星期日, 12月 5, 2021
Home News 编程现在也是艺术家的工具。

编程现在也是艺术家的工具。

中田拓浩主要创作山水画,但他采用了一种不同寻常的方法,将编程技术融入画作中。这不仅是因为他在学习艺术之前学习了数字媒体,更因为他要走在绘画史的最前沿,正如他所说:”新的东西不是光靠绘画就能创造出来的”。也许他可以成为新一代艺术家的榜样。 你说你是先学数字媒体再学艺术,是这样吗? – 本来,我是学数字媒体的。我在大学里参加了艺术俱乐部,也就是在那时我迷上了艺术。在那之后,虽然我主修的是数字媒体,但我开始对数字这种表达方式望而却步。最后,我又重新进入艺术学校,学习具象绘画。 你专注于山水画的原因是什么? – 我觉得如果把注意力放在人身上,就会失去真实感,所以我一直喜欢风景,无论是看风景还是画风景。我相信人和自然是对等的,但我认为我画中的人更像是符号。 现实对你意味着什么? – 现实对我来说就是”死亡”。这听起来可能有点可怕,但我试图画出让你感受到死亡世界和生命世界之间联系的风景。从我记事起,我就对风景有一种特别的感觉,我一直想在我的画中表达这种感觉。 好久不见的朋友》45.5cm×38cm。 你是如何将这种”特殊的感觉”融入到作品中的? — 我做完后故意把图片弄坏了。这幅画没有什么独创性,我的目标更多的是一种偶然的产物。要真正完成每件作品需要很长时间,但只有这样才能创造出我的目标。 你似乎在你的绘画中融入了编程的元素。 — 我从2018年开始混合编程元素。我主要是用Photoshop,但当你在没有目的的情况下修整程序时,就会变得很复杂,也会出现意外。图案设计就是动画,把最好的部分剪下来,变成图像,然后我再把这些图像变成绘画。 目的和方法都是一样的,但动画就像检查哪张图片更好。但最终,模拟和编程之间的try&error参数是完全不同的。 Strage夫人,72.7×91厘米。 你是否专注于一个主题或概念? -我不注重主题或概念。但就艺术史而言,我认为目前的方法是解决隐喻与象征关系问题的最好方法。当然,我的目标是创造新的绘画,但我不能只靠绘画来创造”新”的东西,至少我是这么觉得的,我认为我现在的创作方法/过程正在缩短两者之间的距离。所以现在回过头来看,我觉得学习数码是非常有用的。最近,我对语言的随意性很感兴趣,因为我觉得编程和语言很相似。我想继续以艺术家的身份工作,我认为我的角色是向世界提供一些新的东西。 会议地点,91×116.7厘米

artclipAdminhttps://www.tricera.net/
我们在ART CLIP涵盖了来自世界各地的最新艺术新闻,并提供艺术家和我们将继续传播信息,更有利于收藏家群体的活动。

Most Popular

You Might Like

从小山富雄画廊到久保田真穗,7月值得一去的展览。

 在新型冠状病毒爆发前的生活,全球很多行业都在应对"新常态"。在艺术界也不例外,从从业者到观众、收藏家,电晕带来的动荡一定以各种方式影响着我们与艺术的互动,包括展览和艺术博览会的取消、推迟、限制。  这几天,日本一些最著名的画廊在密切关注参观者的同时,也决定率先举办新的展览。这次要介绍的是三家画廊:小山富雄画廊、MAHO KUBOTA GALLERY、三潴画廊。  小山富雄画廊将于7月10日(周五)至8月8日(周六)举办桑原正彦的"天上的桃子"展览。这将是艺术家在画廊的第12次个展,他还将推出新作品。  自上世纪90年代后半期以来,桑原一直坚持创作关注"人类对现在生活环境的渴望所引起的变化"的作品。  桑原的作品通过奇异的生物、作为宠物的动物、玩具、风景、传单上的无名少女、待售房屋等画面,描绘了伴随着他对六七十年代日本经济高速发展时期的童年记忆的各种变化。  桑原说,这次展览的题目是"天桃",形象地表达了某件事情结束后留下的淡淡清香,就像空气清新剂一样。对现在的时代有一种讽刺和空虚感,但他从未放弃过。通过体验桑原作品中关注"人类的欲望对我们现在生活的环境造成的改变"的世界,重新思考自己对未来"新常态"世界的思考方式呢? 展览名称:"天堂的桃子"展期:7月10日(周五)-8月8日(周六)参展艺术家:桑原雅彦展出地点:小山富雄画廊六本木(东京都港区六本木665综合大楼6-5-24)开放时间:11:00-19:00。19:00闭会:星期二 联系网址:http://tomiokoyamagallery.com/メール:info@tomiokoyamagallery.comSNS:https://twitter.com/tomiokoyamaxml-ph-0039@deepl.内部 MAHO久保田画廊将于7月1日起举办村井由纪个展"YURAI MUUKI"。 村井由纪一直在追求自己对绘画物理性的诠释,比如使用她发明的"煎蛋画"、"穿画"、"动画"等。在本次展览中,以村井的钢铁实践为基础,将出现一批超越简单绘画理论的具有超强热度的作品。 在本次展览中,将有一些非标准作品的装置,如超越绘画中"身体性"的刻板话语的大型"移动的画"、"有移动身体的画"等。此次展览让我们看到了村井的内心生活,他始终以无政府主义的态度对抗现有的制度和结构。 艺术是一个界限模糊的物体,无法用一个模子来衡量,而艺术家往往通过自己与世界的反复对话,创造出新的表达方式。通过深入接触村井的作品,观众可以了解到一个生活在新时代的艺术家的内心,想象力的主动权被撼动。显然,生活在"新常态"时代的艺术和艺术家有很多值得借鉴的地方。 展览名称:"村井由纪" 展览时间:7月1日-8月1日参展艺术家:村井由纪地点:MAHO久保田画廊(东京都涩谷区神宫前2-4-7 1F)开放时间:12:00-19:00 休馆时间:周一、周日、国家法定节假日。 联系方式网站:http://www.mahokubota.com 电子邮件:info@mahokubota.com  艺术家加藤爱(Ai☆Madonna)的个展将于6月24日至7月18日在东京市谷的三潴美术馆举行。  本次展览由她6年前开始创作的"我不记得她的脸"系列作品组成。在这一系列作品中,艺术家将自己现在的脸描绘成一种记录,这是由她与与自己身份密切相关的脸的断裂所引发的:"当我闭上眼睛的时候,我不记得自己以前的样子。为了维护当下的"现在的脸"和面对自己而创作的系列作品,已经成为他的代表作,而加藤也以同样的态度继续制作"我记不住她的脸"系列。  这次展览的题目是以本来要在东京艺术博览会上展出的作品命名的,但由于电晕灾难而取消,被放在房间的角落里,无处可去。通过作品与当下生活状况的对比,观众会有所感触。 展览名称:"阳光下的坏境" 展览时间:6月24日-7月18日参展艺术家:加藤爱展览地点:三潴美术馆(东京都涩谷区神宫前2-4-7 1F)时间:11:00-19:00 休馆日:周一、周日、国家法定节假日。 联系网站:https://mizuma-art.co.jp/メール:gallery@mizuma-art.co.jp

