星期四, 6月 30, 2022
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东京青年艺术场景#001

1.一流酒店角落里的当代艺术画廊 “MEDEL GALLERY SHU”位于东京银座帝国酒店广场,是一家于2018年4月开业的当代艺术画廊。 该画廊至今已举办了70多个展览,主要是年轻艺术家的作品。很多有潜力的艺术家被引进,有的在展览后成为专属艺术家。 基于”一切有价值的东西都是艺术”的理念,时装、配饰、珠宝与艺术品一样出现。这是一个充满新气息的画廊。 2.安井孝之:融合了绘画和雕塑的艺术家。 最近,MEDEL GALLERY SHU介绍了一位将绘画和雕塑融合在一起的艺术家–安井高之助。 安井的绘画和雕塑有着共同的”皱纹”质感,安井以当代模特为主题,象征着现实与理想的二元对立之间的一些东西,创造出一种模糊了绘画与雕塑之间界限的表达方式。 本次展览中,艺术家将以罗丹的情人和雕塑家卡米耶-克劳德尔为主题。她通过符号化事物之间空间的技术,呈现出一种奇观,这种奇观就像一种情感,基于历史的差距,我们这些生活在当下的人,也看到了过去。 与商业不同,我们生活的日常世界并不是黑白分明的。安井的作品以艺术的形式戏剧性地表现出来。 安井隆之介,《神逝》,2020年,石膏/棉布/丙烯/木板,163.5×132.5cm。 安井隆之助,水库,2020,石膏/棉布/丙烯/木板,137×91.5cm。 3.AZUSA NOZAWA:波普而清新的画作,犀利地提到了性的周围环境。 MEDEL GALLERY SHU计划在展览中介绍她的作品,值得关注的艺术家是野泽谅。她的特点是在”贴纸炸弹”的基础上,用技巧在屏幕上窄窄地画出不成熟的男孩和女孩。 贴纸炸弹是一种在汽车或摩托车上贴纸的技术。虽说是源自街头文化的类型手法,但野泽却用这种手法将自己童年时收集的杂物填满画面。 她作品的另一个特点是性问题。男生和女生的描写都是以有点男性化的视角,但她的目的是将性的主观性和客观性融入到一个画面中,从而表达出一种层次结构。描写性爱周围环境的结构(=撕裂)和表达(=电影)的结合,是她成为新艺术家的原因。 野泽谅,Kawaii材料,2020年。 野泽谅,Kawaii物,2019年。 画廊信息 名称 美德鞋业画廊 地址 100-0011 东京都千代田区内幸町1丁目1-1 訪問 JR山手线有乐町站 开放时间 11:00 – 19:00,周一至周日。 网站 https://medelgalleryshu.com/ 展会信息 标题 安井高之’OK整形’。 展览日期 2/17-2/23, 2020 标题 阿佐野泽’Huretehotobori’。 日期 2/24-3/1, 2020

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艺术中”蓝”的故事

我们看到的生活是极其生动的。 然而,似乎只有艺术家和设计师才会在日常生活中注意到色彩。 让我们花点时间考虑一下颜色对我们的影响。比如说红色能促进肾上腺素的分泌,黄色能影响淋巴功能。不管真相如何,色彩对生理或心理功能的影响都被积极应用于广告等领域。换句话说,颜色是根据广告的目的来使用的。 那么在艺术界呢? 例如,蓝色经常被用在印象派的作品中,在中世纪,蓝色是皇家的颜色。伊夫-克莱恩也对蓝色情有独钟,并创造了自己的颜色--国际克莱恩蓝(IKB)。蓝色是宁静和高贵的颜色。 当然,色彩是艺术不可缺少的小工具之一。轻盈或暗淡,奢华或纯洁,每一种具体的色彩都有自己的隐喻形象,也是输出画家所设想的世界的重要手段。 日南田的作品也不例外。她的作品以蜡笔、丙烯颜料和石膏为基调,规模宏大,用色多为蓝色。 点击这里了解更多关于她作品的信息  Delta N.A是一个艺术家单位,在洛杉矶、都灵、迈阿密、蒙特卡洛、巴黎等世界各地巡回展出作品的同时,其作品的主旨是当代人所面临的二元对立。低光蓝调的运用,邀请我们进入一段轻松的时光,色彩中带着一丝幻想,引人深思。 点击这里了解更多作品信息 高桥宏树是一位细腻描绘日本四季美景的艺术家。他非常注意保持色彩的清晰度和新鲜感,最大限度地发挥了矿物颜料的材料之美。由矿物颜料衍生出的色彩所纺成的情感丰富的画面,完成了坚实的深度,但又不失精致。  富士和银河,是用深蓝色画出的最日本的图案之一,坐在家里的椅子上慢慢看就好了。 点击这里查看作品详情 艺术是由图案、材料、笔触、意境等无数成分组成的。但是,在选择与我们生活息息相关的艺术作品时,我们应该注意色彩。

