星期五, 5月 20, 2022
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采访浅见:”艺术家站在作品和灵感之间。

点击这里查看艺术家 以刺绣方法论工作的浅见,自称是”容器”。她说:”要把我的灵感忠实地转化为我的作品。 在我的印象中,您的很多作品都是以刺绣为主。 -不,我是从画画开始的。而我是从自学开始的。我原本是做插画师的,从那里开始,我想表达自己的想法,所以我转到了不涉及客户工作的艺术领域。 我之所以转行做纹绣,是因为孩子的病。那段时间,我虽然没有活动,但我还是想创作,想表现自己。但很难找到绘画的时间和空间。我想,如何用一种更可持续发展的方式进行创作,这就是我与刺绣的缘分。 本卡多里-巴克斯,33×33厘米。 点击这里查看详情 换句话说,刺绣是一种艺术表现形式,你可以在日常生活中毫无困难地完成。你是自学的纹绣吗? -是的,我是。这就是为什么有时有人请我去开研讨会,但说实话,我不会教(笑)。我有自己的规矩和做事方法,但不是特别系统化。这只是我在自己的生活区寻找一种表达方式而得出的方法,所以可能和学过纹绣的人的做法不一样。此外,对我来说,重要的是它是一种艺术表现方法。所以我不想成为工匠,也不想成为手艺人。 既然你的作品是”用刺绣的方法进行的艺术创作”,那么就必须要有艺术家的视角和立场。你怎么看这个问题? -我的作品更多的是灵感型的。说我是萨满,可能听起来很奇怪,但我觉得它就是”落”在我身上。一个图案落在我的头上,然后我就要考虑如何仔细地把它作为一件艺术品拿出来。这就是我的工作风格,不是吗? 本卡多里-朱利亚诺,33×33厘米。 点击这里查看我的作品详情 换句话说,对你来说,艺术家就是一个站在你的灵感和作品之间的人。 -这只是我的情况,但是是的。但这也是为什么我自己的心理状态非常重要。我个人认为,一件艺术作品会受到你看不到的东西的影响,比如创作者精神状态的变化。所以我在心态不稳定的时候,从来不做工作。我相信在我的工作中会有所体现。早上上班前,我先净化自己,但重要的是能在纯净的状态下接受灵感,能在纯净的状态下创作作品。如果我的自我被牵扯进来,就会变得云里雾里。 以前人们说”你不是艺术家,你是萨满”的时候,我有一种情结,但现在我不介意了。其实,我觉得这更像是一种身份。就我而言,我能够做出比我自己能想到的更好的作品。 我的工作流程是这样的:”我有一个想法”,”我画草图”,然后”我把它绣在画布上”,但我尽量不要太自觉或奇怪。 启蒙》,33×33cm 点击这里查看我的作品详情。 最后,在工作过程中,有没有什么变化或想改变的地方? -基本上,我不这么认为。我的作品原形毕露,就看我怎么仔细舀了。所以我一直小心翼翼,我看重的是自己的身体和心灵。如果你有病或精神疾病,你就无法做好工作。做好容器很重要。 点击这里查看艺术家的网页