看着被压抑和消逝的自己。斋藤拓海访谈

斋藤拓海画的是公园里的游乐场设备、房间的一角、路边等日常场景,带着些许虚无缥缈的感觉。她说:"随着年龄的增长,我发现自己被压抑了。"她将唤起自己童年感悟的风景和与之相关的物品,转化为女孩的形状,并将它们画在画布上。在这次采访中,我们和斋藤谈了她至今为止的职业生涯,以及她的作品背后的背景,她的作品是基于她自己的情感本质。     斋藤先生,你主要表现的是女孩的画作,结合场景,看起来像是日常生活的快照,但我能不能先问一下你的作品背景,它们在你的画作中是怎样的关系?   我的画中有的有女孩,有的没有,但女孩更多的是一种情感的存在,它把我和过去的自己联系在一起。 ,很多风景都让我想起了童年。当我看到一些能让我想起过去的东西,比如风景或物品,我通常会记下来,或者用相机拍下来,这就成了我作品的基础。     等候室》,2020年,29.7×42cm,纸本Giclee印刷,版本:50   点击这里查看斋藤拓海的作品。   换句话说,这个女孩是作为前斋藤先生本人的隐喻出现的。风景也起到了让我们回忆过去的作用,但无论哪种情况,过去都是关键点。   随着年龄的增长,我觉得自己一直在压抑。随着年龄的增长,我觉得自己被压抑了,一些曾经拥有的东西渐渐消失了,或者说我觉得自己越来越失去了自己。这是一种很不愉快的感觉。   但这些景与物让我想起了以前的自己。比如踩自行车时落叶的味道,比如雨后的味道......我可以通过这些日常的事情来回忆过去的事情。我真的无法用言语表达,但我觉得我的记忆又回来了。就像"这和那个时候一样"。   这种压抑是否意味着你被社会关系所牵制?   细微的差别是相似的... 也许。我渐渐地不习惯在一个群体中,但我发现自己也会跟着去做。即使我的朋友们会说"我们一起回家吧"、"我在那里等你"之类的话,也是有点尴尬。当然,我不认为这是恶意的或什么。   对于我来说,初中和高中是一个空白期,几乎没有能让我记住的事件。真的,没有什么让我不明白的原因。在你成长的过程中,你要面对很多的社交、限制,以及你必须要忍受的事情。但我觉得如果我试图去适应这些,我内心的一些东西就会逐渐消失,我感到很有威胁。我觉得我正在失去我的身份。     朋友,2020年,45.5×38cm,布面油画。   从这个意义上说,你的作品在某种程度上几乎就像一种记录,它不是简单的风景或女孩的描写。   如果我想留下一些东西,那更多的是一种情感,而不是一道风景或一些我能看到的东西。那些不描写女孩的风景,以及诸如此类的东西,都能让我和过去联系起来,所以即使我不描写人,我也想让它看起来像他们还在那里的痕迹。   所以我觉得人们往往认为我画的是风景和女孩,但我不想画情境。   接着说说你的背景,斋藤先生,你是学日本画的。你是不是一直想成为一个日式画家?   不,我一开始更像是一个插画师。我在初中和高中的时候属于漫画社,但我一直在画插画而不是漫画。我画过一段时间的女生图,但当时只是插图。   但我和身边的其他孩子一样,对它一无所知,我看的书里有我喜欢的插画家的插图,但我并不喜欢。所以我才会半途而废。   从高中一年级开始,我就有一个模糊的想法,就是想上艺术大学,我想这有一部分原因是因为我是画插画的,但我选择了日本画,因为我觉得我可以用二维的方式来表达自己。我喜欢的是平面的表达方式,而不是活泼的美术风格,从高考开始,我就真的不擅长画立体画。我也很不擅长画素描。   现在你用的是丙烯和油,但我觉得你在处理材料的时候,语法是很不一样的。   本科的时候,我用的是日本的画材,但是用矿物颜料的时候,就会被问到"为什么要用矿物颜料"这样的问题。但是,当我使用岩井谷的时候,就会被要求赋予意义,比如"你为什么要用它?"。另外,我从本科开始就一直在画女孩子,但我觉得如果用日本的绘画材料来画,就会被认为是美画的范畴。并不是我想走这条路,当我想到我想画什么的时候,我用丙烯颜料来画是没有问题的。所以我改变了很多,从绘画材料到绘画方式都有很大的改变。   以前我画头发和脸部的细节比较多,但现在转为画风简单,平面感比较强。我以前画的画也差不多,我试着把我以前在笔记本上画的东西做成表象。因此,我做起来就不那么痛苦了。   但我认为,我给自己设定的规则,或者说是限制。我尽量不做那些我不能做的事情了。我试着让颜色变浅,有些地方我用彩色铅笔层层叠叠,有些地方我试着加强某些方向的颜色,因为它们变得太模糊。     遗忘》,2020年,31.8 x 41cm,布面油画。   你是什么时候开始把现在的风景和女孩的结合带入画面平面的?   大约两年前。我想是在我本科毕业的时候吧。当时我加入了从照片上剪下来的风景,画面有点乱,但我决定把它定格在我童年的时光里。   我决定把它设定在我的童年时代,我想让它变得更复杂,或者说,我想让它变得更混乱。我是一个很平淡的人,所以我往往是片面的。我试图让它更难理解,更复杂。我想,这让人们不止一次地想看。但我觉得我最近画的太多了,因为它是。   你对工作和自己之间的紧密联系有什么抵触吗?   是你的作品太个人化了吗? 我以前也有过这样的烦恼,或者说,我现在还时不时地想...   我不知道我画的是不是太私人化了。但我也一直在想,有像微普艺术家,也有像纳威哈艺术家,还有经常画个人的东西和身边的东西的人。当我想到我想画什么样的作品,或者说画什么样的作品可以让我不觉得压抑,我想这就是我的方法。剩下的就是信念的问题了,我想。   你喜欢画个人生活的艺术家吗?   我是这么想的我喜欢那些用日常用品和日常生活的碎片来画个人的,或者说是随意的作品的艺术家。我喜欢前几天在渡云的青木先生,西村雨,还有丹尼斯、维拉德等老艺术家......。   我也喜欢莫兰迪。我总是把他的美术书放在身边。我也喜欢纳碧派。我觉得它们在主题和主题方面非常有帮助。还有,我不是画家,但我喜欢青山静夫。在我开始画儿童画的时候,他对我的影响最大,甚至现在我在觉得自己失落的时候,经常会看他的作品。   你一生都在画插画,在你的画作中,你是否感受到了插画的基因?   ...我不知道但有的时候,人们肯定会说。虽然没有那么明目张胆,但人们确实会说:"你是个插画师。   但最近我觉得两者都有一点。我叫插画,也叫绘画。我画插画的时间肯定很长,所以我觉得有这种感觉并不奇怪。有一些我喜欢的插画家等等。所以最近我一直在想,介于两者之间也是可以的。   介于插画和绘画之间。   我觉得这两者的元素都很好。如果它同时具备这两种元素,那么它可能就有自己的真实性。   你画的女孩脸上没有表情吧?   当我在画画的时候,我很平静。所以我画的人没有表情。那里有一段距离,不是吗?曾有看过我作品的人对我说:"斋藤先生似乎已经放弃了。"我想这可能是真的。我想我已经告诉过你为什么我的作品里会有女孩或者孩子,但我画孩子的原因更像是一种情结......或者说更像是一种渴望。渴望成为一个孩子。   这和我小时候周围的环境有关,也和我现在的样子有关。   有一种感觉,现在的我和小学时的我没有联系。当我看到自己小学时的照片和老师的评语时,我觉得自己亮堂了许多。我心想:"哦,原来是这样啊。环境变了,我也变了,我想有的人一直都是沉默寡言的,但我已经变了。     午后的公园》,2020年,33.3 x 33.3cm,布面油画。   尽管如此,景观或其他东西会引发它复活。斋藤先生的绘画是一种抵抗,是以结构的方式捕捉情感的形式。   但这很复杂,不是吗?正如我前面提到的,很难用语言表达。当我看到一个风景或一个物体这样的东西时,我的感觉和怀旧是不同的,很难向别人解释这是我画的东西。   最后,我认真地走到了这一步,以为自己在某种程度上融入了周围的环境。我想,让自己不至于飘飘然,也不至于改变,但我觉得失去了原来的我,是很悲哀的。我认为,如果它仍然是一种形式,那就很好。     简介   1996年生于东京,2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"(Koenji pocke / 2019 /东京)、"雾"(展览空间CLOSET / 2020 /东京)、"ob策展新华社"(Hidari zingaro / 2020 /东京),他的个展包括"温柔"。岁"(新宿眼科画廊/2020/东京)。   点击这里查看斋藤拓海的作品。

