星期五, 6月 18, 2021
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瓦尔达-凯瓦诺在小山富雄画廊举办个展。

Varda Caivano,”无题”,2019年,亚麻布上的水性油画(水粉和水墨),90.9×57.6厘米(画框:150.9×117.6厘米),©Varda Caivano,Courtesy of。小山富雄画廊 小山富雄画廊欣然宣布,将于10月11日至11月9日举办伦敦艺术家Varda Caivano的个展。卡伊瓦诺1971年出生于布宜诺斯艾利斯,自2000年代初起一直在英国居住。这将是她在小山富雄画廊的第四次个展,她将展出自己的最新作品。 在她的艺术实践中,绘画过程本身就是她最关注的。凯瓦诺在关注工作过程的同时,也关注物质性。她的作品围绕着”绘画”的基本特征:色彩多样、笔触丰富、层次分明。在这次展览中,她将绘画的范围扩大到强调作品内部空白的作品。与以往的作品在整齐排列的画布表面作画不同,他强调无色空间,并尝试使用粗麻布。正是因为有了边幅,才使得有限的画布空间有了无限的可能。因此,她作品的边际激发了观众对边际之外的想象力。可以说,她的作品在保持自己独特风格的前提下,以多种表现方式发展。 瓦尔达-凯瓦诺个展(2019)装置图 ©瓦尔达-凯瓦诺,由小山富雄画廊提供。 瓦尔达-凯瓦诺个展(2019)装置图 ©瓦尔达-凯瓦诺,由小山富雄画廊提供。 只专注于所画之物,与她以往的作品并无完全不同。她的主题依旧,只是改变了有效或多样的表达方式。物质性也很突出,因为凯瓦诺注重的是”过程”。她作品中的”过程”是什么?可以是重复的决定和观察,比如做什么样的拼贴画。也可能是想到在画布上配色。 因此,她的作品成为涉及物质性、她的关注和时间的过程痕迹。她的时代痕迹和关注点似乎不是具体的描写(描述)。凯瓦诺自己认为她的作品如下。 “我认为绘画不是作为表象,而是作为诗歌和音乐背景下的一种呈现。” (Varda Caivano采访”。激发想象力的无限画作》,采访者岛田小太郎,艺术科技,2017年2月)。) 此次展览是艺术家自2016年以来在小山富雄画廊举办的第四次个展,还将展出她的9幅最新画作,以及新的装帧作品,包括拼贴画、素描和纸上绘画。此外,新作品中使用的色彩也较之前有所改变:2016年在日本举办的个展中,之前的”灰画”系列主要使用了灰色,而新作品则较之前表现出了红、黄、绿等更为鲜艳的色彩在这个新的系列中,我们可以看到红、黄、绿等更加鲜艳的色彩。 一句话,她的作品并不是停滞在画布上,而是像诗歌或音乐的意境一样,似乎有一种流动的节奏。她以新的方式呈现她的作品,特别是通过使用框架和刻意的边框,将她流动的主题表现得淋漓尽致。 Varda Caivano的个展 日期:2019年10月11日星期五至11月9日星期六) 开放时间:上午11点至晚上7点。 周日、周一和公众假期休息。 免费入场。 撰稿人:赵正恩。 生于韩国,住在日本。她是TRiCERA的成员之一,毕业于东京艺术大学大学院美术系。她自己也是一位艺术家。

