星期四, 10月 28, 2021
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西村幸子:日本萨满教书法家访谈录

“我觉得和神灵有联系,我注重表达人物的意义。” Yukiko Nishimura 西村幸子是一位艺术家、书法家、设计师和企业主。她是国际知名的礼服设计师,是国际小姐和地球小姐的官方设计师。她还拥有一家名为”Ar.Yukiko”的婚纱公司。她不断用自己的艺术才华鼓励和激励人们。本期《TRiCERA》将介绍西村女士的书法作品。在这次的专访中,你将了解到西村女士的成长经历、她所使用的汉字,以及她与神灵的联系。 西村先生使用的汉字。 他与众神的联系 西村的书法作品 在哪里可以买到西村由纪子的艺术作品 西村使用的汉字 “这是日本现在使用的汉字的原形。” 西村幸子的财富 我从未见过有人画古汉字书法。你是怎么开始的? 遇到一位只画古汉字的书法老师,我就爱上了它。此后,我开始学习和制作原创作品。 什么是古汉字? 大约在公元前3200年,也就是纸张发明之前,中国古代就开始使用,是日本现在使用的汉字的原始形态。在中国古代,统治者接受神谕,古文字被刻在兽骨和龟壳上。 西村幸子的《龙》。 你觉得它的魅力在哪里? 因为是象形文字,所以即使不懂汉字的人也能理解其含义。另外,因为和萨满教有关系,所以有我的书法作品的人经常说,这些作品有一种神圣的力量,能改变一个房间的气氛。 与神的联系 “这些经历让我画出了我认为带有神圣力量的书法。” 你在做书法的时候有什么情绪? 我感觉到与神灵的联系,注重表达字母的意义。我的作品的独特之处在于笔触优雅而又有力,在书法中表达字母,犹如神来之笔。 今天画古字对你有什么意义? 从16岁到22岁,我在神社当了7年的宫女。我还在一所大学学习过神道教和萨满教,日本80%的神社首席祭司都受过教育。我觉得自己与神有很强的联系,觉得自己能够通过工作与神对话。这段经历让我画出了书法,我相信书法蕴含着一种神圣的力量。 西村幸子的《花》。 西村的书法作品 “我选择画那些能对看到我作品的人的生活产生积极影响的人物。” 如今,她是一名礼服设计师、婚纱公司创业者、艺术家。从这些经历中,你是否有什么元素融入到你的书法作品中? 我相信,无论是设计还是当代艺术,都需要原创。另外,我的书法作品传达的是我自己的世界观,不能模仿。 如何决定画哪些人物? 我画的人物能对看到他们的人的生活产生积极的影响。 什么样的人买你的书法作品? 投资数十亿日元的大投资商,代表日本参加世界杯的运动员,以及其他希望带来好运提高成绩的人都会购买我的作品。这些人似乎想拥有光(光)、神(神)、福(福)。 西村由纪子的作品在哪里买? TRiCERA展出了许多西村幸子的书法作品。想了解更多关于这位日本新锐艺术家的信息,请访问我们的当代艺术页面。

