艺术家在城市中进行实验。

斋藤拓海画的是公园里的游乐场设备、房间的一角、路边等日常场景，带着些许虚无缥缈的感觉。她说："随着年龄的增长，我发现自己被压抑了。"她将唤起自己童年感悟的风景和与之相关的物品，转化为女孩的形状，并将它们画在画布上。在这次采访中，我们和斋藤谈了她至今为止的职业生涯，以及她的作品背后的背景，她的作品是基于她自己的情感本质。     斋藤先生，你主要表现的是女孩的画作，结合场景，看起来像是日常生活的快照，但我能不能先问一下你的作品背景，它们在你的画作中是怎样的关系？   我的画中有的有女孩，有的没有，但女孩更多的是一种情感的存在，它把我和过去的自己联系在一起。 ，很多风景都让我想起了童年。当我看到一些能让我想起过去的东西，比如风景或物品，我通常会记下来，或者用相机拍下来，这就成了我作品的基础。     等候室》，2020年，29.7×42cm，纸本Giclee印刷，版本：50   点击这里查看斋藤拓海的作品。   换句话说，这个女孩是作为前斋藤先生本人的隐喻出现的。风景也起到了让我们回忆过去的作用，但无论哪种情况，过去都是关键点。   随着年龄的增长，我觉得自己一直在压抑。随着年龄的增长，我觉得自己被压抑了，一些曾经拥有的东西渐渐消失了，或者说我觉得自己越来越失去了自己。这是一种很不愉快的感觉。   但这些景与物让我想起了以前的自己。比如踩自行车时落叶的味道，比如雨后的味道......我可以通过这些日常的事情来回忆过去的事情。我真的无法用言语表达，但我觉得我的记忆又回来了。就像"这和那个时候一样"。   这种压抑是否意味着你被社会关系所牵制？   细微的差别是相似的... 也许。我渐渐地不习惯在一个群体中，但我发现自己也会跟着去做。即使我的朋友们会说"我们一起回家吧"、"我在那里等你"之类的话，也是有点尴尬。当然，我不认为这是恶意的或什么。   对于我来说，初中和高中是一个空白期，几乎没有能让我记住的事件。真的，没有什么让我不明白的原因。在你成长的过程中，你要面对很多的社交、限制，以及你必须要忍受的事情。但我觉得如果我试图去适应这些，我内心的一些东西就会逐渐消失，我感到很有威胁。我觉得我正在失去我的身份。     朋友，2020年，45.5×38cm，布面油画。   从这个意义上说，你的作品在某种程度上几乎就像一种记录，它不是简单的风景或女孩的描写。   如果我想留下一些东西，那更多的是一种情感，而不是一道风景或一些我能看到的东西。那些不描写女孩的风景，以及诸如此类的东西，都能让我和过去联系起来，所以即使我不描写人，我也想让它看起来像他们还在那里的痕迹。   所以我觉得人们往往认为我画的是风景和女孩，但我不想画情境。   接着说说你的背景，斋藤先生，你是学日本画的。你是不是一直想成为一个日式画家？   不，我一开始更像是一个插画师。我在初中和高中的时候属于漫画社，但我一直在画插画而不是漫画。我画过一段时间的女生图，但当时只是插图。   但我和身边的其他孩子一样，对它一无所知，我看的书里有我喜欢的插画家的插图，但我并不喜欢。所以我才会半途而废。   从高中一年级开始，我就有一个模糊的想法，就是想上艺术大学，我想这有一部分原因是因为我是画插画的，但我选择了日本画，因为我觉得我可以用二维的方式来表达自己。我喜欢的是平面的表达方式，而不是活泼的美术风格，从高考开始，我就真的不擅长画立体画。我也很不擅长画素描。   现在你用的是丙烯和油，但我觉得你在处理材料的时候，语法是很不一样的。   本科的时候，我用的是日本的画材，但是用矿物颜料的时候，就会被问到"为什么要用矿物颜料"这样的问题。但是，当我使用岩井谷的时候，就会被要求赋予意义，比如"你为什么要用它？"。另外，我从本科开始就一直在画女孩子，但我觉得如果用日本的绘画材料来画，就会被认为是美画的范畴。并不是我想走这条路，当我想到我想画什么的时候，我用丙烯颜料来画是没有问题的。所以我改变了很多，从绘画材料到绘画方式都有很大的改变。   以前我画头发和脸部的细节比较多，但现在转为画风简单，平面感比较强。我以前画的画也差不多，我试着把我以前在笔记本上画的东西做成表象。因此，我做起来就不那么痛苦了。   但我认为，我给自己设定的规则，或者说是限制。我尽量不做那些我不能做的事情了。我试着让颜色变浅，有些地方我用彩色铅笔层层叠叠，有些地方我试着加强某些方向的颜色，因为它们变得太模糊。     遗忘》，2020年，31.8 x 41cm，布面油画。   你是什么时候开始把现在的风景和女孩的结合带入画面平面的？   大约两年前。我想是在我本科毕业的时候吧。当时我加入了从照片上剪下来的风景，画面有点乱，但我决定把它定格在我童年的时光里。   我决定把它设定在我的童年时代，我想让它变得更复杂，或者说，我想让它变得更混乱。我是一个很平淡的人，所以我往往是片面的。我试图让它更难理解，更复杂。我想，这让人们不止一次地想看。但我觉得我最近画的太多了，因为它是。   你对工作和自己之间的紧密联系有什么抵触吗？   是你的作品太个人化了吗？ 我以前也有过这样的烦恼，或者说，我现在还时不时地想...   我不知道我画的是不是太私人化了。但我也一直在想，有像微普艺术家，也有像纳威哈艺术家，还有经常画个人的东西和身边的东西的人。当我想到我想画什么样的作品，或者说画什么样的作品可以让我不觉得压抑，我想这就是我的方法。剩下的就是信念的问题了，我想。   你喜欢画个人生活的艺术家吗？   我是这么想的我喜欢那些用日常用品和日常生活的碎片来画个人的，或者说是随意的作品的艺术家。我喜欢前几天在渡云的青木先生，西村雨，还有丹尼斯、维拉德等老艺术家......。   我也喜欢莫兰迪。我总是把他的美术书放在身边。