Quick Insight vol.1 – Yuta okuda-

活跃于日本和台湾的亚洲艺术界,Yuta okuda试图通过生物和花卉来描绘和肯定自然秩序之美。菊地TAKEO KIKUCHI的时装设计师转为艺术家,我们采访了他的活动和背景。 首先,你能给我们简单介绍一下你的工作吗?我的作品是基于无意识的自我投射和自我诠释。在无意识的层面上,我想到了生物,在有意识的层面上,我把它们变成了汉尼亚、玛丽莲、科迈努等等。 我想不自觉地描写的题材总是花和活物,由此我试图在一幅作品中表达两个矛盾的主题,如美与丑、爱与妒、生与死。我的图案总是活生生的东西,我根据食物链的概念,画出自然秩序的美。 智慧 743×607,2019,颜料墨水/肯特纸业。 点击这里查看她的作品。 你以前是一个时装设计师,是什么让你成为一个艺术家?我想这是因为我有强烈的愿望,想成为一名艺术家。因为设计师和艺术家的本质是完全不同的。商业设计师是不需要有个性的。我们需要以一定的方式,按照一定的时间表来做某项设计。但这是有压力的。所以我觉得一开始真的就是"我只想画我想画的画"。 那你是不是马上就开始画画了?不,一开始我只是在家里涉猎画画。现在回想起来,当时的照片似乎很密集。我好像在发泄我的负面情绪。我根本没想过要给人看。一点儿也没有。可以说,这是我的毒素(笑)。 紫玫瑰(粉红x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你是怎么开始做职业艺术家的?有人认可我的工作,我的画。当我的负面情绪完全表现出来的时候,也有人说:"我喜欢你的作品"。这是个惊喜,说白了,让我感觉很好。这绝不会发生在一个商业设计师身上。在时尚界,你要编造一些东西,但在绘画界,你是赤裸裸的。我很高兴能把自己的这部分表现出来,并得到赞赏。就在那个时候,我看到我的一些朋友是艺术家,我很嫉妒他们的作品,所以我想,我也应该这样做。但如果我要做的话,我想把它当做一个专业的事情来做,而不是作为一个爱好,我不想半途而废。如果我要做,我想做得彻底。 你说你的作品是一种自我投射。你从一开始就有这样的立场吗?刚开始的时候,都是"不停地画"。我会画三天,睡半天,就想把它画出来。我画了三天,睡了半天,就把所有的东西都放出来,当我把所有堆积的东西,所有的东西都放出来的时候,我终于可以看到概念了。这就是"自我投射"。 这与时尚完全相反。在时尚界,化妆的概念是第一位的,然后你再从那里建立起来,但我在艺术界做的是发现自己,展示最真实的自己。如何裸露自己,如何将自己的这部分展现出来,是很重要的。我想看看我的经验是如何输出的。 抽象花束(深蓝色x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 以自己的经验为基础的工作,是不是很难得到意见?前三年我就跑出来了(笑),30年的人生,三年就跑出来了。(笑)但我认为这是我生命中最重要的30年。我想我可以再深挖一下。回想这三年来,我的真性情是什么,我的底子是什么。所以从现在开始,我要接受各种事物,做出新的东西。 最近,您的作品中多用了苏米墨。这种变化是有意为之吗?我的工作确实发生了变化,因为它还与我有关。即使让我画出与过去一模一样的图画,无论是物质上还是精神上,都是非常困难的。虽然会变,但我可以说的是,我现在做的事情没有任何谎言。我真的没有任何怀疑。就像我前面提到的,我的画就是要让我能有多赤裸,能对自己有多诚实。所以如果你从这个角度去想,我想我可以肯定地说,我做的事情没有错。另一方面,我一直在努力更新我的材料。我尝试过水彩、铜版纸、油画、日本画、泥土。因此,我决定,苏米墨是最适合我的天性的。 抽象单花 (萨克斯 x 紫) 36×14厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你已经找到了新的目标和新的挑战,现在你的目标是下一步。你对这个目标是否已经有了具体的想法?我的作品是一种自我投射,所以我对未来的憧憬又不是全部都很清晰。我可以说的是,我还是不骗自己。我想在工作中赤裸裸地坦诚相待。所以我想充分利用我自然而然的经历。现在我终于习惯了空虚,我想我还有很多工作要做,吸取不同的经验,并把它们提炼成画。了解了环境和自己的变化,我会把它们融入到我的画作中去。无论事情如何变化,对我来说,只要不骗自己,没有疑惑,坦诚相待就好。因为对我来说,画画就是要把最赤裸裸、最真实的部分表现出来。 简介在伦敦留学后,她获得了ISTITUTO MARANGONI伦敦时装设计学院硕士课程的文凭。回国后在时装品牌"菊地TAKEO KIKUCHI"担任时装设计师。离开公司后,她开始不是作为时装设计师,而是作为艺术家"yutaokuda"工作。她用细腻的线条和斑点,以花朵和生物为主题,画出食物链等自然秩序之美。有时,我用欺骗的手法把矛盾的两面都画出来,如生与死、美与丑等。目前,她正积极在国内外举办个展和联展。 点击这里查看奥田雄太的作品。

毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

画出残缺的形体之外的美–专访沙美希。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家,2020年毕业于武藏野美术大学油画专业,从2016年左右开始,她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩,反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi,了解了她的作品背景和她至今的心路历程,正如她所说:"可爱的东西即使被分解,也能保持可爱的一面。     三越,你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外,还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗?   恐怕是感觉上的问题,但说到图案,最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩,但受父母的影响,我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏,通过这些,我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ,也许是我的作品倾向的缘故,经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上,我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情,我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ,另一方面,我不仅对可爱感兴趣,还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱,但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚,也许只是一种感觉,但我真的很喜欢这种状态。 ,并不是我有上瘾的爱好,而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱,我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想,我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中,不仅脸部,而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌,你对变形的身体也感兴趣吗?   就像你说的,除了性格化的女孩和她们的解体,我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西,而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中,有一个角色的身体被改造的场景,我特别喜欢这个场景。事实上,这是我唯一看的场景(笑)。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西,比如魔女的变身场景。 ,所以我一直想画一个会变化形状的身体,但直到遇到马多野爱的作品,我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色,但这就是瓦解的来源。   是的,是这样的 有很多时候,我会拿到一根冰柱,然后说:"哦,就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉,但从那时起,我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年,《联合》,116.7×91cm,描纸,油画和钢笔,画布。   在形成你现在的画作时,你是否有参考过其他艺术家的作品?   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响,但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色,她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家,但你要摆脱他们的影响是不是很难? 不,真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶,而自己的性格又容易模仿别人,所以我很担心。 ,但是,你们两个都是独一无二的,所以,比如艾-麦当娜的女孩,皮肤颜色不同,阴影使用荧光色,以及其他视觉上独特的部分,比如在眼睛里放字母,我禁止使用,或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性,我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为,我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙,也喜欢不经意间画出线条的时间。 ,至于涂料,我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料,让画面看起来凹凸不平,但近距离看我的作品,粗糙感很突出,我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好",现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗?   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体,但更多的是二次创作,我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候,我觉得更安心。我喜欢画布的重量,当我从侧面,或从一个角度,或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的? 你一直喜欢画画吗?   其实我上的是设计类的高中,所以对画画比较熟悉,学了三年设计,但是设计就是用来和人交流的,你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ,有很多作业要求,比如:"只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出,笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃,他们就会很生气。即使是交作业的时候,也会有人对我说:"你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年,《联合》,41 x 41cm,油画和钢笔,画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗?   不,我当时根本没有想到。初中的时候,我就想做绘本家,我很喜欢酒井驹子,但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ,但到了选择职业道路的时候,我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校,那里有一个油画课程的摊位。 太美了!也就是在那时候,我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了,不是吗?你到底是什么时候开始的?   在活动方面,是在2016年大学一年级的时候,我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展,也就是在那里,我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品,然后是在上面画了线条的丙烯画。 ,在这之前,我的作品甚至都不是女孩的作品,都是比较抽象的,我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条,但我用的是油画颜料,而不是现在的丙烯颜料,我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的,但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了,而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩,表情的深度和重量,但速度不适合我。...

