烯画的马诺,对20世纪40年代的抽象表现形式如enformel有一定的认识,他说:"作为一种技法,我不做特别困难的事情。我直接把颜料涂在画布上。我想传达的信息是,绘画是任何人都可以做的事情,就像幼儿涂鸦一样。从小生长在一个艺术家庭,父亲是日系画家,母亲是音乐家,事实上,创作和自我表达都是简单的日常活动,并没有让马诺对艺术有特殊的认识。 他的创作根源在于19岁时的一次神秘体验,他把爱、光、希望、自然等原始主题,用抽象表现主义的手法在创作中转化为绘画。他从横尾忠则、堀尾诚司等前卫派艺术家那里得到启发,看似对绘画史充满诚意,但同时又将目光投向了作品之外的"与他人沟通"。换句话说,从某种意义上说,马诺的绘画可以说是基于自然、大地等人类大的视角而发出的信息。仿佛这个星球上发生的所有现象。 点击这里查看艺术家的网页

艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

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