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武田宏树:用生动的水彩画栖息在动物的世界里。

我爱上了水彩画的美,从那时起,我就开始挑战自己,创造只有我才能创造的色彩。   武田宏树是日本新锐水彩画家,他将鲜艳的色彩与植物主题相结合,建立了自己独特的动物写实肖像画风格。在这次采访中,我们和他聊了聊他作品的起源,他如何形成自己独特的风格,以及水彩画的魅力。本采访为清晰起见,进行了轻微编辑。   貓 作者:武田宏树     水彩画、植物和动物的融合。 作为一个艺术家,她在寻找自己的方向 鲜艳色彩的融合 在哪里可以买到武田广树的作品? 水彩画、植物和动物的融合。 ...我的艺术是独特的,我把动物、花卉和植物结合起来,创造出逼真而又吸引人的描绘。 解释你作品背后的概念。你想代表什么样的世界? 自从我爱上了水彩画的美,并开始创造只有我才能创造的色彩,有三样东西统一了我的作品:水彩画、植物图案和动物。 发现水彩画之美 我第一次对水彩画产生兴趣,是在大学期间跟插画家佐佐木五郎上了一堂课。在此之前,我只知道水彩画是用柔和的色彩层层叠加而成的,但当我了解到佐佐木的画风时,我感到非常震惊。在此之前,我只知道水彩画是层层叠叠的柔和色彩,但我被佐佐木强烈而生动的色彩画风所震撼。 对植物的热爱 激发我以花草为题材进行艺术创作的灵感,是我在大学生兼职漫画工作时,看到一个穿着花裙子的女人。另一个原因可能是我从小就被植物包围着,因为母亲一直喜欢种植物。 通过动物表达愿景 毕业后,我尝试了各种艺术风格,包括时下流行的"酷"艺术风格,但家人告诉我,这种风格不适合我的性格。我花了很多时间试图找到自己的艺术风格。有一天,我的脑海里突然出现了一幅动物的画,它的毛发像一株植物。 将水彩画与植物和动物相结合的想法让我觉得非常自然。当然,其他艺术家画动物的目的很简单,就是为了可爱,但我觉得我的艺术很独特,我把动物、花草结合起来,既写实又吸引人。 日本松鼠 作者:武田宏树       在你的艺术历程中,是否有什么艺术家或作品深深影响了你? 正如我前面提到的,是佐佐木五郎让我对水彩画产生了兴趣,但对我影响最大的艺术家是大栉武,我在确定了现在的艺术风格后,通过一个名为"Terakoya"的项目认识了大栉。大钏对我和我的艺术风格的认可给了我很大的信心。我非常尊敬大悟师,视他为我的导师。他对我的影响很大,因为他使用了不画轮廓的技巧。 作为一个艺术家,我在寻找自己的方向 自从认识了佐佐木五郎,我就把自己的一生都献给了水彩画。 你是如何开始你的艺术生涯的? 小时候,我很喜欢日本漫画《龙珠》系列。我被这本书的插图画法惊呆了。我喜欢一遍遍地描摹漫画的板块,但我从来没有用薄薄的描摹纸来涂色。当我成为一名初中生的时候,我尝试着创作自己的原创漫画,我甚至想过成为一名漫画家。 没过多久,我就意识到做一个漫画家是多么的不容易,虽然我的学习成绩并不好,但我知道我有绘画的天赋。这让我在高中时参加了设计课,后来又去了美术学校,在那里我认识了佐佐木五郎,从此就开始了水彩画的创作,并以艺术家的身份为自己的生活打下了基础。 鲨鱼 作者:武田宏树       在艺术之外,你有哪些影响? 我喜欢日本的漫画和动画片,比如《龙珠》和《One Piece》。我喜欢他们对人物动作和气氛的描写,我也开始想让自己的作品更加逼真,让自己能"闻"到这里的气氛。我也喜欢看电影,所以我就想创作出和电影一样能打动人心的作品。 你的作品看起来有一种温暖亲切的感觉,但你是不是想传达一种信息?你是想向观众传达某种信息吗? 我没有一个笼统的信息投入到我的作品中,但我希望我的艺术能让观者感到放松。我希望我的作品能让人们不假思索地轻松享受。   鲜艳色彩的融合 在这个过程中,我尽量在能想到的地方加入植物、蝴蝶等有趣的图案,让观者享受发现它们的乐趣。 野猪 作者:武田宏树       告诉我们为什么水彩画对你如此特别。 我对未知的东西很感兴趣--油漆干了之后的颜色是什么样子的,它们是如何相互无缝融合的。在我的作品中,很多画布都是空白的,所以我试图在我想画的细节之间找到一个平衡。 工作很细致,但初稿只是用铅笔粗略勾勒。您是如何决定作品的主题的? 我先画一个大致的轮廓。我花时间看图案的参考图片,进行构图,并在脑海中计算出细节。我告诉自己要耐心地画画,有了想法后,在颜料还没完全干的时候就会完成。在这个过程中,我尽量适当加入植物、蝴蝶等有趣的图案,让观者享受发现的乐趣。 https://www.youtube.com/watch?v=dK3fJL9r0t4&t=2s 你的创作最难的是什么? 调整我放的水的量来稀释涂料。这只是根据我的经验和感觉。最难的是找到水和涂料的最佳平衡点。另外,我在画画的时候,有时候会被细节所干扰,最后画了太多的画。有时候,我在工作中休息一下,过一段时间再回来用新的视角去看它。 我也尝试着通过研究不同的植物,在动物的剪影中创造俏皮的自然景观,不断为我的艺术添加新的元素。 大猩猩。 作者:武田宏树       你有与你的风格一致的水彩运动吗? 我并不真正追随任何艺术潮流或传统,因为我想完善自己的风格。我喜欢用强烈的鲜艳色彩混合,使我的作品与众不同。 你认为你的风格在未来会如何发展? 我想进行融合日本元素的艺术创作。例如,我正在创作以珊瑚礁为主题的盆景艺术。我想继续创作色彩斑斓的艺术作品,不仅是关于动物的,也是为了抚慰看到它的人的心灵。 帕格犬 作者:武田宏树       在哪里可以买到武田广树的作品? TRiCERA》展出了武田宏树的许多彩色水彩动物肖像和他的其他日本艺术品。一定要去TRiCERA看更多武田宏树的作品,让日本当代艺术充斥你的生活。

作品与艺术家内心的距离:论绘画的魅力。

 与艺术相关的词语非常多,定义的边界也不清晰。  绘画和周围的文字可能是这种倾向的一个特别明显的例子。  Drawing可以翻译为"线描"。换句话说,就是指用单色铅笔、钢笔或炭笔画线条的行为,强调画出的画面。在法语中,绘画相当于素描,但不同的是,绘画作品也可以算是历史作品。相对于绘画来说,绘画更多的是练习,绘画中有很强的表现元素。  绘画作品也会在博物馆中展出,因为它们能让人看到艺术家的技术和概念创作过程。本文为大家介绍10张画,希望大家能探究艺术家的真面目。 MATSUMOTO SAYAKA 点击这里查看艺术家的详细信息 Aimi Numata 点击这里查看艺术家的详细信息 碗仔芋头 点击这里查看艺术家的详细资料 Takashi Fujita 点击这里查看艺术家的详细资料 Martin Zeihner 点击这里查看艺术家的详细资料

你有没有想过住在姜饼屋里?

