星期五, 6月 18, 2021
Home News 永恒的创造力,是成为艺术家的关键力量。

永恒的创造力,是成为艺术家的关键力量。

大平すすみ个展(2019)由日木画廊举办。

 

日木画廊Ohira Susumu个展(2019)的装置图

由艺术家和日木画廊提供。

 

作为TRiCERA的特邀艺术家之一,Ohira Susumu将在东京京桥的Hinoki画廊举办个展。虽然今年已经70岁了,但他始终没有失去对创作的热情和永恒的能量,这也是作为一个艺术家的关键力量。

 

此次大平寿个展,是他创作精力的周全证据。大平翔1949年出生于山口县,目前在日本和法国生活和工作。

 

他的作品给人的印象是有些时尚,好像是年轻艺术家创作的。他画的是日常场景,不急不躁,所以他的作品介于抽象画和具象画之间。

 

另外,他的作品的特点之一是圆的浮动感。在他的作品中,他在画山水时画了很多圆圈。通过圆圈,他将抽象的”时间”概念具象化,并通过画不同大小、不同颜色的圆圈来表达。对苏苏木来说,他的作品是对光和时间的探索。

 

日木画廊Ohira Susumu个展(2019)的装置图

由艺术家和日木画廊提供。

 

大平进在日木画廊举办的个展(2019),不仅有他的画作,还有他的新作。他长期从事丙烯画的创作,现在他将领域从丙烯画扩展到利用照片的混合媒体作品。照片上的裂缝都被金色的线条覆盖,出现了透明的圆圈。

 

日木画廊Ohira Susumu个展(2019)的装置图

由艺术家和日木画廊提供。

 

虽然以同一景观为基础,但根据材料的不同,有的作品表现形式不同,有的表现为绘画,有的表现为摄影作品。在这些作品中,我们可以享受到由于材料的不同而带来的感觉变化。

 

大平每年都会参加两三次展览,不仅在日本,在海外也是如此。尽管他工作得很卖力,但他永远不会满足,他希望在海外举办更多的展览,而不是现在的频率。虽然大平经过长期的艺术生涯,现在已经70岁了,但他的创作能量依然强大。也许正是他对艺术作品创作的不满足的热情和努力,使得他对工作的感悟是不老的。

 

大平寿个展(日木画廊)。)

 

  • 日期:2019年10月7日(星期一)–2019年10月12日(星期六)2019年10月7日(星期一)–2019年10月12日(星期六)。
  • 时间:11:30-19:00 周六(最后一天):11:30-17:00

 

 

文章作者:Jeongeun Jo
生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

artclipAdminhttps://www.tricera.net/
我们在ART CLIP涵盖了来自世界各地的最新艺术新闻,并提供艺术家和我们将继续传播信息,更有利于收藏家群体的活动。