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我们这个时代还剩下什么”画”–专访东真美。

Azuma Manami以美丽的女孩形象和玩具为主题,通过旋转的运动将时间停留在画布上。结合简单而经典的时间主题、油画的绘画技法和象征日本当代文化一部分的美丽少女形象,阿祖玛的作品直截了当地展现了绘画媒介的广泛适用性和当今时代绘画的可能性。在这次的采访中,我们和Azuma谈论了他的作品背景和他至今的职业生涯。 你一直在创作暗示时间和运动的绘画,以旋转的美女形象为主题,但在你的主题中也有未来主义等西方潮流的感觉。能否介绍一下您目前的作品? 从学生时代开始,我就一直想把运动限制在画中,起初我是想捕捉模糊和摇摆。当时,我用玩具而不是人物,或者用长时间曝光拍摄的真正的旋转木马作为我绘画的基础。 但我当时画的更多的是抽象画。我无法将自己心中的概念完全表达出来,部分原因是我的技巧不够,所以我很迷茫。我在尝试用延时动画的方式来表现人物的旋转,因为我喜欢动画和漫画,所以我想:"为什么不把人物旋转起来,并以此为主题呢?于是我就想:"为什么不把人物旋转起来,以此为主题呢?我想,我可以通过改变今天的主题来表达旋转是时间从过去到未来的流动,而不仅仅是可见的物理旋转,立体派和未来派在做什么。 得知你曾经画过抽象画,我有些惊讶。 考虑到我现在的风格,这可能会让人感到惊讶(笑)。(笑)这是我自己的问题,或者说,这根源于我自己的情结。我真的不擅长画画(笑)。总之,我不太擅长画画。从高中预科到大学初期,我一直想认真地画画,但还是画不出来。我不知道如何画油画。身边的人都喜欢画画,他们用干净的画布看起来很开心。但我做不到,我喜欢用色彩工作,所以在某种程度上我选择了抽象作为逃避的地方。最后也很难做到这一点(笑)。 美好的一天(双尾) 29.7 x 42cm, 纸张Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看我的作品 你现在正在研究具象画。是完全相反的方向,不是吗? 我想我的转折点是到达我现在的生产方式。这几乎就像一种解放。现在,我把将成为我的主题的人物放在转盘上,旋转它们,给它们拍照,然后在电脑上合成,创作出绘画作品。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"这样的问题。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"的问题。意识到这一点,对于我这样的人来说,在绘画上是一个很大的发现。 将自己的品味和情感与确立概念和主题后的画作分开,有什么意义吗? 可能有......或者说,有。我一开始就不善于自我表达。我不是那种没有轨迹就能画画的人。我很精确,我很认真。正是因为我不能自由地画画,所以我才会精心设计和画画。最近我也在想,这也是好事。情感性和叙事性的作品是有讲究的,但就我而言,我认为是要把自我消灭到极致,把纯粹的形式追求到极致。我使用的数字,尽量与自己的兴趣相去甚远。我想防止自己的爱好和情感掺杂在里面,所以我真的想把注意力放在最纯粹的人物形象方面。最终,我觉得如果大家看了我的作品,觉得有趣就好。 