我也喜欢纳碧派。我觉得它们在主题和主题方面非常有帮助。还有，我不是画家，但我喜欢青山静夫。在我开始画儿童画的时候，他对我的影响最大，甚至现在我在觉得自己失落的时候，经常会看他的作品。   你一生都在画插画，在你的画作中，你是否感受到了插画的基因？   ...我不知道但有的时候，人们肯定会说。虽然没有那么明目张胆，但人们确实会说："你是个插画师。   但最近我觉得两者都有一点。我叫插画，也叫绘画。我画插画的时间肯定很长，所以我觉得有这种感觉并不奇怪。有一些我喜欢的插画家等等。所以最近我一直在想，介于两者之间也是可以的。   介于插画和绘画之间。   我觉得这两者的元素都很好。如果它同时具备这两种元素，那么它可能就有自己的真实性。   你画的女孩脸上没有表情吧？   当我在画画的时候，我很平静。所以我画的人没有表情。那里有一段距离，不是吗？曾有看过我作品的人对我说："斋藤先生似乎已经放弃了。"我想这可能是真的。我想我已经告诉过你为什么我的作品里会有女孩或者孩子，但我画孩子的原因更像是一种情结......或者说更像是一种渴望。渴望成为一个孩子。   这和我小时候周围的环境有关，也和我现在的样子有关。   有一种感觉，现在的我和小学时的我没有联系。当我看到自己小学时的照片和老师的评语时，我觉得自己亮堂了许多。我心想："哦，原来是这样啊。环境变了，我也变了，我想有的人一直都是沉默寡言的，但我已经变了。     午后的公园》，2020年，33.3 x 33.3cm，布面油画。   尽管如此，景观或其他东西会引发它复活。斋藤先生的绘画是一种抵抗，是以结构的方式捕捉情感的形式。   但这很复杂，不是吗？正如我前面提到的，很难用语言表达。当我看到一个风景或一个物体这样的东西时，我的感觉和怀旧是不同的，很难向别人解释这是我画的东西。   最后，我认真地走到了这一步，以为自己在某种程度上融入了周围的环境。我想，让自己不至于飘飘然，也不至于改变，但我觉得失去了原来的我，是很悲哀的。我认为，如果它仍然是一种形式，那就很好。     简介   1996年生于东京，2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"（Koenji pocke / 2019 /东京）、"雾"（展览空间CLOSET / 2020 /东京）、"ob策展新华社"（Hidari zingaro / 2020 /东京），他的个展包括"温柔"。岁"（新宿眼科画廊/2020/东京）。   点击这里查看斋藤拓海的作品。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家，2020年毕业于武藏野美术大学油画专业，从2016年左右开始，她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩，反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi，了解了她的作品背景和她至今的心路历程，正如她所说："可爱的东西即使被分解，也能保持可爱的一面。     三越，你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外，还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗？   恐怕是感觉上的问题，但说到图案，最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩，但受父母的影响，我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏，通过这些，我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ，也许是我的作品倾向的缘故，经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上，我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情，我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ，另一方面，我不仅对可爱感兴趣，还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱，但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚，也许只是一种感觉，但我真的很喜欢这种状态。 ，并不是我有上瘾的爱好，而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱，我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想，我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中，不仅脸部，而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌，你对变形的身体也感兴趣吗？   就像你说的，除了性格化的女孩和她们的解体，我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西，而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中，有一个角色的身体被改造的场景，我特别喜欢这个场景。事实上，这是我唯一看的场景（笑）。