Most Popular

You Might Like

秋山明:用传统的汤泉和服来表达灵性。

...祈祷是日本人心中的核心。   新宝菊开 作者:秋山明       在2010年创立自己的品牌Yuzen Marumasa之前的几十年里,秋山明一直致力于设计高品质的婚礼和服。如今,只有一小部分新娘有机会穿上缀有金箔或珍珠的汤泉和服。 在这次采访中,我们采访了秋山女士,她谈到了日本传统婚礼的精神意义、制作汤山和服的困难,以及她对用传统形式表达美的追求。(为保证篇幅和清晰度,本访谈经过翻译和轻度编辑) 仪式中的灵性 完善和服设计艺术 秋山明的游仙和服在哪里买? 仪式中的灵性 侯基典 作者:秋山明         灵性在日本是如何表现的? 除夕和后天,日本很多人家里既没有佛坛,也没有神坛,都会去当地的寺庙或神社祈祷。我想,这就是祈祷是日本人心灵的根源的一个证明。我也觉得,在日本婚礼中,保持这种与精神的联系很重要。 作为婚纱和服的设计师,你看重的是日本的传统是什么? 我认为,日本新娘在日本的天空下,在日本的国度里,在日本的神灵面前交换誓言是很重要的。这是我对日式婚礼理念的核心。如今,地球上有近80亿人口,40亿女性,40亿男性。幸福的新人应该感谢自己的缘分,做一个有无限可能的新娘和新郎。这种对命运的感恩,应该是婚礼仪式的核心。应该理解和感恩天神给我们带来的命运。 阳春宝山友信侯赞 作者:秋山明       命运不是单纯的偶然结果,而是命运。是生命的珍贵奥秘将两个人联系在一起,我们必须明白这个事实。与不同成长经历和历史的人在一起生活是很困难的。在困难的时候,祈祷是唯一可以连接我们的东西。所以我们应该举行真正传统的婚礼仪式,并进行祈祷。 日本的婚礼在过去几十年里发生了变化。你怎么看? 对我来说,最大的变化和挑战是缺乏仪式感。在传统的神道婚礼中,有四个重要的阶段:祈祷、饮酒、两家人的结合、酒会。没有这四个阶段的仪式,就缺乏神道的灵性,成为另一种活动。在小编看来,这种类型的婚礼基本上是新郎新娘想要成为焦点的聚会。 传统的日本婚礼有一个婚礼安排人,叫纳客,新郎新娘各有一个主宾,每个人都扮演着重要的角色。"纳客"会把双方家庭的成员介绍给对方、新郎新娘和客人。随后是两位嘉宾的开场白。这就是日式婚宴的传统流程。 作为Yuzen和服的设计师,这些传统对我来说非常重要。因此,我总是向希望举行日式婚礼的顾客解释传统的神道仪式是如何展开的。希望举行日本婚礼的客户很高兴了解这些传统的起源和神道仪式的真正意义。 完善和服设计艺术 我想我是这个行业里唯一一个疯狂的人,花这么长的时间去完善一件和服。 三加后菊 三加后菊 作者:秋山明       为什么做一件手工玉禅和服需要三年时间? 如果我只是单纯的设计商业服装,一件和服不会花这么长的时间,花两三年时间设计一件和服是无利可图的,也没有意义。但如果想到一日三餐只有简单的生活,那就不是追求奢华,而是追求宁静。我决定不追求利益,而是保持简单的生活,专注于追求艺术的完美。 我想在这个行业里,只有我一个人疯狂到花这么长的时间去完善一件和服,而不顾利润。 大寿菊 大寿菊 作者:秋山明       你的创作过程几乎是纯艺术的,但又受到传统形式的制约。你是如何对待你的设计的?? 我入行67年,设计了无数件和服,但和服的造型和尺寸没有改变。为了表现自己内心的美,必须在传统的和服形式内进行设计。我们要在和服造型的限制下,挑战新的想法和设计。我将尽最大努力设计出集优雅、高贵、奢华于一体的作品。 我从事这个行业已经67年了,设计过无数的和服。 你想接受订单或定制委托吗? 因为我们做一件和服要花三年时间。这就是为什么我们不做时髦的和服,不做特殊场合的和服,也不做其他用途的和服。有时,当时的情况或您的要求恰好与我正在制作的东西相吻合,但我从不按要求制作和服。 你的灵感来自哪里? 我的设计理念就像天使造访我的工作室一样,但很难在作品中表达来自天堂的想法。几个星期没有任何想法和灵感是很痛苦的。我已经记不清有多少次从早到晚坐在工作室里,不知道该做什么。然而,有的时候,我的脑袋里充满了想法和灵感。 和服制作的最后阶段是什么? 为了让客户的婚礼尽可能的完美,我将每件和服都在神社净化后再送给新娘。参拜神社时,会得到神社的红印,并将自己的名字印在和服上。这就是通过和服来祝愿穿和服的人幸福。在每件和服中,都有对个人、财产和生命的幸运祈祷。 大馆之姬 大馆之姬 作者:秋山明       秋山明的汤泉和服在哪里买? 我们会买下秋山明的。玉泉和服在TRiCERA可以买到秋山明的作品等。日本当代时装设计师的作品在TRiCERA。