我不知道这是不是一种令人不快的说法,但就你那些雕刻整齐的作品而言,是不是很难在数字和实际绘画之间划清界限?我觉得您的作品有一个生命线,就是用油彩作画。 的确,大家可能会想:"为什么不直接用电脑绘图呢?"但我认为,当你看到实物时,你看到的笔触和手绘的痕迹也是趣味的元素。我想这也是我继续画油画的原因。我还是喜欢绘画的物质性,我觉得插画和绘画的区别就在于我对这种物质性是否特别。 MASATAKA当代的装置景观 从特殊性来说,另一个东西就是概念。你试图在一个平面上捕捉时间和运动。这个想法是什么时候开始的? 也许是源于我个人的性格,我无法忍受事物恶化的方式。我无法忍受东西变旧或变脏的想法。有些人对旧东西会有感情,对于皮具,我认为你可以通过使用它们来对它们产生感情,但对我来说,东西在全新出包的时候是最棒的,我想让它们保持这种状态。他们被划伤或弄脏,太痛苦了。这就是为什么我总是用新的人物作为主题,但最近我一直在尝试通过将其制作成绘画来限制它们。 你能告诉我们你的绘画背景吗?你是小时候开始看画画还是画画的? 直到进入大学,我才开始认真地观察艺术,或者说对艺术的历史有了认识,但我开始画画的时间更早。其实,我妈妈是个漫画家,但时间很短,从我上高中到她生下我为止。也许这就是为什么我一直认为,最终我必须成为一名漫画家。这不是我被迫做的事,也没有其他原因,但我有这个模糊的想法。所以我从小就开始画漫画,但还没到投稿或在杂志上发表的程度,更多的是一种爱好。但一路走来,我自然而然地发现,我并不是真的想画漫画,我想做的是画画。 在你的画中引用人物方面,即使不是他们的原形,也是你感受亚文化背景的一个点。你是否知道当时的绘画场景? 是的,我意识到引用漫画和动画的绘画趋势,但在我的情况下,它更个人化。我不能在空白的画布上作画,只好准备一张蓝图,我决定用一个熟悉的人物作为图案。所以与其说是意识到当代艺术的语境,不如说是我内心与绘画自然互动的延伸。 随着工作越来越多,你有没有什么感触,或者说你自己的工作有什么地方是你思考的? 我经常思考我的工作,但最近我经常思考活动本身。特别是关于继续我的活动。这是因为大家在大学毕业后就不再画画了。即使继续,也会停止。由于每个人的情况不同,我想这是不可避免的,但我想在学生时代,大家都在同一个画室里画画,一起努力。但现在我一个人画画,班里的画师越来越少。就像我之前说的,我不认为我适合做一个艺术家。我是认真的,没有蓝本我是不会画画的,我从小在普通家庭长大,没有特别特别的背景。我身边有很多人更喜欢画画,更适合做艺术家,但他们因为各种原因放弃了,不知为何只剩下我一个人。我认为这是一个非常奇怪的情况。也许这就是我为什么这么坚定的原因。这就是一个字的决心(笑)。(笑)我想,"我还是继续走吧。我画画很久了,一直画不好,但是我考上了研究生,一直在坚持,所以我不知道我有什么收获,但是如果我继续画下去,也许会有收获。就像画画一样,继续画画可能是一场更孤独的战斗。 简介1988年出生于神奈川县横滨市,2013年在城北艺术设计大学获得美术硕士学位。2013年,她获得了福泽一郎奖。主要展览包括:Roentgenwerke的"Meiklichkeit 4"(2013)、Nichido画廊的"未来展"(2016)、MASATAKA CONTEMPORARY的"ICON"(2019)。此外,他还在纽约和香港的许多艺术博览会上展出。