突出公开征集的”TOKAS-Emerging 2019″展览。

TOKAS-Emerging 2019第二部分在TOKAS本乡举行     东京大都会艺术空间TOKAS是一个致力于创造和推广东京当代艺术的艺术中心。TOKAS成立于2001年,名称为"东京奇迹网站"。Tokyo Wonder Site于2017年更名为Tokyo Arts and Space.自2001年以来,TOKAS一直在实施各种计划,支持新晋艺术家和实验艺术项目。   TOKAS-Emerging是一个公开征集35岁以下日本艺术家的项目,今年有6位艺术家入选。TOKAS-Emerging第一部分将于7月20日至8月18日举行,第二部分将于8月31日至9月29日举行。   详见第二部分--足川美月、宫坂直树、北条智子。         TOKAS有两个场馆,一个是主要用于艺术项目和展览的TOKAS本乡,另一个是艺术家的住所TOKAS Residency。   TOKAS本乡的建筑有三层楼高,三位艺术家都有自己独立的空间。艺术家可以以个展的形式展示自己的作品。   一楼是足川美月的作品,主要是石版画和其他版画。本次展览的特点是陈列结构合理。大到大尺寸作品,小到80x50mm等小作品,都是有节奏地进行安装。   这些图案都是根据我在小区里散步时遇到的景物创作的。特别是这次她展出的作品,灵感来自于她对TOKAS本乡的访问。 之所以展出她的作品,是因为基于她对空间的理解,按照空间的节奏进行展示。   二楼有宫坂直树的展览。三个空间。的展览正在举行。宫萨卡是一位研究人类感知可以改变的空间概念的艺术家,她将整个展览空间作为作品。在这次展览中,我们呈现了三个空间,以捕捉人类感知变化所产生的各种空间概念。   音响艺术家北条智子在三楼办公。她主要创作装置和声音作品。在她的个展"Sotto Voce"中,她关注的是历史和大众媒体对小野洋子的各种看法。虽然有很多关于小野洋子作为艺术家、约翰-列侬的妻子、丑女等的描述,但胡乔将这些记录在案的认知形象化,并呈现出个人是如何被主体化的。   关于空间与计划--TOKAS-新锐篇   在一栋有趣的三层楼里,我被艺术家们的展览所打动,他们就像在开个展一样。虽然有很多公开征集艺术家支持群展的活动,但TOKAS-Emerging的有趣之处在于它给了艺术家一个举办个展的机会。年轻艺术家举办个展的机会不多,所以我觉得TOKAS支持他们的方式对他们有帮助。不仅在评奖本身,而且在实际工作中,似乎对艺术家们的支持也很大。   TOKAS-Emerging 2019 part 2   日期:2019年8月31日(星期六)至9月29日(星期日)。 时间:上午11:00-下午7:00。 休馆日:9月2日(周一)、9月9日(周一)、9月17日(周二)、9月24日(周二)。 免费入场。     撰稿人:Jeongeun Jo.生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

WAITINGROOM”与ONI同在的岛屿”教授、学生及校友绘画作品探索多元化表面表现形式联展。

WAITINGROOM的"岛与ONI"(2019)装置图。 由艺术家和WAITINGROOM提供。 由大场大辅、北藤健吾、今西伸弥、大久保沙耶、小谷久美、和田直介六位艺术家举办的群展"岛与ONI"在东京WAITINGROOM画廊举行。此次展览由京都艺术设计大学教授大场大辅和北藤健吾举办,旨在展示学生的风采。 今西真也、大久保沙耶、小谷久美、和田直介等人分别毕业于不同年份的大学,此次是他们首次共同展出作品。据艺术家大场大辅介绍,7年前他开始在大学任教时,学生的环境非常糟糕。他说,学生和教授之间的联系和关系很脆弱,在博物馆或商业画廊展出作品的学生或毕业生并不多。 WAITINGROOM的"岛与ONI"(2019)装置图。 由艺术家和WAITINGROOM提供。 两年后,当北野健吾从柏林回到大学与大场一起执教时,他们已经尝试为学生和校友共同创造机会。因此,教授、学生和校友之间的关系变得更加紧密,在艺术领域创造了更多的机会。此次群展"岛与ONI"也是源于参展艺术家之一的大久保沙耶与京都艺术设计大学毕业生之间的关系。 大家相互了解,感情深厚,使得这次展览非常充实。在群展中,由于准备不足,往往会出现作品之间不匹配的情况。如果不同的作品互不相让,显然就是群展了。不过,"有妖岛"的展览因为选择了作品和艺术家的构成,所以看起来几乎就像一场个展。 参赛作品的共同点是都集中在画布的平面上,这也是绘画的一个重要特点。由于此次展览的艺术家都是注重表面表现的艺术家,因此对于想要深度欣赏"绘画"的观众来说,非常具有吸引力。此外,群展的起源不仅是艺术家与老师的关系,也是艺术家与画廊的关系,这一点非常有意思。 WAITINGROOM的"岛与ONI"(2019)装置图。 由艺术家和WAITINGROOM提供。 2019年9月21日至10月20日,"岛与ONI"展览举行。虽然展览已经结束,但预计两位教授和四位青年艺术家将继续合作,积极参展。 WAITINGROOM的"ONI岛" 日期:2019年9月21日(星期六)至10月20日(星期日) 小时: 周三、周四、周五 12:00 - 19:00 周日 12:00...