渡边大作个展"甜食博物馆     你读过童话故事《韩塞尔和格雷特》吗? 在我们还没有想到故事和人物之前,我们就会自动想到用姜饼和糖果做成的甜蜜饼干屋。你有没有希望自己能住在那栋房子里?很难定义什么让我们快乐,但简单地说,我认为糖果给我们小时候带来了快乐。   当代艺术家渡边大作将这种幸福感通过艺术的形式带到了甜食中,7月31日至8月14日,他将在东京的中心地带--新宿的小田急百货店举办个展"甜食博物馆"。   渡边大佐是由母亲--糕点师抚养长大的,因为这样的背景,他从童年的记忆中就把甜食和幸福联系在一起。如果你看一眼他的作品,你可能会因为其逼真的外观而将他的作品与正宗的甜品混淆。膏体看起来逼真的秘密就是树脂。在这个过程中,他用吸管袋把树脂做成奶油的样子。他用假奶油制作各种造型,如动物、鱼、历史雕像、艺术史上的画作等。在此次展览中,还有向罗丹的《戴珍珠耳环的女孩》和《思想者》致敬的作品。他的作品有趣的地方在于,来自甜食装饰的轻快气氛和来自艺术史的沉重气氛之间的差距。这种欢快的对比,让我们不禁莞尔。     在"糖果博物馆"展览上,作品分几个部分展出。在入口处,有动物、长条宴席等大型作品,也有绘画、立体作品等平面作品。沿着走廊往前走,就看到了一部分不仅向西方美术史致敬,也向日本美术史致敬的作品,其中包括浮世绘版画。迎接您的是以巧克力、糖果、爆米花等为造型的大型日本艺术品。然后,我们继续来到以海洋为主题的角落,这里的墙壁上有很多海洋生物的装饰。正如渡边在作品中幽默地说,太烧(鲷鱼饼)和鱼一起出现。除了展出的作品外,摄影区也有作品展出。展览的策划似乎已经考虑到了观众的需求。           艺术史学家高篠修二认为,渡边创造了一种新的当代艺术流派,称为"假甜食艺术",他将其称为"甜食之王"。他指出,渡边的作品与日本关于人类感官的哲学有关。日本有句古老的哲理:"用手可以看到洗澡水的温度",还有"用舌头看味道"这样的日本文化。传统的茶道和怀石料理,以及传统的日式晚宴,都是这种理念的体现。高志娜对渡边作品的评价与这些紧密相联。也许他是想说,我们可以看到。幸福通过他的作品与我们的眼睛。   渡边大作带来的作品 感受幸福的同时,在日本当代艺术界留下了独特的印记,受到国际上的好评。他还曾在中国、土耳其、香港等地举办海外展览。香港和印度尼西亚。同时,他的作品也被永久博物馆所收藏大原美术馆、清洲市春日美术馆、高崎冈崎世界儿童博物馆的收藏。尽管名声在外,但他还是在东京的一家百货公司举办了个展"糖果博物馆"。在一个即使对当代艺术不熟悉的人也很容易接触到的地方,而展览本身也是从观众的角度出发,以一种全新的方式策划的。 友好的方式。   从这次展览中,渡边大作给观众留下了这样的信息。   '我想每个人都有一段与饼干和糖果有关的快乐记忆。我希望看到我作品的人都能有快乐的回忆和感受。我希望成为一名艺术家,能够继续创作出这样的作品,唤起与甜食有关的快乐回忆。希望它们能成为你幸福的回忆之一。   有关"糖果博物馆"展览的更多信息,请参考以下链接:http://www.odakyu-dept.co.jp/shinjuku/special/sweets/index.html。   文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

艺术中”蓝”的故事

我们看到的生活是极其生动的。 然而,似乎只有艺术家和设计师才会在日常生活中注意到色彩。 让我们花点时间考虑一下颜色对我们的影响。比如说红色能促进肾上腺素的分泌,黄色能影响淋巴功能。不管真相如何,色彩对生理或心理功能的影响都被积极应用于广告等领域。换句话说,颜色是根据广告的目的来使用的。 那么在艺术界呢? 例如,蓝色经常被用在印象派的作品中,在中世纪,蓝色是皇家的颜色。伊夫-克莱恩也对蓝色情有独钟,并创造了自己的颜色--国际克莱恩蓝(IKB)。蓝色是宁静和高贵的颜色。 当然,色彩是艺术不可缺少的小工具之一。轻盈或暗淡,奢华或纯洁,每一种具体的色彩都有自己的隐喻形象,也是输出画家所设想的世界的重要手段。 日南田的作品也不例外。她的作品以蜡笔、丙烯颜料和石膏为基调,规模宏大,用色多为蓝色。 点击这里了解更多关于她作品的信息  Delta N.A是一个艺术家单位,在洛杉矶、都灵、迈阿密、蒙特卡洛、巴黎等世界各地巡回展出作品的同时,其作品的主旨是当代人所面临的二元对立。低光蓝调的运用,邀请我们进入一段轻松的时光,色彩中带着一丝幻想,引人深思。 点击这里了解更多作品信息 高桥宏树是一位细腻描绘日本四季美景的艺术家。他非常注意保持色彩的清晰度和新鲜感,最大限度地发挥了矿物颜料的材料之美。由矿物颜料衍生出的色彩所纺成的情感丰富的画面,完成了坚实的深度,但又不失精致。  富士和银河,是用深蓝色画出的最日本的图案之一,坐在家里的椅子上慢慢看就好了。 点击这里查看作品详情 艺术是由图案、材料、笔触、意境等无数成分组成的。但是,在选择与我们生活息息相关的艺术作品时,我们应该注意色彩。