人像的正面和背面

池田绫子是一位以肖像画形式输出情感的画家。她不以表现对象的细节为目的,如颜色、轮廓等,而是反映她的情感、思想和她自己内心的运动。绘画是一种自我表达,她用绘画的形式来勾勒自己的精神。 看来你的很多作品都是肖像画。首先,请您解释一下您的作品? -我的作品取决于我当时的心情,所以我并不总是有一个特定的主题来画,但我经常画肖像。但是,我经常用当时的感受表达来画肖像。 我从小就喜欢画画,以前经常画人。我还是喜欢画人,这不是故意的,但当我想到要在画中直接反映自己的情感来表达时,我觉得风景和抽象画不适合。不知道为什么,我觉得人像摄影是直接表达自己情感的最好方式。 鲜艳的R_02,53×45.5cm。 你作品中的人是用随意的颜色画出来的,而不是用写实的手法。这些图案是虚构的吗? -不,想象力不是我的专长,所以我画画的时候有一套原型。但是当我看到完成的作品时,却和我的形象不一样,所以有时候我在想,原型是否有用?身体各部位的颜色是在看图片的时候决定的,所以有时候皮肤的颜色是随机的,比如绿色。就像我之前说的,我的感受反映在我的画作中,所以当我看到完成的作品时,我当时的感受又回来了。我只有在完成一幅画的时候才会被说服,而不是在我工作的时候。 献给P_07,19.5×25.4厘米。 你是不是一直想成为一名画家? -没有,但我从小就喜欢画画。我不能像漫画那样编故事,但我会画画,所以我决定去读美术学校。学校的倾向是叫我画全身,但我觉得脸更有趣。在学校里,我主要学的是插画,但随着学习的深入,我对"客户工作"的兴趣越来越小。我想画我想画的东西。 你说你的作品反映了你当时的情绪。但是你想画的东西会不会因为图案的不同而改变呢? -这要看情况,但我没有真正的流程。我想我在忙于其他事情的时候往往会画肖像。所以我觉得我在通过画画来释放自己的情绪。 去年秋天,我捡到一只麻雀,和它相处了大约两天,不知为什么,我觉得有一种冲动,想画一些肖像以外的东西。所以当时我画的是脸以外的图案。也许这个主题会改变,也许不会,这取决于我遇到的人或我对未来的看法。

市野胜三:从传统到当代艺术的一步之遥。

"我想利用丹波烧特有的淳朴自然的泥土"。 Katsuiso Ichino 市野胜藏是市野家的第七代传人,在兵库县制作日本六大古窑之一的丹波烧。陶器起源于平安时代末期(794-1185),距今约850年。 1926年,日本哲学家柳宗吉和他的朋友们发起了被称为"民艺"的日本民间艺术运动。柳宗吉的想法是向世界介绍日本的日常艺术和手工艺,例如由不知名的工匠制作的陶器、纺织品和漆器,这些东西在艺术史上一直被忽视。柳氏收集了300件丹波器,并写了一本关于其美的书。在柳宗吉的努力下,丹波烧作为餐具的历史在90年前得以重现。一野胜造将丹波烧的技术作为当代艺术的新风格,将继续柳宗吉的"民艺"运动。 丹波烧的历史--丹波烧手艺人的家族。 粘土艺术 丹波烧的表现形式 从简单的餐具到当代艺术 在哪里可以买到一野胜祖的作品? 历史--丹波烧家族的手艺人。 炭化的"水刺",由一野胜藏创作。 丹波烧的历史有多长? 丹波烧的历史可以追溯到850年前,其起源可以追溯到平安时代后期(794-1185)。他们在山谷的山中建窑,制作实用的餐具。它一直在家族中传承,一直在制作时代要求的陶器,同时不断挑战新事物。我们感受到了这段珍贵的历史。力求做出这个时代才能做出的、只有我们自己才能做出的、独一无二的陶器。 你在20多岁开始培训陶艺师之前是做什么的? 我是跟老师学习西画的。我还学过一年的雕塑。我就读的大学并不是艺术类院校,而是关西学院大学,我的专业是经济学。 您出生于传统的丹波烧手艺世家,并追随祖先的脚步成为丹波烧艺人,为什么会选择这条路? 小时候,陶艺是我身边一直存在的东西,我对它并不感兴趣。但是,在我20多岁的时候,我在东京师从一位用陶瓷创作的艺术家。受此启发,我决定在家乡丹巴的窑洞里尝试制作当代陶艺。此后,我继续创作。 用粘土创作作品 丹波烧的特点是什么? 它的特点是泥质简单,质地朴实。丹波烧的限制不多,随着时间的流逝,形状变化自如。历史上的丹波烧反映了制作时代的需要。丹波烧的特点是,它是反映时代潮流的陶器。 一野胜宗的碳酸八角形"Mizunashi"(茶道用水容器)。 丹波烧为什么会盛产陶器?丹波烧的泥土与其他泥土有什么不同? 我想是因为这一带有丰富的适合制陶的泥土。属于山地土壤,含铁量高。...