数字是真实的代名词吗?关于平田直哉所追求的新雕塑”地方”。

平田直哉的作品,是将从网络上收集到的材料在虚拟空间中进行组合创作,在他看来,这就是"雕塑"。他说:"我做的是传统的雕塑。"我们谈到了他的方法论和作品,更新的雕塑既不厚重也不沉重,它的存在是需要固定在空间上的。 平田先生,你是在虚拟空间里创作雕塑的。这些雕塑没有厚度和重量,没有传统的空间尺度。自己的活动只认"雕塑家",不是吗? -从意识上讲,我自称是一个雕塑家和艺术家。我主要是追求"形式",考虑当代雕塑史的观点。我实际做的事情,至少在我看来,和做雕塑的人一直在做的事情没有什么不同。我是在做形式,但唯一不同的是,我的方法是在虚拟空间的世界里。 先知 33 x 27.5厘米 我联想到雕塑是一种受材料和空间限制的体裁,但这种过滤器是否妨碍了我的创作? -说实话,我一开始也不知道为什么要用视频作为我现在的输出方式。当我不确定的时候,通常是因为我没有足够的信息。我看了很多书,教我的老师也说过"雕塑是涉及到时间和空间的东西"。如果你把这种时间化和空间化作为雕塑的要素,那么我所做的事情就满足了雕塑的要求。我现在的作品是以视频和二维图像的形式输出的,我觉得这些图像的输出方式适合我自己的雕塑表达。 但你是怎么想到要在虚拟空间里进行雕塑的呢? -我在本科四年级左右开始从事数字工作。我看到我的一个学长,他当时是个有点宅的人,在玩3DCG软件,我马上就想,就是这个了。我觉得它能很好地解决我当时面临的问题,更多的是我有一种预感,我可以用它来做雕塑。 但其实在这之前,有一段时间我是在用实景影像工作。在我所在的学校,三年级的时候,我们有一个自由的生产期,但当时我的材料有问题。换句话说,我没有资金去获得这些材料。雕塑是很昂贵的,当我面临这个问题时,我想用的材料大多被排除在外。 晚餐 33 x 36.6厘米 解决的办法是视频? -是的,没错。我依稀记得,当时影响我的马修-巴尼把他的录像作品称为雕塑,我想,我明白了。所以只要能保持雕塑感,我就不用限制我的产量。于是我试了一下,但质量很差。我对自己很失望。同时,我又想:"这还不够好。我一直很欣赏国外的艺术家,我想创作出这种水平的作品。就在我做这个事情的时候,我看到了相关的3DCG软件,所以就觉得,就是这个了。 你的作品是通过从网上搜集素材进行创作的,换句话说,就是用数码现成的产品进行拼贴式的创作。你在这方面有什么打算? -这并不是什么打算,而是一开始的方法问题。我不认为我做的事情与传统的雕塑家有什么不同,但当你以数字方式创作雕塑时,很难将其与现有的电影或游戏划清界限。换句话说,挑战在于如何让作品在当代艺术的背景下发挥作用。 ...

艺术在家–时尚装饰的简单指南

艺术为空间注入生命 还记得当你离开电影院,回到现实中时,或者当你度假回来时,那种令人振奋的感觉吗?用原创的艺术品来装饰你的家,其实和那些效果是一样的,那就是让你从枯燥乏味的套路中释放出来,让你充满了活力。 很多人可能突然进入了智冠时代,发现自己家里的环境并不适合。有时候,我们的"新基地"设备不完善,无法应付所有的工作、饮食和休闲,因此,适当地升级一下。不难看出,艺术是一个很好的开始。 如果你有印刷的艺术品复制品,这时候正是体验原作力量的最佳时机,如果你没有收藏历史也没关系。这是开始的最好时机。 为什么是原创艺术? 原创作品和电影演员一样,有自己的个性和魅力。在细节中,记录着艺术家的心路历程,比如油画中颜料的层次、色彩的交融、情感的笔触都在诉说着故事。换句话说,原画中还蕴含着一种生命的能量。 是否显得难以选择? 为你的房间选择合适的艺术品并不复杂。让我们分五个简单的步骤来看一下。 前三个步骤 第一步是思考房间的目的。比如,我会想象"客厅的温馨气氛"、"餐厅的振奋气氛"、"卧室的沉稳"、"儿童房的创意"。这个有目的的心情目标会像北极星一样指引我如何将艺术与室内设计相匹配。 二是要考虑风格。简单来说,让-弗朗索瓦-米勒的名作《落耳》对于客厅来说,搭配现代风格的茶几和黑色的皮沙发,并不是很有风格。相反,如果你想统一房间的精致氛围,那就不用说了,你应该选择一件时尚的艺术品来展示。 第三步是色彩协调。这听起来可能令人望而生畏,但不必畏惧,只要问自己这样的问题,就能很快解开谜底。"你最喜欢的地毯、窗帘、沙发颜色或地板颜色是什么?哪些颜色的存在感强?等等。而答案很简单:一致性。只要注意色彩的搭配,就能轻松打造出具有凝聚力的造型。 我们再来看一个例子。上图中的房间(1)是一个氛围轻松的客厅,(2)从家具的设计和材质来看,风格随意自然。(2)从家具设计和材料来看,风格随意自然。然而,淡雅的艺术和房间的共同颜色蓝灰色、坐垫的黄色、木质材料的棕色,却又是相通的。如果没有艺术作品,这个房间可能会显得很分散,但现在却因为这件作品而变得和谐起来。 第四步:寻找好玩的演员 既然场景已经设定好了,那么就可以进行有趣的艺术搜索了。每一件作品都是独一无二的,就像一个演员一样,表达着主人的性格。在上面的例子中,从客厅里那张轻快的图片可以想象出主人的热情个性。当你看到它时,很容易找到适合自己的作品,所以我希望你能解放思想,从直觉上而不是理论上寻找它。例如,我会选择下面这款作品作为儿童房,因为它的创意和随性的个性,大胆的色彩和不同材质的混搭。 最后一步:掌握空间 最后一步是了解房间。不管你信不信,艺术的加入可以让有限的空间"视觉扩张",因为在大城市里,豪华的空间很难得到。原因就在于光学错觉。通过在空间中加入平行线,可以营造一种扩张感。我建议在横向开阔的空间,比如沙发上方,挂一块横向的长方形,在狭窄的空间,比如走廊,挂一块纵向的。这间餐厅,看起来就像一条死胡同,如果没有挂毯,会显得很拥挤,但垂直的线条让它有了深度。顺便说一句,这也是一个很好的色彩协调的例子,供参考。 色彩在空间感知中也起着一定的作用,浅色调和风景的艺术品一般都能提升扩张效果。另一方面,较深或较鲜艳的色调能集中眼睛的注意力。 比如,在小卧室里,一幅山水画,简单的色彩搭配,就能瞬间营造出一种空间感,让人忍不住想深吸一口气。 去哪里找? 我们生活在一个便利的时代。如果参观艺术画廊似乎太吓人,不用担心,还有网上市场。与传统的画廊相比,它们通常提供更广泛的价格和风格,你可以在闲暇时用方便的过滤器和关键字搜索来浏览。你可以搜索:TRiCERA.NET就是其中之一,它以东京为基地,介绍世界各地从年轻到经验丰富的各个阶段的艺术家。受益于艺术产业日益数字化,发现一件新的喜爱的艺术品从未如此容易。 ArtClip还将发表对一位美国客户的采访,这位客户本身就是一位爱好收藏家和艺术家。如果您有兴趣了解更多关于她在TRiCERA的购物经验,她为什么要为自己的家购买艺术品,以及她是如何选择的,请不要忘记订阅我们的新闻通讯。

