把艺术品放在枕头旁边。

C-DEPOTは、70～80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか？ A：アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Ｑ：自分のグループはどのくらい成功したと思いますか？ A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q：C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか？ A：2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q：様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A：そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか？ A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか？ A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか？ A：メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか？ A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか？ A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2～3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q：「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか？ A：いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q：「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか？ A：日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Ｑ：今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q：TRiCERAに期待することは何ですか？ A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...

点击这里查看更多我的作品 如果你还没有读过纸艺系列的第一部分，其中解释了纸作为一种艺术材料的独特性，请在这里阅读。 纸与人类的蜜月关系 这次先说点小知识。 据考古研究表明，中国大约在公元前100年发明了纸，此后，纸作为文明的一部分发展起来。"纸"这个词来源于纸莎草纸，这是埃及文明使用的一种厚厚的纸状书写媒介，其历史可以追溯到公元前2560-2550年。 在2020年的今天，由于数字技术的兴起，我们对纸张的依恋正在减弱。然而，纸质文化不会在一夜之间消失。例如，即使在这个一切都可以通过电子邮件、LINE、Zoom完成的时代，我们仍然会在新年贺卡、婚礼、生日等场合发送信件，即使一个轻薄的平板电脑上可以容纳上百本书，很多人仍然会购买沉重笨重的纸质书籍。将我们与这些看似过时的材料联系在一起的，是对纸张的怀念，是印在我们人类记忆中的类比。 无论世事如何变迁，人与纸之间延续了4000多年的蜜月关系依然在世界各地延续。在法国和我所在的国家，每年都会举办几次古玩展，非常受欢迎，吸引人们兴趣的物品有时是几十年前写的信。精美的手写明信片和信件虽然已经泛黄，但上面写的感情依然鲜活。从不褪色的墨迹斑驳中可以看出作者的犹豫和激动。 点击这里查看详情 和纸是一种薄而结实的纸，是为了与毛笔和墨水兼容而开发的。由于和纸的质地美观，还被用于制作日式灯饰、吉祥屏风等家具。在古代，和纸被用作神道祭品的包装材料，作为一种礼仪性的折叠，如何折叠和折痕的知识成为高级武士教育的一部分。在江户时代（1603-1868年），折纸传播到了今天我们所熟知的普通大众。作为一个在日本长大的年轻人，我通过对书法、折纸的喜爱，以及和朋友们一起开纸飞机，对日本纸的优良品质一直很熟悉。 点击这里查看更多他的作品 纸的"模拟"媒介在艺术中的重要性如何？Janaki Lele，一位来自印度的视觉艺术家，通过手工剪纸编织了一个故事。她在一篇名为《心灵感应》的文章中，配上一首诗，她写道："一张能量网穿过看不见的线......。连接两颗心...你有想过我吗？其实，我刚才也在想你。我低声说道。我看到，连接我们大脑的不仅仅是看得见的电力电缆的现代能量，它让我重新思考我们与他人的连接方式。我们表达思想的方式，就像把风筝或鸟儿放进天空之流。这种流动在我们的脑海中转动着风车水车的涡轮，在互动中，能量被创造出来。显然，当我们与这种模拟机制相通时，可以发生心灵感应的联系。 点击这里了解更多作品信息 另一件作品《追星者》则描绘了一个温柔而朦胧的梦境。这幅作品的灵感来自于他和朋友的孩子玩耍的时候，挑着窗外经过的夕阳。这些故事都只在一张或几张纸上展开，用剪影和一点深度。令人惊讶的是，一张只有几微毫米厚的纸，竟然有能力和潜力接收和传输所有的戏剧。为什么会有这样的事情呢？秘密就在于纸是一种有机物。正如我们在思想和交流的有机形成中所看到的，生物能量在人与纸艺之间相互作用。纸张作为一种催化剂，连接着艺术家与艺术，以及艺术与我们。 更多关于该作品的信息，请点击这里。 百鬼丸是一位多产的剪纸艺术家，他的作品超过一万幅，将武士带入21世纪的纸上。他画的线条有一种锋利的感觉，就像日本的刀一样突出。他曾为日本历史小说设计过很多封面，其中很多主题都是武士和忍者活跃的时代，他大胆的构图结合了浮世绘的动感和漫画的朗朗上口。这些元素与他对人的生动描绘相结合，使他的作品充满了生命力。毋庸置疑，有机纸具有容纳生命的接受力。 点击这里查看更多他的作品 艺术家的实践和他的作品一样有力量。除了创作二维和三维剪纸艺术，他还上过电视，在日本、美国、法国等地展出，有趣的是，他还进行过现场剪纸表演。他还出售印有他的战士图案的面具，对于带科罗娜的时代来说是非常可靠的。百鬼丸的职业可能就像浪人武士一样，在大学里学习建筑学，然后接受陶艺师的训练。但现在，作为日本剪纸界的先锋，他正在开创自己的事业，为后人指明方向。 https://www.youtube.com/watch?v=yDVpG4p948E&feature=youtu.be TRiCERA将继续为您带来艺术家的信息。不要忘记订阅ArtClip通讯，获取更多犀利的见解和有品位的专栏。