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独特而迷人的纸艺世界–第一部分

你小时候喜欢用纸做手工吗?我当然有! 我折了,剪了,粘了,组装了,上色了,画了。在我成年之前,可能性似乎是无穷无尽的。成年后,它成了我接到电话时记下的东西,或者贴在电脑上提醒我截止日期。它已经失去了魔力,除非你在看《玩具总动员》。最近,我发现了一个神奇的天堂,在这里,神奇的生命力得到了充分的发挥,那就是纸艺的领域。请允许我与各位老少咸宜的纸友分享。   照亮纸张,纸张不仅是一种包含艺术的媒介,也是一种施展创造力的材料。剪纸是最受欢迎的纸艺形式之一。我也很喜欢它细腻的做工和材质的温和质感。(请在TRiCERA.NET上搜索"纸",在"材料"下查找。)但意识到这两位艺术家所带来的可能性,就像在炎热的夏日在冰川湖中畅游一样,让我这个成年人的眼睛非常清爽。山下哲司--他那无与伦比的技术被称为"纸质拼布";拉西-巴里--她那活泼的人物被称为"纸质雕塑";我相信你一定会同意我的观点,"纸质拼布"是形容这两位艺术家作品的最佳方式。     深入挖掘你所看到的,倾听它告诉你的,山下哲司是一位享誉国际的日本艺术家,他从非洲汲取灵感,在那里他找到了自己真正的使命。乍一看,如果不是质感跃然纸上,我差点以为是一幅画。从非洲部落的色彩和图案来看,我以为会是某种复杂的织品,但事实并非如此。我弄错了都是把小纸片剪下来,层层叠叠地叠成大纸片,很复杂,很细致,很缜密!他的幕后视频是他手艺的完美展示。   视频   https://youtu.be/H4tG-SOuHQ8   更为独特的是,他的原创诗歌伴随着视觉作品。故事中永恒的信息完成了他的作品,仿佛象征着人的无常。他说:"纸是活的。这一分钟的纸片就像一个个音符,而作品就是乐谱"。的确,你几乎可以听到他那宏大的纸质管弦乐和抒情诗词的和谐之声。深入研究你所看到的东西,倾听它告诉你的东西。     无限的活力和都市的精致,在加拿大的荒野中长大的莱西-巴里"经历了自然和文化的奇妙,从五彩缤纷的北极光到当地第一民族部落丰富多彩的礼仪服饰"。她令人惊叹的立体纸艺将她所见证的美丽结晶化。与山下哲司的作品不同,一目了然,纸是首选材料。然而,我不敢相信自己的眼睛,这是纸。它的形状可以是一根羽毛,一朵花,也可以是一栋建筑。我小时候经常做复合折纸和牛奶盒机器人,但这是另一个层次的。她对纸和纸板的工程的掌握是没有极限的。     此外,还值得一提的是,那些巧妙地将无边的活力与城市的精致相结合的作品。例如,《独角兽的翅膀,第1版》中大胆运用色彩和渐变,将大自然母亲的能量展现得淋漓尽致。它是如此的逼真,我们可以想象她一定看到过各种色调的极光。她的系列花卉壁挂因其部落和几何图案围绕着优雅的花朵而脱颖而出。虽然她创作的可穿戴艺术有本土的图案,但她对这些图案的诠释是现代的。也许这种艺术的本能是一种财富,使她有资格被称为"多面手"。她的作品看似冒险,但经过打磨的作品会装饰你的日常。     纸不仅仅是艺术的媒介。有了他们这样的艺术家,我们这些艺术爱好者的目光就无法从纸艺的领域中移开了,作为一个艺术家,我将在即将到来的艺术家中把你列出来。想了解更多有趣的发现,别忘了订阅我们的ArtClip通讯!   更多山下哲司的作品,请点击这里 https://www.tricera.net/artist/8100122更多Lacy的作品。巴里,点击这里 https://www.tricera.net/artist/8100782

当代艺术能不能成为一个游乐场?