续雨~最熟悉的不凡之道。

 雨对于人类来说,可能是最熟悉也是最不平凡的东西。  而这一不平凡的事件也催生了无数的电视剧,并以小说、绘画等各种形式在人们心中泛起了涟漪。  日本人对宇多川广重的《大桥晚照》从教科书上就很熟悉。你知道吗,这幅据悉是梵高临摹的作品,是世界上第一幅用线条描绘雨的作品。(有各种不同的理论。)在此之前,雨在绘画中一直是用伞和光线在湿地上的反射来表现的。然而,当"大锤头的晚上"横渡大海时,世界上雨的形状被更新了。  在本文中,我们要介绍的是几位艺术家,他们追求的是一种新的雨的表现形式,以取代150多年前的名画《巨锤头的夕阳》。 漆艺 点击这里查看艺术家的详细信息 Sousyu Kikuchi 有关艺术家的详细信息,请点击这里 Kiho Ujie 有关艺术家的详细信息,请点击这里 Kayoko Tamino 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 LOCO 有关艺术家的更多信息,请点击这里

剪报:本周3条日本艺术新闻。

冠状病毒也在影响日本的艺术博览会。     以"酒店为基础的艺术博览会"--AiPHT(ART in PARK HOTEL TOKYO)宣布推迟今年的活动。原因是为了防止新型冠状病毒的传播。 ,该博览会从2016年开始,至今已是第四届。本次博览会的新特点是,艺术品可以在白立方之外的另一个地方观看和购买。 主办方表示,将把活动推迟到今年9月25日至27日举行。 主办方表示,今年将推迟到9月25日至27日举行。也有人担心对其他展会的影响。 参考资料 :https://www.aipht.artosaka.jp/   日本最古老的公共美术馆将重开   京都市立美术馆于1933年开馆。它是日本最古老的博物馆建筑,但它在2017年进行了大修。它计划于今年3月21日重新开放。 ,通过此次更新,博物馆将拥有一个不仅可以容纳时尚和动画的空间,还可以举办当代艺术展览、新锐艺术家的展示、传统和当代艺术家的收藏。 参考资料 :https://kyotocity-kyocera.museum/   京都的艺术家艺术展     ARTISTS'FAIR KYOTO 2020是以艺术家为主角的当代艺术博览会,将于2月29日至3月1日在京都市的两个会场举行,为期两天。 ,以"让艺术随时可以购买"、"为下一代艺术家培养一个传承文化艺术的场所"为使命,在艺术界具有很强的伦理意义。奈川康平等著名艺术家都曾推荐年轻艺术家作为顾问。如果你想看看牙买加新一代的艺术家,你应该去看看。 参考资料 :https://artists-fair.kyoto/

毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

日本的秋天与艺术

 过了8月,一直折磨我们的炎热终于缓和下来,我们终于进入了秋天的季节。  都说秋天是运动、读书、开胃的季节。但对于艺术爱好者来说,秋天就是艺术的天下,不是吗?顺便说一句,"艺术之秋"这个词本身在其他国家是没有的,据说是日本独有的。  第一个原因是日本的大型展览,如"日花展"、"日天"、"仁天"等,都是在秋季举行。也有人说,秋天气候宜人,让人们有更多的时间去欣赏艺术。  秋天是一个月朗风清、秋叶飘香的季节。在这样的季节里,不厌其烦地用图片欣赏它们,是多么的优雅。在本文中,我想介绍几幅描写月色和秋叶的作品,这些作品就像日本人的原始风景一样。 Yoshihiko Daichi 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Keiko Kobayashi 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Edi Matsumoto 点击这里查看艺术家的详细信息 Sachi Oizumi 点击这里查看艺术家的详细信息 Hitomi Fujikawa 点击这里查看艺术家的详细信息 千加子音 点击这里查看作品详情 秋 点击这里查看详情

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床头的艺术–3D作品要注意的问题

当然,家中艺术品的摆放位置是由个人决定的,但放在床边如何呢?餐边柜的住户可能是一个钟、一盏灯、眼镜、水,或者是你正在看的一本书,但如果把一件艺术品放在一个睡觉时和起床时都能看到的地方,岂不是对你生活的一种刺激?从早安到晚安,用艺术开始一天的生活,用艺术结束一天的生活,如何? Atsushi Kaneoya 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 Yuichi Higure 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 Yu Namura 点击这里查看艺术家的详细资料 Celia Debras / Celia Debras 点击这里查看艺术家的详细资料 Shin Ogura 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 Megumi Yamamoto 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Saeka Komatsu 有关艺术家的更多信息,请点击这里

“窗口”清水智雄在MISA SHIN GALLERY)