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肖像中的社会扭曲

展览剪辑:水野里奈。

摄影:MIYAJIMA Kei 关于 三潴美术馆 三潴美术馆由三潴寿夫于1994年在东京成立,以不拘泥于潮流的独特视角,将日本及周边地区的艺术家介绍到国际舞台上。 为了从更全球化的角度介绍艺术家,三潴美术馆于2012年在新加坡开设了空间,同时在印尼和纽约也有空间,并积极参加巴塞尔艺术博览会和国际博览会。 水野里奈,《瓦花》,2019年,布面油画,53×53厘米。 ©MIZUNO Rina 三潴美术馆提供 最近的展览:水野里奈 三潴美术馆的最新展览是来自土耳其的年轻画家水野里奈的作品。 在访问土耳其期间,她面对中东地区特有的微型绘画装饰,并将其融入到作品的更新中。绘画和水墨画,注重细节。 将多层次的结构引入画面平面,她的画作融合了精细的装饰与笔触、丰富的色彩与单色、西方与东方的矛盾元素。除了新的油画作品外,展览还将展出高度即兴的绘画作品,使画作具有立体感。 画廊 资讯 名称 三潴艺术馆 地址 162-0843 东京都新宿区市谷町3-13神乐大厦2楼。 开放时间...

弗朗西斯卡-博尔戈–光影的阴影

意大利艺术家弗兰西斯卡-博戈(Francesca Borgo)以泥土、自然的色调创作抽象的风景画。她从周围的大自然中获得灵感,用丙烯颜料、石膏和丙烯树脂与沙子混合,增加了质感效果,丰富了她的表现力。     绘画一直是她的爱好。这激发了她的想象力和表达人类和地球不同未来的愿望。在经历了一段时间的病痛之后,她被关在家里,开始与色彩和画笔进行"每日约会",并感觉到与自己的接触越来越多。   她的作品用深色、稀释的颜色来塑造整体效果,用金属颜料来制造光的反射。这些一起形成了光影的对比。最近她开始探索新媒体,用笔和平板电脑进行数字绘画创作。这种技术可以让她表达自己内心世界的冲突。   她积极参加欧洲各地的博览会和展览。她的作品还被美国、英国、日本、瑞士、西班牙、马耳他和意大利的私人收藏。向下滚动查看她的空灵抽象风景画。                                       查看Francesca Borgo的艺术作品

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7月6日,卢浮宫重新开放。目前的状况、举措和挑战是什么?

 冠状病毒的流行使全世界发生了重大变化。艺术界也不例外,似乎受到了重大的经济打击。那么,位于法国巴黎的美丽殿堂--卢浮宫受到了怎样的影响?    在关闭数月后,法国博物馆终于开始重新开放。然而,那里没有庆祝的气氛。游客被告知戴上口罩,通过网上订票系统购票,并提交体温测试结果。这是因为博物馆在奇怪的、新的艺术观赏准则下运作。    巴黎卢浮宫将于7月6日再次开始接受游客,除非政府的指导方针发生变化。不过,还是会和冠状病毒之前的情况不一样。卢浮宫馆长让-吕克-马丁内斯在接受法国艺术杂志《费加罗报》采访时表示,旅行限制将对游客数量产生严重影响。      马丁内斯预计,卢浮宫的游客数量将下降70%,游客的人口结构也将发生重大变化。马丁内斯说,过去75%的门票销售来自外国人,但政府的移民限制将产生重大负面影响。不过,由于法国人在夏季放长假,他预计游客数量只占总人数的一小部分,但他希望能吸引本国公民。当公众对艺术界前景黯淡时,马丁内斯却很乐观。    卢浮宫通常每天接待1万至1.5万名游客,是世界上游客最多的旅游景点之一。过去,游客可以从多个地点进入博物馆,但现在只能从杨明培设计的金字塔进入。他还采取了完全关闭约30%的博物馆等措施。    马丁内斯说,他预计博物馆在未来几年内将保持不变,但在2023年将恢复正常形态。马丁内斯将目前的情况比作"9-11"事件后博物馆参观人数的下降,并认为要克服这种情况需要想象力,而卢浮宫有能力做到这一点。   版权所有: https://www.artnews.com/art-news/news/louvre-coronavirus-reopening-attendance-drop-1202689059/