"现在是玩的时候"东京现代艺术博物馆     长大后,有人告诉你,不要再玩游戏了,不要再和玩具、朋友玩了。成年后,你可能会发现自己在重复同样的事情,并问自己这些问题。我们可能会想这样的事情:"我是应该停止和哥们儿一起玩,还是应该更加努力学习,更加努力工作?   是的,生活从来都不容易。每个人、任何时候都是如此。那么,什么时候才能有时间好好地"玩",什么时候才能真正地喜欢上玩什么呢?你需要工作和学习的时间,但不要低估游戏时间的重要性。因为游戏时间可以让你有机会看到自己和世界的新价值。   那么,你是如何看待当代艺术的?当你去博物馆或美术馆的时候,你觉得这是一个玩的时间吗?如果不是,您是否认为当代艺术是一个困难的课题,需要更多的研究和发现?不管你怎么看当代艺术,有人说它很难。   东京现代艺术馆正在举办名为"Time to Play Now"的展览。本次展览的设计,不仅让孩子,也让大人享受到当代艺术的"游戏时间"。     本次展览展出了6位艺术家和艺术家团体的作品,他们分别是:Yoshiaki Kaihatsu、Kazuhiro Nomura、Team Hamburg、Tanotaiga、TOLTA和Usio。每件作品都是游客可以参与的游戏。一进入第一个展室,就会看到一个巨大的柜子覆盖了整面墙。除了规模过大,柜子也很抢眼,因为它是一面巨石攀岩墙。参观者可能会被作品所吸引,但柜门却通向另一个展室。作品看似幽默风趣,但据艺术家海发义明介绍,这面"考试墙"其实是对考试压力和紧张的一种表达。       另一件有趣的作品是Tanotaiga的《Tanonymous》,Tanonymous是一件用无数面具覆盖整面墙的作品。众多的面具,以艺术家毫无表情的面孔为基础,由观众从参与式的工作坊中逐渐变成各种面孔。在工作坊中,观众用博物馆准备的材料自由装饰素面面具。最终,所有这些不同的面孔都将作为"Tanonymous"的艺术作品展出。   艺术家谷田贺在他的艺术作品中基本探讨了社会制度和价值观,并探讨了大众媒体和标准化符号在我们日常生活中的力量。作品名称"田野伊玛苏"是艺术家的名字"田野加"和"阿尼姆斯"的复合词。通过他的作品,艺术家批判性地审视了标准化的社会和弥漫在当代社会的匿名性。通过让观众随心所欲地装饰面具,观众最终同时成为观众和创作者。在博物馆里同一张面孔逐渐变化成各种面孔的过程中,艺术家似乎想传达自己的思想。   和朋友玩耍,玩玩具,任何一种玩法都能给我们充电的时间。艺术家通过展览表达了与社会相关的主题,展览和博物馆也成了游乐场。在当代艺术成为游乐场的意义上,我们可以说,它是值得看(玩)展览的。观众的参与成为作品的一部分,在某些情况下,观众的游戏痕迹可能会作为作品的一部分保留下来。   东京当代艺术博物馆将举办"现在是玩的时候"展览,展期至2019年10月20日。除了参与性的艺术作品,还有相关的项目和工作坊,观众可以和艺术家一起玩耍。更多详情和信息,请访问https://www.mot-art-museum.jp/en/exhibitions/time-to-play/。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

漫画的人工化会产生什么? Shueisha的”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”旨在打造下一部漫画。