带来让我们感受到无形的现象的作品     日本艺术家清水治雄的个展"窗"正在东京Misa Shin画廊展出。这是1966年出生、在广岛和埼玉生活和工作的清水治雄的第三次个展。   清水创作了探索艺术与自然科学之间关系的实验性作品。他的作品创造了由声音、运动、光和振动等元素组成的现象。     本次展览,我们将从几件作品中集中展示清水的作品《窗》。橱窗"是一个利用大数据原理的作品:两台显示器更新显示实时的推特信息,当一条包含"亮"和"暗"七种语言的推特出现时,两块发光板就会一闪一闪的。你希望在哪个板块看到更多闪烁的光?你认为哪种语言在你的显示器上会显示得更好?你这样想的理由是什么?在观看作品之前,向自己提出这些问题并形成自己的假设,将有助于你对展览有更多的感觉。     在实用性方面,它基于大数据和Tweeter,同时也受到希罗尼姆斯-博什的《人间乐园》的影响,描绘了人类世界之间的天堂和地狱。如《欢乐园》中,你可能会注意到,"窗"的左边是"光明"的意思,右边是"黑暗"如地狱的意思,中间则暗示着与被监控的愚昧人世相对应的虚空。     除了"窗"之外,清水治雄还将带来与饭田博之合作的作品"衰败音乐"。衰变音乐"是一件混合媒体装置作品,它利用安装在房间里的闪烁器来检测伽马射线,并回放射线的声音作为回应。在"衰变音乐"中,利用安装在房间里的闪烁器检测伽马射线,并回放展览期间三神馆内发出的辐射声。艺术家还没有在福岛或切尔诺贝利等高辐射的地方表演"瓦解音乐",当然这样的城市由于能量高,会产生高亢的声音。在这方面,这项工作有可能根据辐射程度的不同而产生各种不同的声音,希望很快就能在下一个地方看到"衰变音乐"。   在这些时间轴的工作中,会出现一种现象。并不是说无形的东西转化为有形的东西。从作品带来的现象中,我们可以感受到无形的东西。清水智夫的"窗"展从6月28日开始,将在三新画廊举办到2019年8月10日。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

花神子的限量版版画将发售。

TRiCERA很高兴地宣布出售Kana Kamitoko的限量版作品。 接待期2021年1月25日(周一)13:00--2021年2月8日(周一)00:00■获奖者通知。2021年2月15日(周一)之前,将通过电子邮件通知获奖者■申请方法请在报名表上填写必要的项目,报名前请务必阅读注意事项。 销售说明(*1)] (1)作品由艺术家签名并编号。(2)本作品为抽奖作品,可能无法获得心仪的作品。(3)不能选择版号。(4)从发售日(预定2021年2月15日)起,大约需要一个月的时间才能发货(*2)。(5)以下规格为生产前规格,可能会有变化。(6)每人最多可申请2件。(7)确认中奖后,为了客户的方便,我们不接受取消。 1 一旦提交申请,即视为您已同意"须知"部分所述的条款和条件。2 由于新的冠状病毒扩散而宣布进入紧急状态的影响,可能会延迟交货。 | 狐狸附身力》|宇和子加奈《狐狸附身力》。 ©️ Kana Uwatoko / TRiCERA, inc. 艺术家:宇和子加奈作品名称:狐狸附身立绘版:30幅图像尺寸(作品人物尺寸):176 x700mm纸张尺寸(纸张尺寸):196 x 720mm技术:胶版印刷、全息图处理签名:艺术家签名价格价格:55,000日元(不含税) 点击这里申请

外在和内在的艺术。外来艺术的艺术家

局外人艺术是艺术评论家罗杰-卡迪纳尔在1972年提出的一个概念。换句话说,它是一个技术术语,指的是没有接受过正规艺术教育的艺术家所创作的艺术。  在本文中,我们将介绍ACM画廊所经营的一些艺术家,他们的作品都是这种非常规的、自由的局外人艺术风格。 Takayuki Fujihashi 1963年出生的藤桥,20岁时在新明塾结识了朋友,发现了绘画的乐趣,拓展了自己的世界。 二三十岁时,他在染坊、干洗店积累了实战经验,认真踏实的工作得到了高度评价。此后,她加入了Sora工作室,并在纱织和陶瓷绘画中展现了她的形式感。目前,她独自生活,目标是独立。 点击这里查看艺术家的详细信息 Kaguratani 1971年出生,在冈山县津山市生活和工作。神乐谷总是对自己感兴趣的东西进行调剂,他有一种强烈的愿望,想把自己感兴趣的东西赋予形式,所以他根据自己的兴趣进行油画、水彩、设计、物件等创作。几件作品同时在制作,在他的工作室里还有很多正在制作的作品。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 XL 1967年出生,2006年起成为NPO Swing的成员。初中毕业后,他找了一份泥水工的工作,但被人欺负,离开了公司。他活跃在艺术创作活动"Oretachi Hyogen-zoku"、京都人形交通指南"Anata no Doko, Teishimasu"等多个领域。目前,他正带领Swing在多个领域开展"工作"。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Terai Ryosuke 1985年出生。他对棒球的热情,吸引着身边的动物和事物陆续进入棒球的世界。即使是那些乍一看毫无关联的事物,如果追根溯源,其实也是从棒球开始起步的。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Hironobu Matsumoto 1991年出生的松本,两三岁就开始画画,3岁时被诊断为高功能自闭症。他的许多作品都反映了他当时的兴趣,他通过将这些作品转化为他认为属于自己的图像来进行绘制。他从300支彩色铅笔和约100支水性笔中毫不犹豫地选择颜色。他从不使用尺子、橡皮、修正液,作品精准、细腻、色彩丰富。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 日本首创的外来艺术在世界范围内有了被认可的迹象。他的作品看似陌生,但其内涵却赋予其无边的力量。