加藤泉的作品在东京独特的艺术空间展出

加藤泉在东京原美术馆举办个展"像滚雪球一样"。     加藤泉,国际知名日本艺术家,常驻东京和香港,目前在东京品川的原美术馆和群马县的原美术馆ARC举办个展。   原当代艺术博物馆ARC全面展示加藤的作品 原当代艺术博物馆将展出她的69件最新作品。作品。在原美术馆举办的"LIKE A ROLLING SNOWBALL"展览是加藤在东京博物馆的首次大型个展。而此次在原美术馆举办的展览,就是要让你有机会领略他的最新品味和独特发展。他最近的作品从石头、布匹到印刷品都有。   加藤以在绘画和雕塑中描绘原始而神秘的人类形象而闻名。他的作品让人联想到图腾。加藤的人体雕塑总是有男有女,他的绘画作品也是以这样的方式构成,使两件独立的作品成为一体。绘画的构图也是这样,两个独立的作品变成了一个。至于由石头、棉花和软乙烯制成的雕塑,头部和身体的材质完全不同--石头、软乙烯和棉花,但在某种程度上,它们似乎搭配了两种不同的属性:轻盈和重量。在很多方面,追求配对似乎是一种仪式感。       我们很高兴为大家介绍一些博物馆中最具特色的作品。在一号馆展出的《无题》是加藤的最新作品,他一直在尝试用布、皮革、石头、铝等多种材料制作大型装置作品。其他作品的展示也很好,符合原美术馆所在地的特点。在原美术馆的花园里,安装了两件以与自然相遇为主题的作品《无题》。安装在花园里的作品是为了从博物馆内部观看而设计的。     原现代美术馆的位置     当你参观原美术馆时,你可能会被它独特的异国情调所抚慰,这在东京是很少见的。原美术馆是日本最古老的当代艺术博物馆之一,位于东京品川区,在棕榈树环绕的花园里。该建筑建于1938年,是现任原现代美术馆馆长原俊雄的祖父原国藏的私邸。它是由著名建筑师渡边仁设计的,他还设计了东京国立博物馆的主楼。   战后,该建筑曾被菲律宾和斯里兰卡大使馆使用,1979年成为艺术博物馆;2008年进行了大修,安装了新的照明系统并进行了维修。   作为日本最早的现代美术馆之一,它是为数不多的融合了20世纪初欧洲建筑风格的昭和早期建筑的例子。   但是,由于近80年的建筑维护困难,基金会决定在2020年12月31日关闭博物馆,原博物馆ARC将成为所有活动的场所。在具有独特氛围的博物馆消失之前,何不趁此机会看看加藤泉的最新作品呢?   加藤泉--像滚动的雪球 主办单位:原美术馆 特别合作单位:Perrotin公司   日期:2019年8月10日(星期六)-2020年1月13日(星期一)(国庆节)。 时间:上午11:00-下午5:00,周三至晚上8:00(闭馆前30分钟最后进场)。 休馆时间:周一(8月12日、9月16日、23日、10月14日、11月4日、2020年1月13日除外)、8月13日、9月17日、24日、10月15日、11月5日、年末和新年假期。 入场费。普通票1100日元,学生700日元(高中、大学)或500日元(中小学生),70岁以上550日元,原博物馆会员及学生--高中生在学期内每周六免费,20人以上的团体可享受100日元优惠。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她是TRiCERA的成员之一,毕业于东京艺术大学大学院美术系。她自己也是一位艺术家。     1] 新闻稿, 原美术馆,(原美术馆,东京,2019)。