中田拓浩主要创作山水画，但他采用了一种不同寻常的方法，将编程技术融入画作中。这不仅是因为他在学习艺术之前学习了数字媒体，更因为他要走在绘画史的最前沿，正如他所说："新的东西不是光靠绘画就能创造出来的"。也许他可以成为新一代艺术家的榜样。 你说你是先学数字媒体再学艺术，是这样吗？ - 本来，我是学数字媒体的。我在大学里参加了艺术俱乐部，也就是在那时我迷上了艺术。在那之后，虽然我主修的是数字媒体，但我开始对数字这种表达方式望而却步。最后，我又重新进入艺术学校，学习具象绘画。 你专注于山水画的原因是什么？ - 我觉得如果把注意力放在人身上，就会失去真实感，所以我一直喜欢风景，无论是看风景还是画风景。我相信人和自然是对等的，但我认为我画中的人更像是符号。 现实对你意味着什么？ - 现实对我来说就是"死亡"。这听起来可能有点可怕，但我试图画出让你感受到死亡世界和生命世界之间联系的风景。从我记事起，我就对风景有一种特别的感觉，我一直想在我的画中表达这种感觉。 好久不见的朋友》45.5cm×38cm。 你是如何将这种"特殊的感觉"融入到作品中的？ -- 我做完后故意把图片弄坏了。这幅画没有什么独创性，我的目标更多的是一种偶然的产物。要真正完成每件作品需要很长时间，但只有这样才能创造出我的目标。 你似乎在你的绘画中融入了编程的元素。 -- 我从2018年开始混合编程元素。我主要是用Photoshop，但当你在没有目的的情况下修整程序时，就会变得很复杂，也会出现意外。图案设计就是动画，把最好的部分剪下来，变成图像，然后我再把这些图像变成绘画。 目的和方法都是一样的，但动画就像检查哪张图片更好。但最终，模拟和编程之间的try&error参数是完全不同的。 Strage夫人，72.7×91厘米。 你是否专注于一个主题或概念？ -我不注重主题或概念。但就艺术史而言，我认为目前的方法是解决隐喻与象征关系问题的最好方法。当然，我的目标是创造新的绘画，但我不能只靠绘画来创造"新"的东西，至少我是这么觉得的，我认为我现在的创作方法/过程正在缩短两者之间的距离。所以现在回过头来看，我觉得学习数码是非常有用的。最近，我对语言的随意性很感兴趣，因为我觉得编程和语言很相似。我想继续以艺术家的身份工作，我认为我的角色是向世界提供一些新的东西。 ...

"我想利用丹波烧特有的淳朴自然的泥土"。 Katsuiso Ichino 市野胜藏是市野家的第七代传人，在兵库县制作日本六大古窑之一的丹波烧。陶器起源于平安时代末期（794-1185），距今约850年。 1926年，日本哲学家柳宗吉和他的朋友们发起了被称为"民艺"的日本民间艺术运动。柳宗吉的想法是向世界介绍日本的日常艺术和手工艺，例如由不知名的工匠制作的陶器、纺织品和漆器，这些东西在艺术史上一直被忽视。柳氏收集了300件丹波器，并写了一本关于其美的书。在柳宗吉的努力下，丹波烧作为餐具的历史在90年前得以重现。一野胜造将丹波烧的技术作为当代艺术的新风格，将继续柳宗吉的"民艺"运动。 丹波烧的历史--丹波烧手艺人的家族。 粘土艺术 丹波烧的表现形式 从简单的餐具到当代艺术 在哪里可以买到一野胜祖的作品？ 历史--丹波烧家族的手艺人。 炭化的"水刺"，由一野胜藏创作。 丹波烧的历史有多长？ 丹波烧的历史可以追溯到850年前，其起源可以追溯到平安时代后期（794-1185）。他们在山谷的山中建窑，制作实用的餐具。它一直在家族中传承，一直在制作时代要求的陶器，同时不断挑战新事物。我们感受到了这段珍贵的历史。力求做出这个时代才能做出的、只有我们自己才能做出的、独一无二的陶器。 你在20多岁开始培训陶艺师之前是做什么的？ 我是跟老师学习西画的。我还学过一年的雕塑。我就读的大学并不是艺术类院校，而是关西学院大学，我的专业是经济学。 您出生于传统的丹波烧手艺世家，并追随祖先的脚步成为丹波烧艺人，为什么会选择这条路？ 小时候，陶艺是我身边一直存在的东西，我对它并不感兴趣。但是，在我20多岁的时候，我在东京师从一位用陶瓷创作的艺术家。受此启发，我决定在家乡丹巴的窑洞里尝试制作当代陶艺。此后，我继续创作。 用粘土创作作品 丹波烧的特点是什么？ 它的特点是泥质简单，质地朴实。丹波烧的限制不多，随着时间的流逝，形状变化自如。历史上的丹波烧反映了制作时代的需要。丹波烧的特点是，它是反映时代潮流的陶器。 一野胜宗的碳酸八角形"Mizunashi"（茶道用水容器）。 丹波烧为什么会盛产陶器？丹波烧的泥土与其他泥土有什么不同？ 我想是因为这一带有丰富的适合制陶的泥土。属于山地土壤，含铁量高。...