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一个让人眼花缭乱的新锐数字画家。

数字绘画是否应该被视为当代艺术的一部分?当然,这一点毋庸置疑。当然,它不同于传统艺术的画布和油画、丙烯颜料等写实材料,但它仍然需要绘画、构图等艺术技巧,最重要的是创意。 此外,数字绘画可以比以前更及时地反映当前的世界形势。无论是对当时皇室王子的写实肖像,还是对战争的立体主义演绎,总能成为历史的镜子和视觉记录,这也是艺术的另一个重要元素,2020年之后有很多不可忽视的事件发生,越来越多的数字艺术家在描绘这前所未有的一年。 大多数数字作品以版画的形式到达我们面前,不言而喻,缺乏立体感,也缺乏真正意义上的"原创"。但另一方面,也可以实现特有的简洁线条和难以想象的色彩运用。句首的答案是,这不是好坏的问题,而是应该承认新的风格。你将会被这种独创的、毫无争议的艺术力量所折服。   Le Thai Huyen Chauo   一个新兴的迷幻色彩的魔法师。她玩世不恭地将封锁下的日常景观变成了世界末日的迪斯科。       fkXrnbw   艺术的塔巴斯科。严酷的幽默与超现实主义的结合。扭曲的创意让你在"梦中梦"中惊醒。         SAD MARIA   温柔的一巴掌,促进了人们对心理健康的认识。简约的构图强调了信息。       이창희   邀您参加一场融化的幻想曲--细节和图案的复杂组合。      

“窗口”清水智雄在MISA SHIN GALLERY)

带来让我们感受到无形的现象的作品     日本艺术家清水治雄的个展"窗"正在东京Misa Shin画廊展出。这是1966年出生、在广岛和埼玉生活和工作的清水治雄的第三次个展。   清水创作了探索艺术与自然科学之间关系的实验性作品。他的作品创造了由声音、运动、光和振动等元素组成的现象。     本次展览,我们将从几件作品中集中展示清水的作品《窗》。橱窗"是一个利用大数据原理的作品:两台显示器更新显示实时的推特信息,当一条包含"亮"和"暗"七种语言的推特出现时,两块发光板就会一闪一闪的。你希望在哪个板块看到更多闪烁的光?你认为哪种语言在你的显示器上会显示得更好?你这样想的理由是什么?在观看作品之前,向自己提出这些问题并形成自己的假设,将有助于你对展览有更多的感觉。     在实用性方面,它基于大数据和Tweeter,同时也受到希罗尼姆斯-博什的《人间乐园》的影响,描绘了人类世界之间的天堂和地狱。如《欢乐园》中,你可能会注意到,"窗"的左边是"光明"的意思,右边是"黑暗"如地狱的意思,中间则暗示着与被监控的愚昧人世相对应的虚空。     除了"窗"之外,清水治雄还将带来与饭田博之合作的作品"衰败音乐"。衰变音乐"是一件混合媒体装置作品,它利用安装在房间里的闪烁器来检测伽马射线,并回放射线的声音作为回应。在"衰变音乐"中,利用安装在房间里的闪烁器检测伽马射线,并回放展览期间三神馆内发出的辐射声。艺术家还没有在福岛或切尔诺贝利等高辐射的地方表演"瓦解音乐",当然这样的城市由于能量高,会产生高亢的声音。在这方面,这项工作有可能根据辐射程度的不同而产生各种不同的声音,希望很快就能在下一个地方看到"衰变音乐"。   在这些时间轴的工作中,会出现一种现象。并不是说无形的东西转化为有形的东西。从作品带来的现象中,我们可以感受到无形的东西。清水智夫的"窗"展从6月28日开始,将在三新画廊举办到2019年8月10日。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