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窥探美国当代艺术的流变–美国艺术家特辑。

当你想到美国艺术或艺术家时,你会想到什么或谁呢? 8月是美国艺术家欣赏月,这是发现新的美国出生或在美国的艺术家的好时机。 二战结束后,此前一直标榜全球影响力的欧洲国家无力保住自己的实力,美国奋起直追。不仅在政治、金融领域如此,在艺术领域也是如此,美国文化的弘扬和输出比以往任何时候都要大。尤其是波普主义、极简主义等艺术运动对当代艺术的发展进程产生了深远的影响。 Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Donald Judd, Frank Stella......。诸如此类,不胜枚举。正是由于他们的存在,我们才能享受到今天的艺术。美国的政治形象在我们这些非美国人看来,可能没有那么高尚,也可能没有我们现任总统希望的那么伟大。 但幸运的是,世俗的事务对我们享受艺术创作没有影响。让我们带着来自希望与梦想之地的光辉艺术,踏上快乐的逃亡之旅。 Brian Schorn A.C.D. 赛斯-金 劳伦斯-李 Edward Burden 现金-库珀 Sandra Mack-Valencia Carl Goss Clint Imboden

“追寻现代艺术的历史”,用1亿个高分辨率像素再现了从广重到梵高等人的作品。

TRiCERA很高兴地宣布推出Primo Art,该产品采用了大日本印刷株式会社的高清印刷技术。 ,这次我们将出售北斋桂香、宇多川广重、克劳德-莫奈、皮埃尔-奥古斯特-雷诺阿、文森特-梵高、瓦西里-康定斯基、皮特-蒙德里安、古斯塔夫-克里姆特的作品。作品将进行销售。   通过1亿像素的高分辨率摄影实现高再现性   Primo Art是采用DNP多年来培育的技术,是一种高清晰度的印刷技术。它能以高分辨率处理数据,忠实地再现尽可能接近原作的色调和触感,并能在艺术纸、画布、日本纸、背光胶片等多种纸张上进行印刷。     普通印刷使用四色油墨(CMYK),但Primo Art采用10色油墨,具有比一般印刷更宽的色域。   我们使用PHASE ONE高清数码相机拍摄作品,像素超过1亿,可以忠实地读出画布和纸张的色调、笔触,甚至纹理,制作出接近原作的复制品。         从广重到梵高--本次展览中的艺术家   葛饰北斋 (1760-1840 / 日本)   江户时代最著名的浮世绘画家之一。他留下了"北斋漫画"等作品,对梵高等西方艺术产生了巨大的影响。     艺术家:葛饰北斋作品名称:富士山三十六景_神奈川树浪村作品尺寸:29.7×42cm xml-。ph-0067@deepl.internal 作品价格:30,000日元(不含税)原画框:20,000(不含税)。   考虑购买点击         作品名称:葛饰北斋作品名称:富士山三十六景_开府开成作品尺寸:29.7 x 42 cm xml-ph。-0067@deepl.internal 作品价格:30,000日元(不含税)原画框:20,000(不含税)。   考虑购买点击       | 宇多川广重 (1797-1858 / 日本)   江户时代活跃的浮世绘家之一。他以风景为主题的作品,以使用"广重蓝"等色彩为特点,影响了梵高、莫奈等西方艺术,导致了"日本主义"(日本文化在西方的普及)。     艺术家姓名:宇多川广重作品名称:江户百景名胜_龟户梅屋穗作品尺寸:42...