Don't Miss

工艺和装饰的语境给绘画带来了什么?采访京森康平。

我的目标是超越时间。以"装饰"为线索,以靛蓝染色等日本工艺为背景进行创作的艺术家京森恭平说:"我的目标是超越时间,通过对历史上流传下来的装饰文化进行解读和更新,并将其转化为绘画作品,我希望创作出让所有人都感到'惊艳'的作品"。我们对他的想法和制作进行了采访。     点击这里获取更多关于艺术家的信息   京森先生,你是在装饰性的背景下进行绘画创作的。我可以先问你这个问题吗? -我以一个当代装饰设计师的头衔工作,但我的心态是以自己的方式诠释和更新历史上众多的装饰文化。所以,在这种情况下,我的作品,以绘画的形式,可以成为一种新的装饰文化形式,不分国家和地区。从某种意义上说,文字在当代艺术,尤其是观念艺术中是很重要的。但我希望我的作品,至少在我自己的作品上,能够感动人,即使他们看到的时候不依靠文字,也能感动人。     点击这里查看作品详情   京森先生,你也参与了平面设计和服装工作。这对你的工作有影响吗? -确实如此,这是很重要的一点。在色彩搭配方面,我觉得我在欧洲学习时尚的经验很有用。另外,因为我是以数码的方式进行创作,所以我尝试着将多种技术和材料结合起来,比如选择材料、融合数码和模拟技术,使我的作品更加强大。 另外,日本平面设计的根基是浮世绘版画,我在作品中也意识到版画的技术和分工。     点击这里查看作品详情   我可以问一下你们的生产工艺吗? -首先我画了一张草图,然后用数字模拟。重要的是要有意想不到的元素,比如通过材料的拼接,偶然产生的。然后,我将作品用电脑绘图,用适合材料的印刷技术打印出来,再用岩漆或U V树脂进行染色或加工成三维形态。     您的作品似乎有好几个系列,但有没有一个是目前特别重要的? -目前,大约有五个系列。 例如,名为"A-UN"的系列是一个希望克服族裔群体之间歧视和偏见的信息。另一个重要的系列是使用靛蓝染色的"JAPAN BLUE"。我跳得有点远,但我认为,社会的不符合性和所有这些都是个性。我认为,一个多元化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以这个系列的主题是对不完美的肯定,我觉得这是我很日本的风格。     点击这里查看更多我的作品   你认为"视觉印象"具有超越语言和时间的力量吗? -在当代艺术的世界里,一直以来,强调概念和文字的观念艺术都是一种强烈的趋势。而且,它是以西方为中心的。 我想探讨一下,我作为一个日本人,又有平面设计和服装的背景,能做些什么。 无论你身处何方,从事何种工作,也无论你属于哪个民族,我认为超越时代的方法就是创作出让所有人都能看一眼就说"哇!"的作品。   请告诉我们你未来的计划。 -今后,我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。 具体来说,我想把有田烧瓷器、德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与自己的装饰画相结合。通过这样做,我相信我可以提升作品/对象的价值、力量和能量。 此外,我希望通过与各地区的共同创作,能够保护好留给日本未来的技术和传统,更希望通过传承进化的传统,将其与超越时代的下一个未来联系起来。   点击这里查看京森康平的作品。

进入观念艺术的下一个时代。

京森康平是一位以"现代装饰"为主要作品的二维艺术的艺术家。他的目标是创作出能吸引人类视觉感的强大作品,并将它们传递给下一代。"我的目标是超越时间。通过在我的画作中诠释和更新人类在历史上建立的装饰文化,我希望能创作出让大家感动的作品。"     说说你"把装饰文化运用到艺术中"的风格。 ,我想诠释装饰文化的历史,更新装饰文化。我的作品可能是一幅画,介绍一种新的装饰文化风格,不分国家和地区。我想让大家觉得,"哇!"。我想创造一件让人觉得"哇!"的艺术作品。   你也曾参与过平面设计和时装设计。这段经历对你的工作有什么影响吗? ,我的根基是平面设计和时尚,所以这些技能对我来说非常有用,尤其是在构图方面。另外,我的日本平面设计的根基是版画,我使用胶版画和其他版画技术,所以也影响了我的作品。   你是如何创作的? ,我先从草图开始,然后用数字模拟。重要的是要有来自意想不到的地方的元素,比如我在拼接材料的时候。数字模拟完成后,我将作品输出到胶版印刷品上,并通过UV处理完成。我的作品看似不精致、不讲究,但其实很精致。     您的作品有几个系列,现在最重要的是哪个系列? ,其中有一个系列叫"Aharebi"。我是为了奥运会才开始做这个系列的,它有一个信息,就是我想克服对不同文化和背景的人的歧视和偏见。 另一个重要的系列是使用靛蓝染料的"JAPAN BLUE"系列。我相信,任何事物都是独一无二的,即使你是一个反社会的人。我认为,一个多元化的社会,首先是一个不符合常规框架的社会。所以这个系列的主题是"对不完美的肯定",我觉得很日本。     你的很多作品都有很强的信息,不是吗?-是的,创作自己的作品最重要的是超越时代。这些天我常想的是普遍性,比如"眼见为实,心动不已"。我在我的装饰品上投入了很多技巧和时间,但我相信每个人都会被每件作品给桌子带来的能量所感动。我喜欢那些不用解释就能让你感动的东西,我觉得这很好。我想探索我在平面设计和时尚领域的背景,无论是在当代艺术的世界,还是在杜尚之后的观念艺术的世界,我都可以做什么。无论我在世界的哪个地方,无论我的职业和种族,我都希望创造出让所有人都能说"哇!"的作品。我想做出让大家都会说"哇!"的作品。  

将光带入形体–采访藤野真司。

 他曾在日本举办过多次展览,并在2019年参加了斯洛文尼亚的驻场艺术家计划。藤野真司一直在欧洲与艺术家们一起充满活力地工作、创作和展览。我们采访了他,了解他是如何成为一名艺术家的,以及他对处理光的作品的看法。  "光的标本"系列,将透明的笔触涂抹在玻璃和亚克力上,通过作品放置地的光线来实现视觉效果。该系列作为藤野的代表系列之一,以"光能给我们看什么"为主题进行创作。藤野对光有着特殊的兴趣,但光对他来说到底意味着什么?他说如下: 光无处不在,不分地点,根据观者的内心状态,可以有不同的感知方式。  对于人类来说,光是我们普遍存在的不可分割的一部分,但它又是那么难以捉摸。藤野说,他受到詹姆斯-图瑞尔等艺术家的影响,他们把光当作一种材料。藤野进入专业创作领域的第一步也与光有关。  他说:"我在艺术高中和艺术大学学过艺术,毕业后做过策展人,但我陷入了'逻辑思维',我的处境非常拘谨。后来,我去旅行,看到美丽的自然光照进房间,当我茫然地注视着它时,我就能从"逻辑思维"中解脱出来,获得自由。  这段最初的经历是藤野的一个转折点。这段最初的经历对藤野来说是一个转折点,他得到了一种来自光的启示。在藤野的背景中,又有一个有趣的情节,反映在他的艺术作品中,告诉我们。  我的父母经营着一家小旅馆。从小到大,我不断地接触到外面来的人和送回来的人的循环,这让我意识到'人是多样的'。  "光的标本"系列作品中,作品的体验不仅是由作品本身形成的,也是由作品的安装环境和观者的视角形成的。这也是藤野作品的主题。 我想让那些忙碌的人们来接我的作品。如果他们能感觉到自己所处的地方光景足够美丽,我会很开心。  "光之标本"系列是以人的多样性为前提的。它的包罗万象的温柔就像阳光一样。 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 点击这里了解更多作品信息 点击这里查看更多我的作品 点击这里查看更多藤野真司的作品。