宠物变成了画

 动物过去不过是食物和工具。现在,每天都会给人类治病。  日文的英文有一个词叫"Animal Therapy"。是指通过与动物的接触,减少内在的压力,恢复心理健康的做法。虽然学术上的证据不多,但生活在现代日本这样一个宠物重地的国家,人们对与动物接触的积极作用是毋庸置疑的。  有趣的是,很多人在视频网站和社交网站上观看别人的宠物。这不是为了娱乐,而是为了治病。单看这情况,似乎即使人类是虚拟的动物,也可以进行动物治疗。  本文探讨的是拉斯科和阿尔塔米拉洞窟壁画中所描绘的动物与艺术的关系,据说这两幅壁画是艺术的开端。 英加-马卡洛娃 / 英加-马卡洛娃。  Inga Makarova是一位艺术家,她的作品涉及的动物范围很广,从典型的宠物动物如狗和猫,到危险的昆虫如蜜蜂,以及外来动物如变色龙。她善于抓住每一种动物的生物特征,提取与人类文化的共同点。  狗经常被描绘成图案,也许是因为马卡洛娃对狗的情感依赖。色调鲜艳毒辣,但她对狗的喜爱却表现在小小的身躯上,有些可爱。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Airi Kumori  熊森是另一位对动物有深刻洞察力的艺术家。  然而,除了马卡洛娃对动物的宠爱凝视,抽象的程度也更上一层楼,这或许是因为在他的脑海中正在进行着对动物形态的解构。  他巧妙地运用复杂的几何线描与简化的图案、静态与动态的形象的二元对立,描绘了以动物为基础的动物和神灵。日本人在日常生活中遇到的各种动物,经过改造,时而琅琅上口,时而惊恐万分,每个动物的特点都被夸张地表现出来。  值得一提的是,艺术家还把通常被认为是无意识的动物,当作和人类一样具有明确意识的生命,以创造一种人物形象。在西方也能看到动物的特征,但即使在这方面,日本人特有的夸张的面部表情和奔放有力的笔触,也让人联想到鸟兽的漫画。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Yuko Hizume  有的艺术家采取与以上两位艺术家不同的方法来画动物。胧胧就是其中之一。  胧胧描绘了身着经典日式和西式时装的智慧、野性、坚强的女性之美。两侧是我们很少能直接看到的动物,如老虎、仙鹤、汪星人等。据说,这种画风是来自于对母亲和动物的感恩之情。  图案中的两位女性都有着端庄的外表,她们的精神力量隔着屏幕向我们袭来。而动物正是作为一种媒介,通过它向我们传递这种灵性的功能。老虎更增添了力量,而蜥蜴则加速了女性不羁的印象。  纵观希泉的作品,我们可以共同感受到自然人与动物的形象,两者之间的关系会在观者心中得到重申和重新思考。 点击这里查看艺术家的详细信息  由于宠物热潮空前高涨,2003年家中饲养的宠物数量超过1900万只,超过了15岁以下儿童的数量。动物不仅仅是食物和工具,而且越来越有机地融入人类社会,如何对待动物这个问题,答案或许就在艺术之中。

艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

Don't Miss

艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

在刚刚开业的艺术空间PARCEL,展出了一件介于雕塑和绘画之间的作品。

小牟田雄介在PARCEL举办的个展"Space|aspec"。 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 今年6月,一家新画廊PARCEL在东京开业。作为第二阶段,9月21日至10月31日将举办小田雄介个展。小田雄介是SCAI THE BATH HOUSE的代表艺术家之一,也是出生在大阪的新锐艺术家。 尽管他既不主修雕塑,也不主修绘画,但他的作品介于雕塑和绘画之间。 除了这些有趣的具象特征外,他的作品主题与他处理材料的方式一样独特。他根据飞机、仙鹤展开折纸的线条,创作了一系列作品。 折纸是儿童游戏的一种形式,也是一种将纸折叠成立体物体的工艺。飞机和起重机是折纸游戏的典型和代表。折纸是介于纸和雕塑之间的东西,有二维和三维的可能性。每次展开后,虽然是纸质的,但线条会恢复到原来的状态,成为痕迹。这些线条也是折纸算法的痕迹。小田注重折纸的这一特点。 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 小田用色彩将这个折纸的特点直观地表现出来,并将其进行几何分割。几何分割的表现方式多种多样,有时有强烈的色彩变化,有时有微妙的色阶。因此,小田的作品看似具有极简主义风格,但并不显得简单。此外,我们可以想象一下,展开的折纸曾经的自己是什么。展开的形象、作品本身以及作品在我们想象中的立体形态,丰富了我们观看作品的方式。如上所述,在"空间|Aspec"展出的作品形式多样。绘画、平面雕塑、包布突出的绘画。小田的镜面系列,将折纸线条雕刻在抛光镜面上,也在本次展览中亮相。据画廊Parcel Tokyo介绍,该系列作品曾于2014-2016年濑户内国际艺术节期间在犬岛展出,2016年起也在JR上越新干线的艺术友好型专列"玄武新干线"上展出。在这次展览中,我们将很高兴地探索多样化的表达方式。 展览期间,还将举办"关于抽象绘画的具体内容"的专题讲座。包括小田在内的当代艺术家将参加谈话环节。这次谈话会的目的是 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 画廊的意图是重新确认和核实艺术品和艺术家今天的位置,尽管现在市场价值是优先考虑的。更多细节将由画廊在适当的时候公布。 关于东京画廊包裹...