SHUEISHA的"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是由Shueisha将漫画原画转化为版画作品的项目。这次我们邀请到了树艺社数字部的冈本正文、收藏家小池爱和艺术家曾周,从各自的角度出发,就"漫画艺术"的潜力及其与艺术产业的互动进行了圆桌讨论。 作为方法论的艺术是否会改变漫画的传承? - 我想说的是由树艺社与导演冈本正志、收藏家小池爱、艺术家曾周共同发起的跨界EC项目"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。首先,冈本先生,请您简单介绍一下这个项目,据我所知,这个项目的灵感来源是漫画档案? 冈本正志(OkamotoMasashi)是的,这一切都始于2007年左右由树枝社开始的漫画数字档案馆(简称CDA)。当时,"数字档案馆"这个词本身还很陌生。随着时间的推移,我们当然是用它来做数字漫画,但我们也在寻找其他的漫画输出方式和向世界传达的方式,其中一个结果就是"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。 第一,它不仅仅是对原作的简单复制,而是本身就是一件艺术品;第二,它与Startburn的艺术区块链网络Startrail相连,记录每件作品的历史。最后,作为文化厅参与的项目,基于如何将纸质漫画传给后代的问题意识,启动了漫画原画档案。虽然时间有点长,但这是项目启动的三大支柱。 - 我觉得漫画的制作和发行有继承的一面,但我觉得这种"矫情"对观众,当然对创作者也有不同的逻辑。 冈本:我想问一下两位的看法,从项目方来说,当我们想到"把艺术变成漫画"的时候,我们就会想,把漫画放到美术的语境中去发行,是不是真的是一个好主意?漫画是漫画,艺术是艺术,它们在不同的背景下发展起来了。这就是为什么我们叫它"MANGA-ART",在漫画和艺术之间加个连字符。我觉得不如说我们正在创造一种新的漫画艺术流派。 小池爱(小池)我觉得这是一种很好的思维方式,或者说是一种很灵活的思维方式。我也很喜欢你这次选择用跨境EC。从市场来看,全球艺术品市场约为7万亿日元。在日本,它的规模要小得多,所以我觉得针对海外市场的这种举措是一个非常好的决定。 冈本:非常感谢您。那么,在日本,大概是3500亿日元吧? 小池你用"大量的估计"作为前言。如果我们专注于纯交易,通常说是2500亿日元左右。 冈本:我明白了。以漫画为例,去年数字漫画的销售额约为3500亿日元。而这只是在日本。如果包括世界其他地区,甚至纸质漫画,市场就会变得更大。我认为漫画与其不敢完美适应美术的风格,不如利用其作为漫画发展的背景。当然,我认为可以和美术界的人合作。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本:当我想到那个"把漫画变成艺术作品"的时候,我想特别问一下作为艺术家的曾周你,它的真实面貌如何。 曾超先生,你用油画创作的作品,质感很鲜明吧?艺术家的手直接参与到作品中,可以说,作品具有很强的物理感觉。这次您的漫画艺术不同于传统的油画或作品的触感或立体感,而是注重平面感,但我想问您作为一个画家对此有何感想。 曾周是的,一般来说,美术绘画更注重物质性和物理性。他们往往更看重物质感,而不是二维的形象,我觉得这和漫画的思维方式很不一样。  但说到平面,我想到的是村上隆的《超平面》。在中国,也有一些作品具有动漫、漫画的语境,但评论家反应并不好。他们说:"日本的质量更高。所以,从某种程度上来说,我觉得这是日本人特有的一种思维方式,或者说是一种制作方式。 - 你提到了物质性,但这次你对印刷品的要求特别高。我认为技术层面上,特殊印刷技术的运用,使其具有了作为物品的价值。 冈本:非常感谢您。这是一个时间问题,我觉得我真的很幸运。我有一台特殊的印刷机器和一个特殊的工匠。 为了《Shonen Jump》,我们每周都会制作凹凸不平的树脂版,用大凸版印刷,但这是用质量不好的纸张印刷的。纸张和印刷都不值漫画周刊的价格。但我想,如果我真的在凸版印刷上印出漂亮的图案,会怎么样呢?要做到这一点,你需要的是一台能够高质量印刷的凸版印刷机,而不是一台高速印刷的轮转印刷机。听说以前东京有很多,但现在几乎没有了。这一次,京东印刷集团找到了长野有一家印刷公司,我们请熟练的工匠进行印刷。 小池听完你刚才说的话,我在想,这就是团队合作。基本上,一个艺术家单独用油画和丙烯画创作是有吸引力的,但漫画是一个综合的创作,漫画家、编辑、印刷厂都在一起工作。 冈本是的因为漫画的背景其实是出奇的陌生。但这些机器和技术如果不改变,就会失传。如果这成为一个契机,将他们传递出去,我想这将是非常有意义的。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本这是一个精致平衡的世界,不是吗? 小池不,真的是这样。我对年轻艺术家特别小心。日本的拍卖会越来越受欢迎,但如果在日本的价格过高,外国画廊就不会善罢甘休,或者不愿意与之打交道。他们说:"我们这样做是赚不到钱的。但另一方面,如果价格相对于质量来说比较低,他们认为还有发展空间。 冈本:哦,如果价格已经确定了......。 曾超:二中在中国也有非常大的影响力。特别是在香港,它是非常强大的。不过也有一些艺术家被卷进去了。 小池当然,在国内市场的固定经济范围内工作也是一种方式,但根据艺人所处的阶段,如果二货的价格只增不减,很难走向世界。 在当代艺术的世界里,需要这样一丝不苟的处理,我想这个项目可以让大家的思维更加灵活。即使建立二级市场,也不会对漫画家产生巨大影响。此外,它的区块链管理得很好。 冈本:区块链是一个很大的诱因。一部作品的历史会被记录下来,未来还有空间去考虑追诉权等问题。即使是树艺社出版的原版复制品,在二级市场上的售价也很高,我想研究如何利用区块链系统将利润返还给艺术家。 另外,在职业方面,这次我们是请三位老师,但最终还是想请新的漫画家。 我觉得很多纸质漫画杂志的结构越来越严谨。除了漫画杂志的稿费和漫画的版税之外,我觉得如果漫画艺术能够发展成为一种收入形式,也是一件好事。初出茅庐的漫画家一百万日元和老手一百万日元的分量是完全不同的......。 小池这是作者的新选择,由于LINE漫画和数字漫画的出现,成为作者的门槛降低了,但要想以此为生还是很困难的,有这样的选择真是太好了。....其实从4月份开始,我在一所艺术大学给包括漫画家在内的未来艺术家教授创业,这正是我所思考的问题。 冈本是的当然,我们要面对如何传承漫画的问题,但另一方面,这也是参与漫画本身的变化,以及漫画家自身职业的一种方式。虽然现在还很早,但是我想以一种灵活的方式来考虑项目的发展,包括你今天说的。 简介冈本正志|冈本正志"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"理事。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。在女性杂志和女性杂志门户网站工作后,参与了漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。 小池爱,1985年生于东京。毕业于庆应义塾大学法律系。大学期间在创业公司工作后,2010年加入了百合堂。2012年至2015年,她在私募股权基金Advantage Partners工作,参与收购(LBO)投资、被投企业管理和新业务运营;2016年起,她在Asuka Holdings工作,参与东南亚和印度的创业投资。2020年,他在日本创办了GO FUND。2020年12月,他将成为艺术YouTube节目《遇见你的艺术》的领航人。 曾超,1985年出生于中国湖南。他毕业于东京造形大学,获得美术学博士学位。他以"启音"和"伪舜石"两个关键词,将中国画的传统特色与当代艺术的视角交织在一起,并以一种全新的、独特的绘画语言呈现在祖国当代社会的各个方面。 SHUEISHA MANGA-ART HERITAGEhttps://mangaart.jp/