迈克尔-托恩斯,”纸上绘画1995-2019″

8月24日至10月12日由田口美术公司举办。     田口美术很高兴在今夏和秋季举办德国画家Michael Toenges的个展。Michael Tenges是德国画家,生于1952年,常驻勒沃库森。他的一些作品被科隆的科伦巴博物馆和瑞士的阿劳博物馆收藏。虽然他主要活跃在欧洲,但此次"纸上绘画1995-2019"个展是他的作品首次在亚洲亮相。本次展览的一个独特之处在于,所有展出的作品都是在纸板上绘制的小件作品。据画廊介绍,这些小型作品并没有像其他大型作品或布面油画那样受到关注。虽然纸板上的小作品被认为是准备性的和零碎的,但它们值得注意,因为它们是他对色彩进行实验和斗争的证据。本次展览展出了他从1995年的旧作到为本次展览准备的最新作品。       Toenges通过在木板和画布上层层叠叠地涂抹油彩来探索色彩的多样性。滕格斯说,他主要关注的是色彩的安排、对比和构造,而不拘泥于形象和形式。他专注于探索色彩和颜料的物质性,他认为这是绘画的基本要素。   腾博会登录通常不提前准备草图,在没有参考图像和计划的情况下进行绘画。Tenges的绘画是自发的,没有任何特定的形象,但同时他研究了历史上其他画家使用的色彩构图,如乔托、弗拉-安杰利科、波提切利和戈雅。从不断的研究中获得的知识积累,似乎让他能够毫不犹豫地作画。   事实上,他的作品看似是一次创作,只是因为没有计划性,但从技术上讲,这个过程是将颜色涂在木板上,让其干燥,然后不断重复这个过程。这样一来,他的绘画可以说是艺术史上对色彩运用的长篇研究。   由于他的作品具有快慢两种速度的特点,我们也能感受到两种魅力。首先是它们一下子就抓住了我们的注意力,就像天格画画时毫不犹豫的那一刻。第二,就像他努力的过程一样,让我们在他的作品前久久驻足,你可以在田口美术慢慢欣赏他的作品,直到10月12日。   迈克尔-托恩斯,"纸上绘画1995-2019"   日期:2019年8月24日(星期六)-10月12日(星期六)。 开放时间:下午1时至7时 周日、周一和公共假期休息 >     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

Joi Murugavell – 欢乐迷宫

澳大利亚艺术家Joi Murugavell创作了色彩斑斓的艺术作品,这些作品大胆、有趣,充满了独特的个性。在奥克兰理工大学获得艺术与设计硕士学位后,Joi开始了她的艺术家之旅。     自2009年首次举办个展以来,Joi Murugavell一直积极参加世界各地的展览。最近,她参加了国际知名的当代艺术博览会"Affordable Art Fair",以及日本最大的拍卖行之一的新和拍卖。她的作品不仅在大洋洲展出,还在欧洲、亚洲和美洲展出。   她的艺术常常是抽象的、明亮的、尖锐的、幽默的,独特的人物在画布上跳舞。她的角色不仅仅是有趣和娱乐。每个人物都能捕捉到人类经历的美与痛,以及变化中的灵魂,引用。                                     查看更多Joi Murugavell的作品

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