日本的秋天与艺术

 过了8月,一直折磨我们的炎热终于缓和下来,我们终于进入了秋天的季节。  都说秋天是运动、读书、开胃的季节。但对于艺术爱好者来说,秋天就是艺术的天下,不是吗?顺便说一句,"艺术之秋"这个词本身在其他国家是没有的,据说是日本独有的。  第一个原因是日本的大型展览,如"日花展"、"日天"、"仁天"等,都是在秋季举行。也有人说,秋天气候宜人,让人们有更多的时间去欣赏艺术。  秋天是一个月朗风清、秋叶飘香的季节。在这样的季节里,不厌其烦地用图片欣赏它们,是多么的优雅。在本文中,我想介绍几幅描写月色和秋叶的作品,这些作品就像日本人的原始风景一样。 Yoshihiko Daichi 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Keiko Kobayashi 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Edi Matsumoto 点击这里查看艺术家的详细信息 Sachi Oizumi 点击这里查看艺术家的详细信息 Hitomi Fujikawa 点击这里查看艺术家的详细信息 千加子音 点击这里查看作品详情 秋 点击这里查看详情

Feature Post

索里欧个展

纪念展 限时销售页面 本网站为索丽欧限时在线销售网站。 请从以下作品中选择你喜欢的作品购买。 在本网站只能用信用卡支付。 *请务必在付款页面输入作品编号。 Soryo A1尺寸(限量30个签名)无框:10,000日元(不含税)含运费 索里奥A1尺寸(限30份签名)带框架:20,000日元(不含税),含运费。 您可以选择框架的颜色:白色、黑色、银色或金色。请在付款页面注明颜色。 参展作品 Soryo A1尺寸(限量30份)无框:10,000日元(不含税)含运费。 索里奥A1尺寸(限30份签名)装帧:20,000日元(不含税)(含邮费)。 镜框颜色:可选择白色、黑色、银色或金色。请在付款页面注明颜色。 关于soryo 生于东京八条岛。迁居东京成为神道士,接触到浦原宿的文化。 他受到横尾忠则美术馆作品的影响,高中时从老师那里得到的艾欧作品集,以及小学高年级时玩的RPG电子游戏世界观的影响。为了保持日常压力下的心理健康,他一直在iPhone上制作图形。 2017年7月 我从偶像的脸上剪出了四个部分:轮廓、眼睛、鼻子和嘴巴。 我将偶像脸部的四个部位(轮廓、眼睛、鼻子、嘴巴)剪下来,用福禄寿喜的手法制作了一个想象中的偶像女孩。 2018年8月"KIMERA"个展,将"头"、"上半身"、"下半身"等部分用各种材料汇集在一起,组合成一个个鲜活的生命体 。 2019年的一天 我把作品装在手提箱里,在路边卖的个展【移动个展】。 2019年8月 在一栋废弃的建筑中展示了一件作品,并测试了"作品在现实世界中"和"作品在数据上"的时间限制【半永久个展】。 关于TRiCERA TRiCERA是支持日本艺人拓展海外业务的平台。TRiCERA将负责支付和交付网站上的艺术品。 点击这里查看隐私政策 点击这里获取更多关于特殊商业法的信息

我们将举行抽奖活动,销售神童加奈/中岛健太的新版画。

TRiCERA很高兴地宣布,我们将以抽签的方式销售曾在富士电视台网络媒体"富士特评"中出现过的艺术家神子加奈和中岛健太的新版画作品。     受理期 2020 年 10 月 25 日(周日)10:00--2020 年 11 月 10 日(周二)■获奖通知 仅在 2020 年 11 月 17 日(周二)前以电子邮件方式通知获奖者 xml-ph-。0046@deepl.internal ■ 申请方式 请填写报名表,并在报名前阅读注意事项。     出售须知】(1)作品将由艺术家签名并编号。 (2)请注意,本次抽奖活动,您可能无法获得心仪的作品。...