deTaka|生命表情在无常的世界里闪闪发光,生动而精致。

有一天,当大卫-鲍伊去世的消息传来时,活跃在牙医界的deTaka突然出乎意料地决定开始自己的作家生涯。大约是在他的亲朋好友出殡的时候。 作为艺术家,她2018年毕业于京都艺术大学,2019年参加了纽约jadite画廊的群展。在德库宁、毕加索、马蒂斯和塞西莉-布朗的影响下,他创造了强烈而大胆的作品,将粗糙的触感与丰富的色彩和材质结合起来。 虽然deTaka的主要媒介是丙烯画,但他的口袋很深,他的个性在他的混合媒体和数字表达中体现得淋漓尽致。他像杰克逊-波洛克一样在地板上作画,他的"东方歉意"与"西方流行"系列的背景,是他在学校时代受到英国摇滚音乐的影响,是对有限生命的敬畏,是在作品中灵活运用牙具,也是他独特的人生经历。我们相信,他一定会像音乐人一样,给观众带来越来越多的精致和强烈的感受。 有关艺术家的更多信息,请点击这里。

把艺术品放在枕头旁边。

你在家中的艺术摆放位置由你决定。它可以挂在墙上、客厅的架子上,也可以挂在床边。餐边柜的居民可能是一个钟、灯、眼镜、一杯水,或者是你正在看的一本书,但如果有一件艺术品,你睡觉时和起床时都能看到它,是不是很有灵感? 用艺术开始一天的生活,用艺术结束从早到晚的生活,怎么样? Atsushi Kaneoya 点击这里查看详情 Yu Namura 点击这里查看详情 Celia Debras 点击这里查看详情 Makoto Ogura 点击这里查看详情 Emi Yamamoto 点击这里查看详情 Saeka Komatsu 点击这里查看详情