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西，比如魔女的变身场景。 ，所以我一直想画一个会变化形状的身体，但直到遇到马多野爱的作品，我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色，但这就是瓦解的来源。   是的，是这样的 有很多时候，我会拿到一根冰柱，然后说："哦，就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉，但从那时起，我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年，《联合》，116.7×91cm，描纸，油画和钢笔，画布。   在形成你现在的画作时，你是否有参考过其他艺术家的作品？   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响，但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色，她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家，但你要摆脱他们的影响是不是很难？ 不，真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶，而自己的性格又容易模仿别人，所以我很担心。 ，但是，你们两个都是独一无二的，所以，比如艾-麦当娜的女孩，皮肤颜色不同，阴影使用荧光色，以及其他视觉上独特的部分，比如在眼睛里放字母，我禁止使用，或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性，我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为，我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙，也喜欢不经意间画出线条的时间。 ，至于涂料，我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料，让画面看起来凹凸不平，但近距离看我的作品，粗糙感很突出，我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好"，现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗？   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体，但更多的是二次创作，我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候，我觉得更安心。我喜欢画布的重量，当我从侧面，或从一个角度，或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的？ 你一直喜欢画画吗？   其实我上的是设计类的高中，所以对画画比较熟悉，学了三年设计，但是设计就是用来和人交流的，你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ，有很多作业要求，比如："只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出，笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃，他们就会很生气。即使是交作业的时候，也会有人对我说："你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年，《联合》，41 x 41cm，油画和钢笔，画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗？   不，我当时根本没有想到。初中的时候，我就想做绘本家，我很喜欢酒井驹子，但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ，但到了选择职业道路的时候，我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校，那里有一个油画课程的摊位。 太美了！也就是在那时候，我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了，不是吗？你到底是什么时候开始的？   在活动方面，是在2016年大学一年级的时候，我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展，也就是在那里，我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品，然后是在上面画了线条的丙烯画。 ，在这之前，我的作品甚至都不是女孩的作品，都是比较抽象的，我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条，但我用的是油画颜料，而不是现在的丙烯颜料，我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的，但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了，而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩，表情的深度和重量，但速度不适合我。...