看着被压抑和消逝的自己。斋藤拓海访谈

斋藤拓海画的是公园里的游乐场设备、房间的一角、路边等日常场景,带着些许虚无缥缈的感觉。她说:"随着年龄的增长,我发现自己被压抑了。"她将唤起自己童年感悟的风景和与之相关的物品,转化为女孩的形状,并将它们画在画布上。在这次采访中,我们和斋藤谈了她至今为止的职业生涯,以及她的作品背后的背景,她的作品是基于她自己的情感本质。     斋藤先生,你主要表现的是女孩的画作,结合场景,看起来像是日常生活的快照,但我能不能先问一下你的作品背景,它们在你的画作中是怎样的关系?   我的画中有的有女孩,有的没有,但女孩更多的是一种情感的存在,它把我和过去的自己联系在一起。 ,很多风景都让我想起了童年。当我看到一些能让我想起过去的东西,比如风景或物品,我通常会记下来,或者用相机拍下来,这就成了我作品的基础。     等候室》,2020年,29.7×42cm,纸本Giclee印刷,版本:50   点击这里查看斋藤拓海的作品。   换句话说,这个女孩是作为前斋藤先生本人的隐喻出现的。风景也起到了让我们回忆过去的作用,但无论哪种情况,过去都是关键点。   随着年龄的增长,我觉得自己一直在压抑。随着年龄的增长,我觉得自己被压抑了,一些曾经拥有的东西渐渐消失了,或者说我觉得自己越来越失去了自己。这是一种很不愉快的感觉。   但这些景与物让我想起了以前的自己。比如踩自行车时落叶的味道,比如雨后的味道......我可以通过这些日常的事情来回忆过去的事情。我真的无法用言语表达,但我觉得我的记忆又回来了。就像"这和那个时候一样"。   这种压抑是否意味着你被社会关系所牵制?   细微的差别是相似的... 也许。我渐渐地不习惯在一个群体中,但我发现自己也会跟着去做。即使我的朋友们会说"我们一起回家吧"、"我在那里等你"之类的话,也是有点尴尬。当然,我不认为这是恶意的或什么。   对于我来说,初中和高中是一个空白期,几乎没有能让我记住的事件。真的,没有什么让我不明白的原因。在你成长的过程中,你要面对很多的社交、限制,以及你必须要忍受的事情。但我觉得如果我试图去适应这些,我内心的一些东西就会逐渐消失,我感到很有威胁。我觉得我正在失去我的身份。     朋友,2020年,45.5×38cm,布面油画。   从这个意义上说,你的作品在某种程度上几乎就像一种记录,它不是简单的风景或女孩的描写。   如果我想留下一些东西,那更多的是一种情感,而不是一道风景或一些我能看到的东西。那些不描写女孩的风景,以及诸如此类的东西,都能让我和过去联系起来,所以即使我不描写人,我也想让它看起来像他们还在那里的痕迹。   所以我觉得人们往往认为我画的是风景和女孩,但我不想画情境。   接着说说你的背景,斋藤先生,你是学日本画的。你是不是一直想成为一个日式画家?   不,我一开始更像是一个插画师。我在初中和高中的时候属于漫画社,但我一直在画插画而不是漫画。我画过一段时间的女生图,但当时只是插图。   但我和身边的其他孩子一样,对它一无所知,我看的书里有我喜欢的插画家的插图,但我并不喜欢。所以我才会半途而废。   从高中一年级开始,我就有一个模糊的想法,就是想上艺术大学,我想这有一部分原因是因为我是画插画的,但我选择了日本画,因为我觉得我可以用二维的方式来表达自己。我喜欢的是平面的表达方式,而不是活泼的美术风格,从高考开始,我就真的不擅长画立体画。我也很不擅长画素描。   现在你用的是丙烯和油,但我觉得你在处理材料的时候,语法是很不一样的。   本科的时候,我用的是日本的画材,但是用矿物颜料的时候,就会被问到"为什么要用矿物颜料"这样的问题。但是,当我使用岩井谷的时候,就会被要求赋予意义,比如"你为什么要用它?"。另外,我从本科开始就一直在画女孩子,但我觉得如果用日本的绘画材料来画,就会被认为是美画的范畴。并不是我想走这条路,当我想到我想画什么的时候,我用丙烯颜料来画是没有问题的。所以我改变了很多,从绘画材料到绘画方式都有很大的改变。   以前我画头发和脸部的细节比较多,但现在转为画风简单,平面感比较强。我以前画的画也差不多,我试着把我以前在笔记本上画的东西做成表象。