漫画的人工化会产生什么? Shueisha的”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”旨在打造下一部漫画。

SHUEISHA的"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是由Shueisha将漫画原画转化为版画作品的项目。这次我们邀请到了树艺社数字部的冈本正文、收藏家小池爱和艺术家曾周,从各自的角度出发,就"漫画艺术"的潜力及其与艺术产业的互动进行了圆桌讨论。 作为方法论的艺术是否会改变漫画的传承? - 我想说的是由树艺社与导演冈本正志、收藏家小池爱、艺术家曾周共同发起的跨界EC项目"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。首先,冈本先生,请您简单介绍一下这个项目,据我所知,这个项目的灵感来源是漫画档案? 冈本正志(OkamotoMasashi)是的,这一切都始于2007年左右由树枝社开始的漫画数字档案馆(简称CDA)。当时,"数字档案馆"这个词本身还很陌生。随着时间的推移,我们当然是用它来做数字漫画,但我们也在寻找其他的漫画输出方式和向世界传达的方式,其中一个结果就是"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。 第一,它不仅仅是对原作的简单复制,而是本身就是一件艺术品;第二,它与Startburn的艺术区块链网络Startrail相连,记录每件作品的历史。最后,作为文化厅参与的项目,基于如何将纸质漫画传给后代的问题意识,启动了漫画原画档案。虽然时间有点长,但这是项目启动的三大支柱。 - 我觉得漫画的制作和发行有继承的一面,但我觉得这种"矫情"对观众,当然对创作者也有不同的逻辑。 冈本:我想问一下两位的看法,从项目方来说,当我们想到"把艺术变成漫画"的时候,我们就会想,把漫画放到美术的语境中去发行,是不是真的是一个好主意?漫画是漫画,艺术是艺术,它们在不同的背景下发展起来了。这就是为什么我们叫它"MANGA-ART",在漫画和艺术之间加个连字符。我觉得不如说我们正在创造一种新的漫画艺术流派。 小池爱(小池)我觉得这是一种很好的思维方式,或者说是一种很灵活的思维方式。我也很喜欢你这次选择用跨境EC。从市场来看,全球艺术品市场约为7万亿日元。在日本,它的规模要小得多,所以我觉得针对海外市场的这种举措是一个非常好的决定。 冈本:非常感谢您。那么,在日本,大概是3500亿日元吧? 小池你用"大量的估计"作为前言。如果我们专注于纯交易,通常说是2500亿日元左右。 冈本:我明白了。以漫画为例,去年数字漫画的销售额约为3500亿日元。而这只是在日本。如果包括世界其他地区,甚至纸质漫画,市场就会变得更大。我认为漫画与其不敢完美适应美术的风格,不如利用其作为漫画发展的背景。当然,我认为可以和美术界的人合作。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本:当我想到那个"把漫画变成艺术作品"的时候,我想特别问一下作为艺术家的曾周你,它的真实面貌如何。 曾超先生,你用油画创作的作品,质感很鲜明吧?艺术家的手直接参与到作品中,可以说,作品具有很强的物理感觉。这次您的漫画艺术不同于传统的油画或作品的触感或立体感,而是注重平面感,但我想问您作为一个画家对此有何感想。 曾周是的,一般来说,美术绘画更注重物质性和物理性。他们往往更看重物质感,而不是二维的形象,我觉得这和漫画的思维方式很不一样。  但说到平面,我想到的是村上隆的《超平面》。在中国,也有一些作品具有动漫、漫画的语境,但评论家反应并不好。他们说:"日本的质量更高。所以,从某种程度上来说,我觉得这是日本人特有的一种思维方式,或者说是一种制作方式。 - 你提到了物质性,但这次你对印刷品的要求特别高。我认为技术层面上,特殊印刷技术的运用,使其具有了作为物品的价值。 冈本:非常感谢您。这是一个时间问题,我觉得我真的很幸运。我有一台特殊的印刷机器和一个特殊的工匠。 为了《Shonen Jump》,我们每周都会制作凹凸不平的树脂版,用大凸版印刷,但这是用质量不好的纸张印刷的。