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市野胜三:从传统到当代艺术的一步之遥。

"我想利用丹波烧特有的淳朴自然的泥土"。 Katsuiso Ichino 市野胜藏是市野家的第七代传人,在兵库县制作日本六大古窑之一的丹波烧。陶器起源于平安时代末期(794-1185),距今约850年。 1926年,日本哲学家柳宗吉和他的朋友们发起了被称为"民艺"的日本民间艺术运动。柳宗吉的想法是向世界介绍日本的日常艺术和手工艺,例如由不知名的工匠制作的陶器、纺织品和漆器,这些东西在艺术史上一直被忽视。柳氏收集了300件丹波器,并写了一本关于其美的书。在柳宗吉的努力下,丹波烧作为餐具的历史在90年前得以重现。一野胜造将丹波烧的技术作为当代艺术的新风格,将继续柳宗吉的"民艺"运动。 丹波烧的历史--丹波烧手艺人的家族。 粘土艺术 丹波烧的表现形式 从简单的餐具到当代艺术 在哪里可以买到一野胜祖的作品? 历史--丹波烧家族的手艺人。 炭化的"水刺",由一野胜藏创作。 丹波烧的历史有多长? 丹波烧的历史可以追溯到850年前,其起源可以追溯到平安时代后期(794-1185)。他们在山谷的山中建窑,制作实用的餐具。它一直在家族中传承,一直在制作时代要求的陶器,同时不断挑战新事物。我们感受到了这段珍贵的历史。力求做出这个时代才能做出的、只有我们自己才能做出的、独一无二的陶器。 你在20多岁开始培训陶艺师之前是做什么的? 我是跟老师学习西画的。我还学过一年的雕塑。我就读的大学并不是艺术类院校,而是关西学院大学,我的专业是经济学。 您出生于传统的丹波烧手艺世家,并追随祖先的脚步成为丹波烧艺人,为什么会选择这条路? 小时候,陶艺是我身边一直存在的东西,我对它并不感兴趣。但是,在我20多岁的时候,我在东京师从一位用陶瓷创作的艺术家。受此启发,我决定在家乡丹巴的窑洞里尝试制作当代陶艺。此后,我继续创作。 用粘土创作作品 丹波烧的特点是什么? 它的特点是泥质简单,质地朴实。丹波烧的限制不多,随着时间的流逝,形状变化自如。历史上的丹波烧反映了制作时代的需要。丹波烧的特点是,它是反映时代潮流的陶器。 一野胜宗的碳酸八角形"Mizunashi"(茶道用水容器)。 丹波烧为什么会盛产陶器?丹波烧的泥土与其他泥土有什么不同? 我想是因为这一带有丰富的适合制陶的泥土。属于山地土壤,含铁量高。...

森林中舞蹈的短暂艺术。

 烟花、玻璃、樱花......世界上有很多短暂的事物和物品。在它们身上发现美,是人类的基本天性。  蝴蝶是这些短暂的生命中的第一个。  它那不规则的翅膀扇动,似乎随时都会消失,那娇小的身躯,似乎只要你一碰就会碎掉。蝴蝶就像昙花一现的艺术,翅膀上的图案让无数人迷恋。  因为蝴蝶的美丽,所以一直被作为绘画和设计的题材,如日本花田设计中的"牡丹与蝴蝶"。在本文中,小编要介绍的是画布上翩翩起舞的蝴蝶。 Aira 有关艺术家的更多信息,请点击这里 山田久美子 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Anna Koshal 点击这里了解更多关于这位艺术家的信息