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银座柳画廊:东京西画的灯塔。

踏入银座柳画廊 银座柳画廊主人的包容使命 加强日本的艺术声誉 在哪里可以买到银座柳画廊的特色艺术品? 踏入银座柳画廊 东京有很多文化中心,但银座以其艺术性在其中脱颖而出。从银座柳画廊开始,银座拥有许多东京最好的艺术空间。我们很荣幸能在银座举办个展,在这里举办个展可以永远改变艺术家在日本的发展道路。 自1994年起,该画廊成为日本艺术家在轻松、现代的环境中展示西式绘画的基地。 当你走进画廊,你会看到日本当代艺术家的西式画作,这些画作是店主野野义彦根据个人对艺术家美学的鉴赏能力挑选出来的。展出了许多风景、人像、静物等具象题材的原创油画作品,给人以独特而温暖的感觉。 Hiroshi Okano负责风景画,Takumi Arita负责壁画,Minoru Hirota和Nobuyuki Shimamura负责肖像画:......。这些都是多年来因与野野先生关系密切而经常在银座柳画廊被介绍的艺术家。此外,以漫画见长的福永明子、以精准山水画著称的松泽真纪等女性艺术家也备受关注。 除了这些艺术家外,我们还想不定期展出新近加入画廊的北尾玲子、邦腾斯等新锐艺术家的作品,以及马蒂斯、雷诺阿、达菲、夏加尔、毕加索、藤田浩二等国际印象派经典画家,以及强调东方题材和技法的日本著名艺术家的作品!. 银座柳画廊老板的首要任务。 Noro先生对艺术的热情并不局限于画廊的经济成功。10多年来,野野先生一直在举办"银座画廊之旅"活动,带领观众参观银座各家画廊的同步展览,旨在恢复只有艺术才能带来的创造和发现的激情。 巡回展不可避免地需要参观竞争的画廊,但Noro并不担心会失去顾客,因为他的最终目标是"振兴日本的艺术产业"。他认为,多元化是继承银座丰富的艺术文化的关键,他欢迎其他画廊的存在,与艺术收藏家分享这种多元化。 在日本,个人收藏艺术品并不常见。据说,所有家庭中只有30%左右的家庭拥有艺术品。我想在日本人的心中灌输个人收藏的理念。在欧洲和美国,情况恰恰相反,很少能找到一个没有艺术品的家。这就是为什么我试图在我的画廊里收集高质量的作品。 我曾听到一位顾客说:"感谢艺术,我不再有自杀的念头。真正的艺术具有直接与观者心灵对话的力量。我希望更多的人能够体验到艺术,所以我的画廊专注于介绍具有优秀技能的艺术家,并推动日本艺术界的发展。 在Noro渴望活跃日本艺术和文化的背后,是他的成长经历。诺诺出生于一个艺术商人的家庭,从小被艺术之美包围,他想把自己的人生经历与他人分享。 在我三岁的时候,父母带我去了小矶良平的画室和轻井泽,在那里,我有幸与许多当时最伟大的西式画家和艺术家,如若田华、伊藤清永等共处。在我的家族传统中,家族的每个成员都与艺术家建立了紧密的联系,我很幸运能够认识他们。 诺诺天生就对艺术有着多方面的鉴赏力,但他的父母从来没有像日本文化中常有的那样,要求他接管家业。大学商学专业毕业后,野野先生最初以为自己会在一家大型贸易公司工作。在找工作的时候,他意识到艺术行业在召唤他,于是他开始在一家在日本和法国有活动的国际画廊做经销商。之后,他接管了家族企业,几年后成为东京银座梅田东京画廊的经理。在经营画廊三年后,他决定在东京的艺术中心建立自己的事业。 他凭借在优秀作品中培养出来的艺术知识,吸引了有才华的画家,为日本艺术家创造了一个新的基地。...

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装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 6月6日至7月13日,菊竹优人画廊隆重推出艺术家二人组作品展"为了想钉子"。 奈尔-霍尔是由两位日本年轻艺术家田中义久和饭田龙太组成的艺术家二人组,始于2007年,当时田中和饭田就如何提出和分享当代社会的问题进行了讨论。他们从2007年开始合作。 今年在菊竹丰画廊举办的展览,将展出以大分县别府市为灵感的作品。去年夏天,内尔-霍尔参加了在别府举办的名为"KASHIMA"的居住项目。在这个项目中,她研究了日本最著名的温泉胜地之一别府的历史,从明治初期到第一次世界大战和第二次世界大战的历史。 内尔-霍尔的研究范围从别府人的口述历史到当地的资源和温泉的自然环境,以及伴随着历史发展而来的文化方面。 研究成果以13幅作品的形式展示在葵之家、别府公园以及他居住的商业设施的墙壁上。此次在东京Yutaka Kikutake画廊举办的展览中,我们还将展出上述作为东京项目而构思的新作品。新的作品也是基于在驻地进行的研究。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 他们作品的有趣之处在于,每一部作品都有自己的故事。比如,《金先生的肖像》是我与当地一位金先生的对话所得到的灵感。金先生的肖像》背后的故事是这样的向尼赫鲁讲述了在朝鲜战争中当兵的人,回国后开韩国烧烤店的故事,以及二战后移民日本的朝鲜人在日本生活的故事。这部作品的诞生,是因为聆听了在日本的韩国移民的故事,他们现在已经成为当地人,让我们感受到不同背景的人的历史和生活。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 野豚"和"节拍器"的灵感来源于别府动物的故事和经历。尼赫鲁听说别府的河流中居住着热带鱼,便到堺河下游寻找瓜皮鱼,结果找到了。虽然石斑鱼原产于南美洲,但它已经成为当地的一种鱼类。豚鱼已经适应了环境的变化,看起来更像一条鳉鱼,但它的腹部仍然有着热带鱼特有的鲜艳。此外,通过《节拍器》,Nelhole还将个人经历与当地动物的记忆结合在一起,当我去看高崎山的野生猴子时,那里有1200多只猴子,我看到父母猴子在它们死后的几个星期里都在背着和抱着它们的小猴子。我很惊讶。这种行为是由于没有接受这种情况。在回家的路上,内尔霍听着与猴子心跳节奏相同的节拍器安静的声音,他回忆着猴子的行为。 ...