艺术与日常生活和谐共处的生活。

从专家到新手,各个层次的艺术收藏家总是对其他收藏家的意见感兴趣。你是怎么开始收集的?你拥有多少件?你为什么选择那个特定的艺术家或作品?购物方便吗?我有很多事情想问。我们采访了Stephanie Aaron,她是一位爱好收藏家和艺术家,最近在我们的平台上购买了一件作品。 那么,你能告诉我们一些关于你自己和你的收藏的开始吗?- 我来自美国纽约,其实我是一个非常罕见的土生土长的纽约人。我是一个艺术家和设计师,白天从事设计工作,其他时间是艺术家。 因为我是一个艺术家,所以我一直在收藏,自然会送自己的作品,也会收到其他艺术家的东西。找到一个好的艺术家,和他们交易是很有趣的。所以我有很多朋友的作品,我的收藏就是这样开始的。有你认识的人的作品真好。 另外,随着岁月的流逝,我开始购买不认识的人的作品。我不买令人眼花缭乱的昂贵作品,但作为一个艺术家,我有一双挑剔的眼睛,所以发现未知的天才也是乐趣之一。如果你看看我家周围,已经到处都是艺术品了。如果你愿意,我可以带你参观我的房子。我想你会发现墙上已经没有空位了。 房子参观。充满艺术气息的墙壁当我们开始参观她的虚拟房子时,我们看到她的家中有一整面墙的艺术收藏,从朋友的海报和她自己的作品到她在拍卖会上买的大件作品,还有一个专门为她的宠物准备的肖像角。部分空间留给了石井信夫的作品,这些作品是她在TRiCERA购买的,但空间的其他部分,包括厨房,都被艺术填满。 惊人!我的家就像一个画廊,太好玩了。- 是的,我永远不会厌倦它。虽然房间不大,但对于纽约来说,天花板很高,所以我喜欢爬到天花板上装饰。 你知道你现在有多少作品吗?- 说实话,我也不知道,我都没有想过要去数他们。楼下储藏室里有很多我和别人的作品,我没有足够的空间来展示它们。我大概一共有100件左右。说到石井先生的作品,您在我们的平台上开始销售石井先生的作品时,您是第一批购买他作品的人。你一定是个大粉丝吧? - 是的,我是!他之前没有在Instagram上发过任何出售的东西,所以我没有想法去问他是否在出售。我一看到帖子说现在在卖,就去买了。 你说你在Instagram上发现他,是偶然发现吗?-几年前,我开始在Instagram上尝试只发布我的艺术作品,只关注艺术家。那么你就会有一个算法,会推荐用户可能感兴趣的内容。我就是这样发现了他的作品,并爱上了他的作品。 你喜欢他和他的作品的什么?- 首先,质量很高。他的技法太美了,即使我把作品拿到手里,也不知道是怎么创作的。这是最重要的事情,还有就是他的幽默。例如,有很多放屁的人,与性有关的笑话,甚至还有搞笑图案的雕塑。不过也有很多多样化的,比如我买的那张,还是那个弹钢琴的男人,温柔又甜蜜。 而且,他是我关注的最多产的艺术家之一。他是我关注的艺术家中最多产的,因为他每天都在上传作品,而且都是完整的作品。 的确,他在我们平台上已经有60多部作品。但他其实是大器晚成,他是最近才开始做艺术的,几年前才开始做,不是年轻的时候。- 我不知道为什么,但我曾偷偷怀疑他是个晚辈。但他的作品里有很多激情,我觉得很精彩。 吸引我的是艺术的质量、幽默、激情。- 是的,尤其是幽默和艺术之间的平衡对我来说很重要。你并不经常遇到,所以发现一个结合两者的作品是一个很好的时刻。我想对于很多人来说,有一种强烈的印象,就是艺术是闷骚的、严肃的,艺术家也是如此,但事实并非如此。 我和朋友一起去泰特美术馆看伊娃-黑塞的作品展,当我们在看画的时候,我忍不住笑了起来。 而在场的其他人则是一脸的得意和傲慢,不过这画风倒是很有趣。 我觉得很多艺术作品在创作的时候都充满了艺术家的情感,包括我自己的作品也是如此,他们并不在乎卖不卖得出去,也不在乎给别人的印象。所以我喜欢艺术中的幽默,或者说是淡定。艺术不一定要一直超严肃,不是吗? 是的,我完全同意。- 我觉得和做饭有相似之处。做饭和吃东西应该是很有趣的。就在科罗娜灾难之前,我去了米兰的一家米其林四星素食餐厅,我想这就是我的经历。说实话,食物只是还行,我知道纽约有更好的地方。 但是,嘿,我真的很喜欢我在那里的经历,所以它是值得的钱。 不过话说回来,整个晚餐我们都笑傻了,不是吗?我刚才和在场的朋友聊天,她说:"那是最有趣的晚餐!"。我说。我觉得对于艺术也是如此,都是经验的问题。 这方面也很重要。我觉得能有这样的艺术体验很好。- 另外,作为一个艺术家,我个人对那些追求完美的艺术家不感兴趣。美术学校有很多这样的人,但他们只能复制已有的东西,所以他们失败了很多。说到底,这只是一部制作精良的技术作品,我并不是很喜欢它。这就是为什么我这么喜欢他(石井信夫)的作品,因为它的幽默感。 你有很多艺术品,为什么要买艺术品?例如,为了支持艺术家?- 这也是我最近买了很多艺术品的原因之一。因为这段时间世界上发生的事情很奇怪,很多艺术家都在做募捐活动来支持其他艺术家,所以我也买了一些。 另外,在美国,也有一些艺术家出售自己的作品,将收益捐给指定的组织。反正我是要给那个组织捐款的,所以我觉得在买他们作品的同时,能给他们捐款也不错,所以就多买了一些。但最大的原因是,就像我之前说的,我买艺术品是因为它好玩,它让我开心。我记得,在买它的前几个月,我在Instagram上看到石井在医院里。我很惊讶,心想:"他可能快死了!"。我很惊讶。所以当他开始卖的时候,我就想,别挖苦我了,我要趁机买点东西。我想他可能需要钱做手术什么的。 这就是你对我们平台的认识。您的购物体验如何?- 这很容易。 我也是一个用户体验设计师,所以我对这方面的要求很严格。有时候,画廊和作品集网站很糟糕,因为它很难滚动并看到你的作品的细节。但是在这里,你可以看到所有的英文,而且很简单,很流畅,所以我很高兴。你上去,你下去,你看了几遍,然后你就会说:"好吧,我要做这个。特别是当我看到要三天内送达的时候,我还以为是开玩笑,但后来真的三天内送达了。这真的是太神奇了,快得不可思议! 非常感谢你。是的,我们要尽可能的快。- 不,不,不,这是惊人的。没想到我在半个地球上送货,能做到这么快。 现在,你买了石井的一部作品,为什么在众多作品中选择了这一部呢?-嗯,这是一个感官的东西,很难解释。这很难解释。我喜欢这样的样子,吃星星的人也很精彩。但正如我前面提到的,我对他的其他更狂野的作品更感兴趣。当时没有这样的作品,所以这也是一个原因,但我直观地知道我想要哪几部作品。 你购买艺术品的原因更多的是感受而不是思考?- 好吧,我想说的是,对我来说,购买艺术品不是一种智力活动。更像是我真的喜欢它,我想留住它。 作为一个艺术家和收藏家,你有什么技巧或提示,想与新人分享购买艺术品吗?- 相信自己喜欢的东西。我曾经参加过一个葡萄酒旅游团,我问:"哪一瓶是最完美的?"他们说:"任何一瓶都可以,你喜欢的那一瓶才是最完美的"。他回答说:"这才是最重要的,你不应该因为听说应该买,或者因为别人说应该买。有些人买艺术品是为了投资,这很好,但如果你的主要目的是把它挂在家里,那就必须是你喜欢的东西。最好的办法就是相信自己的直觉。必须有一些能引起你的共鸣,这才是最重要的。 你是通过Instagram还是网络寻找?- 我看Instagram更多的是看自己喜欢的艺术家,觉得很开心。这是度过一天的一种方式。如今,由于互联网的发展,每天都能买到新的作品。以前,会有一个认识艺术家、参观工作室、翻看作品的过程。但现在,能够以从最低到最高的价格寻找和购买原创作品,非常方便。此外,能够买到一些知道能帮助艺术家的东西,也是一件好事。我很想看到人们得到原创的艺术作品,而不是墙上的演唱会海报。 你有一个决定购买或跟随的标准吗?-我判断我喜欢的艺术家的标准是他们的作品是否在我的预算之内。有时我找一些当时在某一技法上有突出表现的艺术家的作品,就是为了研究他们。多样性对我来说也很重要,所以我也关注博物馆。他们从名流到新锐,再到疯狂的人。最近,我开始关注一个人,他画的世界被封锁了。几个月前,我问他有多少作品,他说已经画了200多幅,一天不止一幅。这是一部了不起的作品,我希望这能变成一本书。这家伙对我影响很大。每天,他都在继续为世界上不同的事件制作高质量的艺术作品。艺术是我的灵感,所以现在我不能去博物馆,我的房子对我来说反而像一个博物馆。 是的,我认为这是美妙的。最后一个问题。你有什么想对艺术家石井说的吗?- 谢谢你,我喜欢你的工作。我觉得很奇怪,因为我觉得我好像认识他,但我并不真的认识他。