纸张和印刷都不值漫画周刊的价格。但我想,如果我真的在凸版印刷上印出漂亮的图案,会怎么样呢?要做到这一点,你需要的是一台能够高质量印刷的凸版印刷机,而不是一台高速印刷的轮转印刷机。听说以前东京有很多,但现在几乎没有了。这一次,京东印刷集团找到了长野有一家印刷公司,我们请熟练的工匠进行印刷。 小池听完你刚才说的话,我在想,这就是团队合作。基本上,一个艺术家单独用油画和丙烯画创作是有吸引力的,但漫画是一个综合的创作,漫画家、编辑、印刷厂都在一起工作。 冈本是的因为漫画的背景其实是出奇的陌生。但这些机器和技术如果不改变,就会失传。如果这成为一个契机,将他们传递出去,我想这将是非常有意义的。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本这是一个精致平衡的世界,不是吗? 小池不,真的是这样。我对年轻艺术家特别小心。日本的拍卖会越来越受欢迎,但如果在日本的价格过高,外国画廊就不会善罢甘休,或者不愿意与之打交道。他们说:"我们这样做是赚不到钱的。但另一方面,如果价格相对于质量来说比较低,他们认为还有发展空间。 冈本:哦,如果价格已经确定了......。 曾超:二中在中国也有非常大的影响力。特别是在香港,它是非常强大的。不过也有一些艺术家被卷进去了。 小池当然,在国内市场的固定经济范围内工作也是一种方式,但根据艺人所处的阶段,如果二货的价格只增不减,很难走向世界。 在当代艺术的世界里,需要这样一丝不苟的处理,我想这个项目可以让大家的思维更加灵活。即使建立二级市场,也不会对漫画家产生巨大影响。此外,它的区块链管理得很好。 冈本:区块链是一个很大的诱因。一部作品的历史会被记录下来,未来还有空间去考虑追诉权等问题。即使是树艺社出版的原版复制品,在二级市场上的售价也很高,我想研究如何利用区块链系统将利润返还给艺术家。 另外,在职业方面,这次我们是请三位老师,但最终还是想请新的漫画家。 我觉得很多纸质漫画杂志的结构越来越严谨。除了漫画杂志的稿费和漫画的版税之外,我觉得如果漫画艺术能够发展成为一种收入形式,也是一件好事。初出茅庐的漫画家一百万日元和老手一百万日元的分量是完全不同的......。 小池这是作者的新选择,由于LINE漫画和数字漫画的出现,成为作者的门槛降低了,但要想以此为生还是很困难的,有这样的选择真是太好了。....其实从4月份开始,我在一所艺术大学给包括漫画家在内的未来艺术家教授创业,这正是我所思考的问题。 冈本是的当然,我们要面对如何传承漫画的问题,但另一方面,这也是参与漫画本身的变化,以及漫画家自身职业的一种方式。虽然现在还很早,但是我想以一种灵活的方式来考虑项目的发展,包括你今天说的。 简介冈本正志|冈本正志"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"理事。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。在女性杂志和女性杂志门户网站工作后,参与了漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。 小池爱,1985年生于东京。毕业于庆应义塾大学法律系。大学期间在创业公司工作后,2010年加入了百合堂。2012年至2015年,她在私募股权基金Advantage Partners工作,参与收购(LBO)投资、被投企业管理和新业务运营;2016年起,她在Asuka Holdings工作,参与东南亚和印度的创业投资。2020年,他在日本创办了GO FUND。2020年12月,他将成为艺术YouTube节目《遇见你的艺术》的领航人。 曾超,1985年出生于中国湖南。他毕业于东京造形大学,获得美术学博士学位。他以"启音"和"伪舜石"两个关键词,将中国画的传统特色与当代艺术的视角交织在一起,并以一种全新的、独特的绘画语言呈现在祖国当代社会的各个方面。 SHUEISHA MANGA-ART HERITAGEhttps://mangaart.jp/

7月6日,卢浮宫重新开放。目前的状况、举措和挑战是什么?