因此,我做起来就不那么痛苦了。   但我认为,我给自己设定的规则,或者说是限制。我尽量不做那些我不能做的事情了。我试着让颜色变浅,有些地方我用彩色铅笔层层叠叠,有些地方我试着加强某些方向的颜色,因为它们变得太模糊。     遗忘》,2020年,31.8 x 41cm,布面油画。   你是什么时候开始把现在的风景和女孩的结合带入画面平面的?   大约两年前。我想是在我本科毕业的时候吧。当时我加入了从照片上剪下来的风景,画面有点乱,但我决定把它定格在我童年的时光里。   我决定把它设定在我的童年时代,我想让它变得更复杂,或者说,我想让它变得更混乱。我是一个很平淡的人,所以我往往是片面的。我试图让它更难理解,更复杂。我想,这让人们不止一次地想看。但我觉得我最近画的太多了,因为它是。   你对工作和自己之间的紧密联系有什么抵触吗?   是你的作品太个人化了吗? 我以前也有过这样的烦恼,或者说,我现在还时不时地想...   我不知道我画的是不是太私人化了。但我也一直在想,有像微普艺术家,也有像纳威哈艺术家,还有经常画个人的东西和身边的东西的人。当我想到我想画什么样的作品,或者说画什么样的作品可以让我不觉得压抑,我想这就是我的方法。剩下的就是信念的问题了,我想。   你喜欢画个人生活的艺术家吗?   我是这么想的我喜欢那些用日常用品和日常生活的碎片来画个人的,或者说是随意的作品的艺术家。我喜欢前几天在渡云的青木先生,西村雨,还有丹尼斯、维拉德等老艺术家......。   我也喜欢莫兰迪。我总是把他的美术书放在身边。我也喜欢纳碧派。我觉得它们在主题和主题方面非常有帮助。还有,我不是画家,但我喜欢青山静夫。在我开始画儿童画的时候,他对我的影响最大,甚至现在我在觉得自己失落的时候,经常会看他的作品。   你一生都在画插画,在你的画作中,你是否感受到了插画的基因?   ...我不知道但有的时候,人们肯定会说。虽然没有那么明目张胆,但人们确实会说:"你是个插画师。   但最近我觉得两者都有一点。我叫插画,也叫绘画。我画插画的时间肯定很长,所以我觉得有这种感觉并不奇怪。有一些我喜欢的插画家等等。所以最近我一直在想,介于两者之间也是可以的。   介于插画和绘画之间。   我觉得这两者的元素都很好。如果它同时具备这两种元素,那么它可能就有自己的真实性。   你画的女孩脸上没有表情吧?   当我在画画的时候,我很平静。所以我画的人没有表情。那里有一段距离,不是吗?曾有看过我作品的人对我说:"斋藤先生似乎已经放弃了。"我想这可能是真的。我想我已经告诉过你为什么我的作品里会有女孩或者孩子,但我画孩子的原因更像是一种情结......或者说更像是一种渴望。渴望成为一个孩子。   这和我小时候周围的环境有关,也和我现在的样子有关。   有一种感觉,现在的我和小学时的我没有联系。当我看到自己小学时的照片和老师的评语时,我觉得自己亮堂了许多。我心想:"哦,原来是这样啊。环境变了,我也变了,我想有的人一直都是沉默寡言的,但我已经变了。     午后的公园》,2020年,33.3 x 33.3cm,布面油画。   尽管如此,景观或其他东西会引发它复活。斋藤先生的绘画是一种抵抗,是以结构的方式捕捉情感的形式。   但这很复杂,不是吗?正如我前面提到的,很难用语言表达。当我看到一个风景或一个物体这样的东西时,我的感觉和怀旧是不同的,很难向别人解释这是我画的东西。   最后,我认真地走到了这一步,以为自己在某种程度上融入了周围的环境。我想,让自己不至于飘飘然,也不至于改变,但我觉得失去了原来的我,是很悲哀的。我认为,如果它仍然是一种形式,那就很好。     简介   1996年生于东京,2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"(Koenji pocke / 2019 /东京)、"雾"(展览空间CLOSET / 2020 /东京)、"ob策展新华社"(Hidari zingaro / 2020 /东京),他的个展包括"温柔"。岁"(新宿眼科画廊/2020/东京)。   点击这里查看斋藤拓海的作品。