Quick Insight vol.1 – Yuta okuda-

活跃于日本和台湾的亚洲艺术界,Yuta okuda试图通过生物和花卉来描绘和肯定自然秩序之美。菊地TAKEO KIKUCHI的时装设计师转为艺术家,我们采访了他的活动和背景。 首先,你能给我们简单介绍一下你的工作吗?我的作品是基于无意识的自我投射和自我诠释。在无意识的层面上,我想到了生物,在有意识的层面上,我把它们变成了汉尼亚、玛丽莲、科迈努等等。 我想不自觉地描写的题材总是花和活物,由此我试图在一幅作品中表达两个矛盾的主题,如美与丑、爱与妒、生与死。我的图案总是活生生的东西,我根据食物链的概念,画出自然秩序的美。 智慧 743×607,2019,颜料墨水/肯特纸业。 点击这里查看她的作品。 你以前是一个时装设计师,是什么让你成为一个艺术家?我想这是因为我有强烈的愿望,想成为一名艺术家。因为设计师和艺术家的本质是完全不同的。商业设计师是不需要有个性的。我们需要以一定的方式,按照一定的时间表来做某项设计。但这是有压力的。所以我觉得一开始真的就是"我只想画我想画的画"。 那你是不是马上就开始画画了?不,一开始我只是在家里涉猎画画。现在回想起来,当时的照片似乎很密集。我好像在发泄我的负面情绪。我根本没想过要给人看。一点儿也没有。可以说,这是我的毒素(笑)。 紫玫瑰(粉红x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你是怎么开始做职业艺术家的?有人认可我的工作,我的画。当我的负面情绪完全表现出来的时候,也有人说:"我喜欢你的作品"。这是个惊喜,说白了,让我感觉很好。这绝不会发生在一个商业设计师身上。在时尚界,你要编造一些东西,但在绘画界,你是赤裸裸的。我很高兴能把自己的这部分表现出来,并得到赞赏。就在那个时候,我看到我的一些朋友是艺术家,我很嫉妒他们的作品,所以我想,我也应该这样做。但如果我要做的话,我想把它当做一个专业的事情来做,而不是作为一个爱好,我不想半途而废。如果我要做,我想做得彻底。 你说你的作品是一种自我投射。你从一开始就有这样的立场吗?刚开始的时候,都是"不停地画"。我会画三天,睡半天,就想把它画出来。我画了三天,睡了半天,就把所有的东西都放出来,当我把所有堆积的东西,所有的东西都放出来的时候,我终于可以看到概念了。这就是"自我投射"。 这与时尚完全相反。在时尚界,化妆的概念是第一位的,然后你再从那里建立起来,但我在艺术界做的是发现自己,展示最真实的自己。如何裸露自己,如何将自己的这部分展现出来,是很重要的。我想看看我的经验是如何输出的。 抽象花束(深蓝色x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 以自己的经验为基础的工作,是不是很难得到意见?前三年我就跑出来了(笑),30年的人生,三年就跑出来了。(笑)但我认为这是我生命中最重要的30年。我想我可以再深挖一下。回想这三年来,我的真性情是什么,我的底子是什么。所以从现在开始,我要接受各种事物,做出新的东西。 最近,您的作品中多用了苏米墨。这种变化是有意为之吗?我的工作确实发生了变化,因为它还与我有关。即使让我画出与过去一模一样的图画,无论是物质上还是精神上,都是非常困难的。虽然会变,但我可以说的是,我现在做的事情没有任何谎言。我真的没有任何怀疑。就像我前面提到的,我的画就是要让我能有多赤裸,能对自己有多诚实。所以如果你从这个角度去想,我想我可以肯定地说,我做的事情没有错。另一方面,我一直在努力更新我的材料。我尝试过水彩、铜版纸、油画、日本画、泥土。因此,我决定,苏米墨是最适合我的天性的。 抽象单花 (萨克斯 x 紫) 36×14厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你已经找到了新的目标和新的挑战,现在你的目标是下一步。你对这个目标是否已经有了具体的想法?我的作品是一种自我投射,所以我对未来的憧憬又不是全部都很清晰。我可以说的是,我还是不骗自己。我想在工作中赤裸裸地坦诚相待。所以我想充分利用我自然而然的经历。现在我终于习惯了空虚,我想我还有很多工作要做,吸取不同的经验,并把它们提炼成画。了解了环境和自己的变化,我会把它们融入到我的画作中去。无论事情如何变化,对我来说,只要不骗自己,没有疑惑,坦诚相待就好。因为对我来说,画画就是要把最赤裸裸、最真实的部分表现出来。 简介在伦敦留学后,她获得了ISTITUTO MARANGONI伦敦时装设计学院硕士课程的文凭。回国后在时装品牌"菊地TAKEO KIKUCHI"担任时装设计师。离开公司后,她开始不是作为时装设计师,而是作为艺术家"yutaokuda"工作。她用细腻的线条和斑点,以花朵和生物为主题,画出食物链等自然秩序之美。有时,我用欺骗的手法把矛盾的两面都画出来,如生与死、美与丑等。目前,她正积极在国内外举办个展和联展。 点击这里查看奥田雄太的作品。

Editor's Choice