 冠状病毒的流行使全世界发生了重大变化。艺术界也不例外,似乎受到了重大的经济打击。那么,位于法国巴黎的美丽殿堂--卢浮宫受到了怎样的影响?    在关闭数月后,法国博物馆终于开始重新开放。然而,那里没有庆祝的气氛。游客被告知戴上口罩,通过网上订票系统购票,并提交体温测试结果。这是因为博物馆在奇怪的、新的艺术观赏准则下运作。    巴黎卢浮宫将于7月6日再次开始接受游客,除非政府的指导方针发生变化。不过,还是会和冠状病毒之前的情况不一样。卢浮宫馆长让-吕克-马丁内斯在接受法国艺术杂志《费加罗报》采访时表示,旅行限制将对游客数量产生严重影响。      马丁内斯预计,卢浮宫的游客数量将下降70%,游客的人口结构也将发生重大变化。马丁内斯说,过去75%的门票销售来自外国人,但政府的移民限制将产生重大负面影响。不过,由于法国人在夏季放长假,他预计游客数量只占总人数的一小部分,但他希望能吸引本国公民。当公众对艺术界前景黯淡时,马丁内斯却很乐观。    卢浮宫通常每天接待1万至1.5万名游客,是世界上游客最多的旅游景点之一。过去,游客可以从多个地点进入博物馆,但现在只能从杨明培设计的金字塔进入。他还采取了完全关闭约30%的博物馆等措施。    马丁内斯说,他预计博物馆在未来几年内将保持不变,但在2023年将恢复正常形态。马丁内斯将目前的情况比作"9-11"事件后博物馆参观人数的下降,并认为要克服这种情况需要想象力,而卢浮宫有能力做到这一点。   版权所有: https://www.artnews.com/art-news/news/louvre-coronavirus-reopening-attendance-drop-1202689059/

Feature Post

艾米丽-梅-史密斯的首次个展将在东京Perrotin举行。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展不仅将在PERROTIN画廊举办,还将在亚洲举办。     纽约艺术家Emily Mae Smith在Perrotin画廊的首次个展。"阿瓦隆"。这是她在Perrotin画廊的首次个展,也是她在亚洲的首次个展。在这次在Perrotin画廊举办的个展中,Emily Mae Smith用她的画作讲述了自己的故事。   她的作品显示了一个完善的自我探索和概念化的过程,以及作为一个艺术家的成熟的技术能力。她的作品融合了各种主题,并经常从西方艺术史和流行文化中汲取灵感,包括象征主义、新艺术图形和迪士尼动画。在她的艺术家生涯中,她发现很多艺术场景都是由男性创造和设计的。在她的作品中,她以一种尖锐的讽刺方式重新利用这些主题,指出了艺术和日常生活中普遍存在的性别歧视和男性权力结构。不过,作为一名称职的艺术家,她并没有将图案照本宣科,而是巧妙地处理。她作品中的主题和表现方法都是具象的。       她创作了口舌等身体部位的特写,最终如梦境般飘走。在她的作品中出现的扫帚就像超现实主义的幻想,但又有些熟悉。很多人都知道,1940年迪士尼的一部老动画片《幻想曲》中,有一把扫帚似乎是活的。在《清洁工和我》中,扫帚部分出现在画面中,但只有扫帚的上半部分在画面中,这就出现了男性生殖器的形象。同时,扫帚还可以象征女人的工作、家务,以及画家的画笔等工具,这就开启了广泛的含义。     从《拾穗者奥达利斯克》中,我们或许还能认出让-奥古斯特-多米尼克-英格雷斯的艺术史名作《大奥达利斯克》,它对我们来说,看似完全陌生,却又耳熟能详。   从视觉上看,她的作品给我们一种画面感。海报,作为艺术作品,它们让人联想到虚幻主义、风景画和超现实主义绘画。包含了很多主题和跨流派。瞬间,陌生的或熟悉的,历史的参考,或作为当代艺术作品的陈述。诠释艾米丽的作品还有很大的空间。最终,她的作品运用各种主题,揭示象征意义,主题集中。从艺术史、文化现场到当代艺术。   1979年出生的Emily Mae Smith目前居住在纽约布鲁克林,并在法国第戎的Consortium博物馆和康涅狄格州哈特福德的Wadsworth Atheneum博物馆举办过个展。   这将是她在日本东京和Perrotin的首次个展,如果你在东京 ,从2019年8月28日到11月9日,一定要去看看 。   Emily Mae Smith "Avalon"   日期和时间:2019年8月28日(星期三)至11月9日(星期六)。 时间:上午11时至下午7时。 周日、周一和公众假期休息。免费入场。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