采访野田丽马

野田丽马1995年出生于爱知县一宫市,现就读于东京艺术大学漆艺专业硕士课程。我们采访了野田,他谈到了自己的作品和"在这个国家的表达方式",他尝试用昆虫、水果等自然物的具象性,用工艺技术和语境来创作。     我感觉您的很多作品都是以昆虫和香蕉为主题,您能先谈谈吗? -我的作品是以甲虫等昆虫为题材,最近我又以香蕉为题材,用漆艺创作。我想表达的是大自然的每一个故事。内容非常简单。我看昆虫和自然界,我觉得它们和人类不相上下。这真是太神奇了。我们无法与大自然创造的形状和颜色的伟大相提并论。当我想到自己作为一个人,能做什么的时候,我想是表达和讲述自然形态背后的故事。     你用的是漆,但你的技术很多是归功于工艺? -部分原因是我自己在手工艺领域学习过,但我认为,当你想在这个国家创造一种成型的表达方式时,它是一种重要的材料。不管是气候还是文化,我认为漆器的特点和背景是非常重要的。还有就是工艺本身。这种类型,无论好坏,都有很强的材料局限性。可能会有一些弊端,但我认为可以从材料的底层入手,表面处理技术也很出色。有很多工作要做,我觉得对每一件工作(手工)都有很强的责任感。这也是我喜欢它的原因之一。   但你会选择当代艺术的存在吗? -是的,我想把我的作品作为当代艺术来展示。我想我第一次认识当代艺术是在本科四年级。本来,这与流派无关,但我喜欢造型艺术。换一种说法,就是"用眼睛就能完成的事情"。在手工业界,物尽其用的倾向特别强烈。     有什么当代艺术家是你在关注的吗? -给我留下深刻印象的人是Demian Hirst。我不在乎是否时尚,但我认为我受到作品的影响,改变了我对事物的价值取向。赫斯特的作品是一个例子,还有就是《喷泉》。   所以你本来可以学雕塑,但这部分原因是你前面提到的材料问题吗? -是的,就是这样。说实话,我觉得雕塑可能是个不错的选择。但我以为雕塑这个流派太宽泛了,部分原因是它受材料的限制比工艺的限制小。我以为这种手艺是正确的方法,先把它学好。当我想到它是一种表达方式时,手艺似乎很适合。我仍然想把当代艺术作为我的领域,但我并没有打算放弃工笔画的语境。     回到你的表情,你最近开始了一系列的香蕉。有趣的是,你为什么选择这种水果作为主题。 -我决定做的第一件事是毕业项目。说实话,我也没什么动力,只是觉得有一个大金香蕉会很有意思。于是,我去千叶的一个农场看了看实物。这是一个相当大的转折点,因为真实的东西真的很酷。在我大腿那么大的树干上,大约长了两三百个,不顾地心引力。这时我就想,我不应该自己变形。我觉得对我来说太早了,所以我把它带回家了。最近我才开始工作。   是否给我留下深刻印象是标准? -当然,这也是其中的一部分,但是......好吧,这是一个小小的飞跃,但是当我想到什么是艺术最重要的时候,我认为它是积极的。我的意思不是说好听的语境什么的(笑)。(笑)但我认为最重要的是创造出一些让你看到它时感到积极的东西。不是让你感到消极的东西,而是让你感到积极的东西,比如一段美好的回忆或一场胜利或一种欣喜的感觉。我自己也想在作品中创造这种精神气质。     我很好奇你立场的背景。 -大概是从我读本科三年级时的一次柬埔寨之行开始的。我获得了奖学金,去了一个有漆器的地区,虽然那里的贫富差距比日本大得多,但那里的寺庙建得非常华丽,我被他们的宗教意识所感动。我想每个人都有自己感受幸福的方式,但祈祷并不能给你带来什么,也未必能改变你的身体。即便如此,至少在我看来,他们的生活似乎有了积极的改变。我希望我的作品也是这样。   受这种思想直接影响的作品有哪些? -这是甲虫的作品,叫"Vulgarly"。总之,我想做一个真人大小的人偶。我把它想象成一个被祈祷的存在,所以它需要有这个尺寸。但这是我自己的一个化身,或者说我想雕塑一个理想的存在。然后,当我想到在这个国家表达什么合适时,我决定用甲虫,因为日本有一种独特的甲虫。金箔的使用也受到寺庙的影响。毕竟,金色是一种吸引人的颜色。     从你说的情况来看,听起来你的作品正在朝着象征性的方向发展。 -是的,确实如此。例如,甲虫是某种力量的象征。就像军阀的头盔一样,我选择代表尊严和力量的图案。从这个意义上说,香蕉也是一样的。我们把它叫做"香蕉系列",首字母"V"和"胜利"是一样的,就像我之前说的,我觉得香蕉所具有的强大的生命感是一种象征。   虽然概念很清晰,但我觉得你的表达方式很简约,但这是否受你对自然形态的感受影响? -我不知道......但肯定有一种尊重。可能是跑题了,不过......我个人认为,所有的生物在诞生的时候都有同样的意义,当我把香蕉和昆虫看成是平等的生物时,我觉得用人类特有的价值感来评判它们,或者用和人类一样的时间感来评判它们,我觉得很不舒服。我不知道用同样的方式表达自己的想法,在人的尺度上是否可以。     这也和我们刚才说的,关于我们人类可以做什么样的表达有关。 -是的,没错。对于香蕉,我是根据真实的东西来塑造的,因为我想表达香蕉生命和生长的证据,因为它是真实的。然后,我就把我看到它时的能量,在受到色彩和形状,以及材料和技术的限制下,思考如何表达它。看事物的方法有很多种,但我觉得昆虫的形状很酷,很美。所以我觉得我不应该取笑他们。     您刚才说的文字和作品之间似乎有很近的距离,您是否意识到这一点? - 我是这么想的,我很高兴你这么想。很高兴你这么想,对图案的感受是一样的,但也如你所说,我希望作品能完整地呈现在眼前,如果是这样的话,我想你第一眼看到它和我想说的话之间的距离应该很短。.我不擅长这种工作,或者说,我个人不太会看抽象画(笑)。压力有点大。我喜欢看一般的东西,但也喜欢能用眼睛完成作品。这就是为什么我喜欢雕塑和昆虫的原因。昆虫是最不紧张的看。   在你的作品中,视觉效果是第一位的吗?-是的,绝对是。形体本身一开始是在草图中完成的,但当我用三维的方式创作时--换句话说,当我雕塑它的时候,除非它有形体,否则我无法把握它。另外,我是那种从一个模糊的想法出发,然后在完成后再巩固概念的人。我是那种用手思考的人。我不太擅长反面。我不太擅长其他方式。我想,文字还不够好吗?     回到你的流派,当你尝试在当代艺术领域工作时,你的工艺背景是否会妨碍你的工作? -这不是一个障碍。但在表达上,从手艺的角度来说,我做了很多鲁莽的事情。主要是在技术方面,比如焊接。但我不想削弱手艺的吸引力,我认为它绝对有潜力。......然而,(手艺)确实倾向于关注技术和材料,无论好坏。在点评中,将使用的技术水平与博物馆等传统工艺进行对比。就像"不,多看看香蕉的灵气!"。(笑)。(笑)但这很好。这就是思维的不同。我觉得有不同想法的人是好事。想表达什么就说什么,互相打击真的很重要。我觉得把自己想表达的东西说出来,面对对方很重要。   这是一个有趣的态度。最后,你有什么想挑战或计划在未来做的事情吗? -现在,我只是在刷题。与其说是新的东西,不如说是我想深入研究一下我目前正在研究的香蕉和我目前的表达方式。现在也是我的毕业项目的时候,所以我在想如何把我想说的东西演化成一种更容易传达的方式,我想现在是完善的时候了。我想和尽可能多的人分享我的工作,所以,是的,我想让它更方便。现在,有些点我觉得:"这个部分不够好。我还想追求一些不像甲虫那样太过浮夸和过分的东西(笑)。     野田龙马野田龙马1995年出生于爱知县一宫市,2014年毕业于爱知县木子高中设计系,2015年考入东京艺术大学工艺系。去年,她在东京艺术大学的毕业展上获得了"鸟居市长奖"。现就读于该校工艺美术研究生院漆艺专业硕士研究生班。 作品页面: https://www.tricera.net/artist/8100422Instagram:https://www.instagram。com/ryoma_noda/?hl=en

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