漫画如何作为艺术传播?Shueisha的漫画艺术”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”已经开始。

冈本:非常感谢您的评价。但我也不想和"艺术市场"中现有的流派对着干。艺术有很多不同的流派,不管是绘画还是雕塑,我不想在市场上和他们竞争,抢走他们的市场份额。我不想和他们竞争,抢走他们的市场份额。 我更愿意和其他流派合作。例如,你可以与工艺美术师合作,制作一个漆画框。如果你想把你的作品作为一个艺术作品,作为一个日本的创作来呈现的话,我觉得和其他流派的合作很重要。 井口:在将漫画拓展到其他艺术类型的同时,我认为要与现有的艺术产生共生关系,创造新的价值。 冈本是的,这就是我认为有趣的地方。到现在为止,已经有了海报和复制品。但从来没有把漫画作为艺术品来开发的想法,以保证艺术品的质量。当然,这对树德社来说是第一次,我想这对行业来说也是一个新的东西。 井口:你刚才说"作为艺术",但从这个意义上讲,我觉得用区块链发证是很有意思的,或者说,它在某种程度上是直指问题的核心。作为一个从事艺术的人(笑),我可以想象,当人们听到区块链和证书时,他们可能会想到分销、价值形成和抵押品。(笑)我可以想象,当他们听到区块链和证书的时候,他们会想到发行、价值形成、抵押品,这次我觉得会作为一个多作品来发展,到时候就必须要谈版号管理。 冈本:没错。这正是让我认识到这个项目潜力的初衷。我不想被人认为是在卖复制品。在这种情况下,我需要设计一种方法来管理这些版本和发行它们,或者说是一种逻辑,让它们作为艺术品在市场上流动。从这个意义上说,Startburn的区块链系统是一个很大的催化剂。 井口:我觉得你刚才说的有一点,"作为艺术的分配"是非常重要的,我觉得当代艺术是一个系统而不是一个流派。但是,当我这样想的时候,虽然可能是重复我前面所说的,但是在版画、照片等可以复制的作品的发行过程中,版本管理,或者更具体地说,市场价值的管理就变得非常重要。 冈本:我想你是对的。 如果我们能通过这个问题,那么我认为已经奠定了基础。在今天的当代艺术中,有一种倾向,那就是接受原本来自外界的人,比如KAWS。所以街头艺术、波普艺术或插画已经成为一种流派。也许我说得太夸张了,但我认为新类型的漫画有进入这个领域的基础。如果我说这样的话,可能又会被别人骂我说的太多了(笑)。 冈本:没有,但我明白你的意思。但这也是为什么要用心创造价值的原因。包装、运输也是如此,当然还有证书。 井口:在法国,漫画据说是第九艺术(笑)。但正如你所说,当代艺术是一个机制的世界,是有规则的。你按照"礼仪"或者说商业惯例来做,很隐忍,我觉得你对这个项目很认真。 冈本但如果从这个角度来谈,另一方面,我想避免与当代艺术,或者说与美术的核心对接。我意识到漫画的背景,美术方面有现有的方法和技巧。我认为,试图强迫自己去顺应这一点是不好的。当然,我一点都不忽视,这也是为什么我们要讨论区块链证书... ...我想把它确立为更广泛意义上的艺术,我认为有必要思考它本身的背景和价值。 我明白了另外,在价值方面,这是我个人的观点,但我认为,价值是一种被感知的东西,当一种共同的价值,或者说认可被创造出来的时候,它就会成长。当这种共同价值增长时,整体价值就会诞生。我对漫画艺术如何创造艺术价值非常感兴趣,我认为这里面有很大的潜力。 以"漫画艺术"的方式来传承漫画。 井口:说到问题的核心,或者说说得更深一点,您觉得这个《修真漫画-艺术遗产》和复制品最大的区别是什么? 冈本:最大的区别是研究和修复。其实,原创漫画作品褪色、变质的速度非常快。它们比油画要脆弱得多。这是因为以周、月连载为基础的漫画原画,为了适应生产速度,往往使用容易干燥的染料油墨。这些油墨是漫画的表现力所在,但它们也会很快褪色和变色。另外,还有很多因素会损坏纸张,比如粘贴成绩单的粘合剂。 井口:我明白了,所以你没有让原图持续时间更长的想法,因为你认为它会被打印出来。 冈本是的,没错。我听说有的档案专家说,档案的寿命不超过100年。即使它们被存放在适当的设施中,也是如此。所有的漫画原画都在以持续的速度恶化。所以,我在做这个作品的时候,就研究了一下原来的状况是什么样的,一边做一边还原。 井口:不只是简单的印花吧? 冈本:没错。而且与漫画不同的是,原图是放大而不是缩小。所以,如果你从摄影到印刷都没有做好,最后得到的东西是无法欣赏的。从生产到发行,一切都要经过严格的控制,所以我们不能简单的说我们是做复制品。 井口:把它做成艺术,我们就把它留下来。 冈本通过把它们作为图片留下,换句话说,作为给人一种与漫画状态不同的体验的东西。如今,我听到纸质原件在拍卖会上被卖出高价的故事,但原件却没有被及时保存下来。我们有数字档案,但原纸只怕是越来越差了。所以这个项目如果产生了资金,可以用于研究艺术品原件的存放,当然也可以返还给艺术家。 井口:你可以为漫画家创造一个新的活动领域。 冈本那正好,漫画的世界也越来越艰难了。艺术家仅靠稿费和版税谋生是很难的,但如果能把自己的画作当做艺术,也许就能看到不一样的可能性。今后,我想把新漫画家的画也变成艺术品。 井口:这样一想,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的目标就很明确了吧?漫画的传承,以及漫画家的新可能性。 冈本:漫画毕竟是日本重要的产业和文化。我们要在适应时代的同时,思考如何传承,我想这也是一直把漫画送出去的书生社不得不重视的问题。我想仔细地,当然也想挑战地建立漫画作为艺术是否可行的问题。 冈本正志 - 冈本正志 昭和漫画-艺术遗产"的导演。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。先后在女性杂志和女性杂志门户网站工作,参与漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。他还将《周刊少年Jump》等漫画杂志的制作环境数字化。转入数码部后,先后推出了"漫画工厂"和"SSDB(树艺社综合数据库)"。 太井口 大学毕业后,他加入了一家老牌的音响设备制造商,并在亚太区总部开始了他的职业生涯。2015年加入耐克日本公司,2017年担任日本直营店供应链经理,参与全球项目,并在日本启动和执行多个新项目。2018年11月1日,他成立了TRiCERA公司。 网站网址https://mangaart.jp/