Jihye Kim是一位常驻日本东京的铜版画雕刻师。

1993年出生于韩国 2018年毕业于韩国首尔弘益大学美术学院版画系(双专业) 2018-目前就读于东京艺术大学MFA课程。 1.一句话,你是什么样的艺术家? - 我是一个铜版纸艺术家。 2. 您在做作品的时候,最重要的是什么? - 创作作品时,对您来说最重要的是什么?我想通过大气的主题来传达情感。 3.在艺术方面,视觉和概念哪个对你更重要? -我认为视觉艺术最重要的是视觉化。我认为,一件艺术作品如果不能引起观众的共鸣,就不能发挥视觉艺术的作用。我认为艺术家的最终目标是用一种有吸引力的方式表达一个好的概念,并通过视觉化的方式说服观众。 4.你认为艺术是什么? -创作是人类的本能。 5. 你是如何成为一名艺术家的? -我相信,我的作品是我生命的记录。所以我把我的作品当成写日记一样。做艺术作品就等于证明了我存在的意义,我想这也是我成为艺术家的原因。这种感觉也与我作品的主旋律有关。我想,能从强烈的生活欲望中做出东西来,是一个艺术家的乐趣。 金智惠 ,《离开的时间》,夹层,12x15cm,2019 ©️Kim Jihye 6.有你欣赏的艺术家吗?...

为什么要购买日本艺术品”与其他亚洲艺术品市场的统计数字相比。

从世界艺术品市场的统计数据比较看日本艺术品的巨大价值。 在拥有世界第三大GDP的日本,艺术市场的规模很小,这在艺术界竟然不为人知。为此,日本艺术品市场的价值被低估。然而,就像股市一样,这意味着在日本艺术品市场上有很大的投资价值。   根据东京艺术协会发布的数据,2016年日本艺术品出口额约为350亿日元,日本在全球艺术品市场的份额为3.1%,而美国为40%,中国为20%。由此可见日本艺术品市场的上升潜力。   所以,你可能会想知道你应该投资什么样的艺术品和哪些艺术家。一般来说,我们往往只关注名家,因为他们的风险低。然而,投资知名作品比购买年轻的、不知名的艺术家的作品风险更大。例如,以下关于亚洲最受欢迎的艺术流派之一--韩式单色运动Dansaika的统计数据显示了近期全球艺术市场的波动。 上面的数据图是以'丹泽华'的代表艺人金焕基、李宇焕、全相华、朴瑞波、尹贤根、河忠贤六人为基准。   艺术品投资者为何投资著名流派和著名艺术家:可交易性。   ,很多人倾向于用"主义"投资名家,主要原因是基于可交易性的安全性。不过,从上图可以看出,投资著名流派和艺人并不是最安全的方式。近来,试图更深入地研究艺术史价值,以便不只关注"趋势"。因此,越来越多的声音在问:"这种'主义'是否认真地代表了我们的社会、身份和时代?这种趋势意味着,主流作品中的"信托价值"正在变成一种无抵押、无担保的资产。   不过,相对低调的艺术家的作品,其价格很可能会大幅上涨,艺术价值也会被挖掘出来,除非他们退出艺术家生涯。此外,考虑到日本艺术市场的价值被低估,对投资于年轻的、不知名的日本艺术家的乐观态度也不足为奇,他们正在努力寻找具有艺术价值的身份。   中国的泡沫曾经占到全球艺术市场20%的份额,将像韩国的丹青一样慢慢破灭。与其他已经发展起来的亚洲市场相比,日本的艺术品市场具有发展潜力,并且已经显示出安全性。   TRiCERA.net的建立,是为了将日本的新兴人才与世界联系起来,他们通过展览和奖项在世界范围内崭露头角。如果您想为您的投资组合购置一件独一无二的艺术品,请不要错过这100多位艺术家的作品,他们的作品有可能在未来带来巨大的回报。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她毕业于东京艺术大学,是TRiCERA的成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

纺纱画画–三位艺术家的纺织之路

将纺织品的有机质感融入到作品中,有时可以将纤维在我们生活中发挥作用的服装的历史背景带到作品中。材料有亚麻、棉花、羊毛等多种,每种材料都有自己的故事,比如丝绸与社会问题有关,比如古代丝绸之路的开端,近代香港的纺纱厂中,妇女起到了主导作用。 另一方面,如果让我关注作品的物质魅力,那就是特别是质感。经过百余年来因工业进步而导致的服装批量生产,刺绣、手工织品越来越受到人们的欢迎,在艺术上也越来越受到重视。本文将介绍三位将纺织品应用于艺术的艺术家。 Shogo Miyasaka 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Asumi Asama 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Liberty Worth 点击这里获取更多关于艺术家的信息

Editor's Choice