TRiCERA欣然宣布，将于12月19日至2021年1月19日期间，举办斋藤拓实、Samehoshi、东真美、林加奈武、野泽谅五位艺术家的多幅作品联展。     关于本次展览   本次展览的名称取自艺术史学家乔治-库布勒（George Kübler，1912-96）所著的《时间的形状：事物的历史备注》（The Shape of Time：Remarks of History of Things），在解读参展艺术家的作品和活动的同时，也关注了围绕在艺术作品周围的时间。此外，展览还将采用二维媒介之一的印刷术作为观赏体验的提案。   在各个艺术领域中，绘画与版画往往有着熨帖的关系。与绘画相比，版画通过画材等材料和艺术家的笔触、笔画等物理痕迹，具有复杂的信息和结构，版画的功能就像记录一样，将画面提取出来，固定在纸上。   绘画作品随着时间的推移，自然会被划伤、磨损，像融化的冰块一样慢慢磨损。这个事实提醒我们，绘画是一个平面的物体，同时也给我们带来了一个新的欣赏角度，绘画是一种材料，而印刷品是一种媒介，除了作品的物质性和物理性之外，更忠实于图像的记录和传递，各自有不同的时间流动方式。   除了指与艺术作品相关的时间，本次展览还将尝试从时间的角度解读参展艺术家的表达现状。   斋藤拓海在风景中描绘了童年的自己，让他想起了随着年龄增长而消逝的情感。在她的作品中，在一个画面上描绘了现在和过去两种时态，时间的不可逆进展和与之相关的感伤被丰富而安静地叙述出来。   三越在一个女孩的畸形面孔上描绘了不同载体的衰败与生成。本次展览的作品，除了上述的矛盾性特征外，还通过砸蛋糕的方式来探索可塑性崩溃的新方面。   阿兹玛以二条人偶和玩具为主题，通过旋转的运动将时间限制在画布上，进行实验性的绘画创作。他继续用一种视觉语言来介绍与顺序时间、重复时间和运动中的物体有关的考虑。   此外，林嘉宇还一直在研究飞机的速度主题。虽然绘画当然是一个静态的物体，运动作为一种现象并不会出现在画面上，但她一直在解决静止画面上的速度问题，就像未来派所做的那样。   在她的绘画中，Azusa Nozawa使用了贴纸炸弹，这是一种源自于定制汽车和摩托车的街头文化的技术，在这种技术中，贴纸被层层贴上，直到支撑物的表面不再可见。她的画作中，画面层层叠叠，具有多层次的结构，所包含的时间极其复杂，这也是它们区别于插图的地方，也赋予了它们作为绘画存在的意义。   库伯勒试图分析作品本身的风格和系列的流变，但这次展览却在此基础上进行了拓展，以一种反讽的方式来研究时间的流变和艺术作品的物质特性，展出的不是作为创作行为结果的绘画作品，而是作为这一行为记录的印刷作品。本次展览旨在以一种反讽的方式，让人们思考时间的流动和艺术作品的物质性。我们希望你能享受这个机会，通过艺术家们在纸上静静讲述自己故事的画面来思考绘画本身。     关于参展艺术家       Takumi Saitoh     斋藤1996年出生于东京，2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"（Koenji pocke / 2019 /东京）、"雾"（展览空间CLOSET / 2020 /东京）、"ob策展新华社"（Hidari zingaro / 2020 /东京），他的个展包括"温柔"。岁"（新宿眼科画廊/2020/东京）。       点击这里查看斋藤拓海的限量版画作品。       SAMEHOSHI     1997年生于东京。毕业于武藏野美术大学，主修油画，从2016年左右开始用丙烯颜料和钢笔画一个反复折叠成形的女孩。       点击这里查看三越的限量版画。       Hayashi Kanae...