Feature Post

艺术在家–时尚装饰的简单指南

艺术为空间注入生命 还记得当你离开电影院,回到现实中时,或者当你度假回来时,那种令人振奋的感觉吗?用原创的艺术品来装饰你的家,其实和那些效果是一样的,那就是让你从枯燥乏味的套路中释放出来,让你充满了活力。 很多人可能突然进入了智冠时代,发现自己家里的环境并不适合。有时候,我们的"新基地"设备不完善,无法应付所有的工作、饮食和休闲,因此,适当地升级一下。不难看出,艺术是一个很好的开始。 如果你有印刷的艺术品复制品,这时候正是体验原作力量的最佳时机,如果你没有收藏历史也没关系。这是开始的最好时机。 为什么是原创艺术? 原创作品和电影演员一样,有自己的个性和魅力。在细节中,记录着艺术家的心路历程,比如油画中颜料的层次、色彩的交融、情感的笔触都在诉说着故事。换句话说,原画中还蕴含着一种生命的能量。 是否显得难以选择? 为你的房间选择合适的艺术品并不复杂。让我们分五个简单的步骤来看一下。 前三个步骤 第一步是思考房间的目的。比如,我会想象"客厅的温馨气氛"、"餐厅的振奋气氛"、"卧室的沉稳"、"儿童房的创意"。这个有目的的心情目标会像北极星一样指引我如何将艺术与室内设计相匹配。 二是要考虑风格。简单来说,让-弗朗索瓦-米勒的名作《落耳》对于客厅来说,搭配现代风格的茶几和黑色的皮沙发,并不是很有风格。相反,如果你想统一房间的精致氛围,那就不用说了,你应该选择一件时尚的艺术品来展示。 第三步是色彩协调。这听起来可能令人望而生畏,但不必畏惧,只要问自己这样的问题,就能很快解开谜底。"你最喜欢的地毯、窗帘、沙发颜色或地板颜色是什么?哪些颜色的存在感强?等等。而答案很简单:一致性。只要注意色彩的搭配,就能轻松打造出具有凝聚力的造型。 我们再来看一个例子。上图中的房间(1)是一个氛围轻松的客厅,(2)从家具的设计和材质来看,风格随意自然。(2)从家具设计和材料来看,风格随意自然。然而,淡雅的艺术和房间的共同颜色蓝灰色、坐垫的黄色、木质材料的棕色,却又是相通的。如果没有艺术作品,这个房间可能会显得很分散,但现在却因为这件作品而变得和谐起来。 第四步:寻找好玩的演员 既然场景已经设定好了,那么就可以进行有趣的艺术搜索了。每一件作品都是独一无二的,就像一个演员一样,表达着主人的性格。在上面的例子中,从客厅里那张轻快的图片可以想象出主人的热情个性。当你看到它时,很容易找到适合自己的作品,所以我希望你能解放思想,从直觉上而不是理论上寻找它。例如,我会选择下面这款作品作为儿童房,因为它的创意和随性的个性,大胆的色彩和不同材质的混搭。 最后一步:掌握空间 最后一步是了解房间。不管你信不信,艺术的加入可以让有限的空间"视觉扩张",因为在大城市里,豪华的空间很难得到。原因就在于光学错觉。通过在空间中加入平行线,可以营造一种扩张感。我建议在横向开阔的空间,比如沙发上方,挂一块横向的长方形,在狭窄的空间,比如走廊,挂一块纵向的。这间餐厅,看起来就像一条死胡同,如果没有挂毯,会显得很拥挤,但垂直的线条让它有了深度。顺便说一句,这也是一个很好的色彩协调的例子,供参考。 色彩在空间感知中也起着一定的作用,浅色调和风景的艺术品一般都能提升扩张效果。另一方面,较深或较鲜艳的色调能集中眼睛的注意力。 比如,在小卧室里,一幅山水画,简单的色彩搭配,就能瞬间营造出一种空间感,让人忍不住想深吸一口气。 去哪里找? 我们生活在一个便利的时代。如果参观艺术画廊似乎太吓人,不用担心,还有网上市场。与传统的画廊相比,它们通常提供更广泛的价格和风格,你可以在闲暇时用方便的过滤器和关键字搜索来浏览。你可以搜索:TRiCERA.NET就是其中之一,它以东京为基地,介绍世界各地从年轻到经验丰富的各个阶段的艺术家。受益于艺术产业日益数字化,发现一件新的喜爱的艺术品从未如此容易。 ArtClip还将发表对一位美国客户的采访,这位客户本身就是一位爱好收藏家和艺术家。如果您有兴趣了解更多关于她在TRiCERA的购物经验,她为什么要为自己的家购买艺术品,以及她是如何选择的,请不要忘记订阅我们的新闻通讯。

关于东京国立艺术中心的”影像叙事”展”日本当代艺术中的文学”展,东京国立艺术中心

北岛敬三,《TSILCARL VILLAGE ARMENIA》(选自1991年苏联系列),1991/2019,颜料版画 66.0×93.0cm 艺术家收藏 ©KITAJIMA KEIZO。 2019年8月28日至11月11日,东京国立艺术中心将隆重推出六位日本当代艺术家的群展。展览的题目是"影像的故事"。日本当代艺术中的文学"。顾名思义,此次展览主要关注日本当代艺术界的文学表达。展出的作品有共同的文学元素,它们像诗歌一样,以隐喻的方式表达。他们建议不要直接表达信息,而是想象作品中的时间、地点和人物。 根据东京国立艺术中心官方公布的展览公告,有一句话"Ut pictura poesis",意思是"绘画是诗,诗也是画",源自古罗马诗人贺拉斯的《阿尔斯诗集》。在解释绘画(视觉艺术)与诗歌的密切联系时,经常引用这句话。 本次展览展出的六位日本当代艺术家的年龄跨度很大,从上世纪50年代出生的北岛敬三到上世纪80年代出生的宫林。一进博物馆,第一个房间就被活跃在国内外的田村雄一郎占据。整个房间将是他基于"幻觉"概念的新作《天眼》。艺术家着重介绍了"幻觉"在日语中的意思是"天空中的眼睛"。考虑到从文字和图像中衍生出的故事,将更有助于欣赏他的作品。 在第二展室,宫岸将展出为本次展览创作的新装置作品《在灯火通明的房间里》。 在本次展览中,宫岸将展出由26张照片、5段视频和声音组成的新装置作品《两个人物的对话》。作品中呈现的风景和对话与宫城的经历密切相关。宫城一直关注与冲绳有关的性问题和少数民族问题。通过作品激发观众的想象力,他对围绕冲绳的社会问题提出质疑。 小林绘里香,《我的火炬》,2019年,C版画54.9×36.7cm(每张,一套47张)。 艺术家的收藏 ©小林绘里香 提供 菊竹优人画廊 照片:野川加奈。 来自东京的艺术家小林绘里香将在3号房间展出一件装置作品,追溯核武器的原材料铀和1940年东京奥运会火炬的故事。小林主要讲述了奥运火炬从未到达日本,以及日本试图从德国进口铀来研制原子弹的讽刺故事。 第四,丰岛安子对架子和面板的重新诠释。在"架子"系列中,丰岛设计的架子,其腿部的设计比架子的主面板要精致得多。丰岛以此颠覆了架子的主次作用。这种对一个普通物体的简单改造,让我们想到了自己对它的认知。此外,在他的面板系列中,他不是加工胶合板的表面,而是加工面板的背面。...

科阿兰诺夫–具有动画与现实主义魅力的女孩

菲律宾年轻艺术家Coaranoff使用iPad创作半写实到动画的画作。她的作品描绘了引人入胜的人物,并以温暖和焦灼的色调渲染,创造出光与影的对比。 她的作品特点是注重女孩的姿态,而不是作品背后的故事,因为她喜欢描绘可能是某人记忆中的场景。她的绘画灵感来自于很多方面:音乐、朋友、演出和梦想,她希望人们能够享受这些记忆。 过去,她曾与音乐人合作,也曾翻唱过新发行的歌曲。我很期待未来能与音乐人和插画师合作。他希望继续扩大自己作为艺术家的活动范围,所以趁着他的作品还在,不妨去看看。       查看更多详情               查看更多详情               查看更多详情               查看更多详情               查看更多详情

现象与想象之间–艺术摄影专场

与绘画不同的是,摄影的表现形式符合实际的物象和事物,其特点是在不小的程度上受制于主体的局限性,同时也因为它不能只靠艺术家的想象力来完成,所以很有意思。打在被摄体上的光量、空气的状态、与被摄体的角度和距离,以及被摄体本身,这些都是摄影成为艺术家媒介的因素。这也是一种乐趣。 Kohei Fukushima 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 KEISUKE UCHDA 点击这里查看艺术家的详细资料 ATZSHI HIRATZKA 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Yoshimitsu Umekawa 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Yasuaki Matsumoto 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 Yumiko Kamoto 点击这里查看艺术家的详细信息 Shinya Rachi 点击这里查看艺术家的详细信息 JG. Heckelmann / JG. Heckelmann. 点击这里获取更多关于艺术家的信息

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