艺术在家–时尚装饰的简单指南

艺术为空间注入生命 还记得当你离开电影院,回到现实中时,或者当你度假回来时,那种令人振奋的感觉吗?用原创的艺术品来装饰你的家,其实和那些效果是一样的,那就是让你从枯燥乏味的套路中释放出来,让你充满了活力。 很多人可能突然进入了智冠时代,发现自己家里的环境并不适合。有时候,我们的"新基地"设备不完善,无法应付所有的工作、饮食和休闲,因此,适当地升级一下。不难看出,艺术是一个很好的开始。 如果你有印刷的艺术品复制品,这时候正是体验原作力量的最佳时机,如果你没有收藏历史也没关系。这是开始的最好时机。 为什么是原创艺术? 原创作品和电影演员一样,有自己的个性和魅力。在细节中,记录着艺术家的心路历程,比如油画中颜料的层次、色彩的交融、情感的笔触都在诉说着故事。换句话说,原画中还蕴含着一种生命的能量。 是否显得难以选择? 为你的房间选择合适的艺术品并不复杂。让我们分五个简单的步骤来看一下。 前三个步骤 第一步是思考房间的目的。比如,我会想象"客厅的温馨气氛"、"餐厅的振奋气氛"、"卧室的沉稳"、"儿童房的创意"。这个有目的的心情目标会像北极星一样指引我如何将艺术与室内设计相匹配。 二是要考虑风格。简单来说,让-弗朗索瓦-米勒的名作《落耳》对于客厅来说,搭配现代风格的茶几和黑色的皮沙发,并不是很有风格。相反,如果你想统一房间的精致氛围,那就不用说了,你应该选择一件时尚的艺术品来展示。 第三步是色彩协调。这听起来可能令人望而生畏,但不必畏惧,只要问自己这样的问题,就能很快解开谜底。"你最喜欢的地毯、窗帘、沙发颜色或地板颜色是什么?哪些颜色的存在感强?等等。而答案很简单:一致性。只要注意色彩的搭配,就能轻松打造出具有凝聚力的造型。 我们再来看一个例子。上图中的房间(1)是一个氛围轻松的客厅,(2)从家具的设计和材质来看,风格随意自然。(2)从家具设计和材料来看,风格随意自然。然而,淡雅的艺术和房间的共同颜色蓝灰色、坐垫的黄色、木质材料的棕色,却又是相通的。如果没有艺术作品,这个房间可能会显得很分散,但现在却因为这件作品而变得和谐起来。 第四步:寻找好玩的演员 既然场景已经设定好了,那么就可以进行有趣的艺术搜索了。每一件作品都是独一无二的,就像一个演员一样,表达着主人的性格。在上面的例子中,从客厅里那张轻快的图片可以想象出主人的热情个性。当你看到它时,很容易找到适合自己的作品,所以我希望你能解放思想,从直觉上而不是理论上寻找它。例如,我会选择下面这款作品作为儿童房,因为它的创意和随性的个性,大胆的色彩和不同材质的混搭。 最后一步:掌握空间 最后一步是了解房间。不管你信不信,艺术的加入可以让有限的空间"视觉扩张",因为在大城市里,豪华的空间很难得到。原因就在于光学错觉。通过在空间中加入平行线,可以营造一种扩张感。我建议在横向开阔的空间,比如沙发上方,挂一块横向的长方形,在狭窄的空间,比如走廊,挂一块纵向的。这间餐厅,看起来就像一条死胡同,如果没有挂毯,会显得很拥挤,但垂直的线条让它有了深度。顺便说一句,这也是一个很好的色彩协调的例子,供参考。 色彩在空间感知中也起着一定的作用,浅色调和风景的艺术品一般都能提升扩张效果。另一方面,较深或较鲜艳的色调能集中眼睛的注意力。 比如,在小卧室里,一幅山水画,简单的色彩搭配,就能瞬间营造出一种空间感,让人忍不住想深吸一口气。 去哪里找? 我们生活在一个便利的时代。如果参观艺术画廊似乎太吓人,不用担心,还有网上市场。与传统的画廊相比,它们通常提供更广泛的价格和风格,你可以在闲暇时用方便的过滤器和关键字搜索来浏览。你可以搜索:TRiCERA.NET就是其中之一,它以东京为基地,介绍世界各地从年轻到经验丰富的各个阶段的艺术家。受益于艺术产业日益数字化,发现一件新的喜爱的艺术品从未如此容易。 ArtClip还将发表对一位美国客户的采访,这位客户本身就是一位爱好收藏家和艺术家。如果您有兴趣了解更多关于她在TRiCERA的购物经验,她为什么要为自己的家购买艺术品,以及她是如何选择的,请不要忘记订阅我们的新闻通讯。

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这是一个样本。

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KIAF SEOUL 2019,韩国最大的国际艺术博览会之一。

第18届韩国国际艺术博览会举行   9月26日至29日,韩国最著名的艺术博览会之一的KIAF(韩国国际艺术博览会)在韩国首尔举行。     今年,作为KIAF的第18届,来自17个国家的175家画廊参加了此次活动。据官方介绍,此次活动约有8.2万人参观,销售额达到310亿韩元。这比去年增长了30%以上。虽然很难直接感受到网站的高销售数据,但似乎普通访客的数量明显增加。尤其是在年轻一代。这可能是由于当代艺术已经成为潮人文化的一部分。年轻一代往往更喜欢当代艺术。他们喜欢表现自己最近喜欢什么,喜欢什么。目前还不清楚访客数量对整体销售的影响程度,但似乎有一定的影响。   作为首尔最著名的艺术博览会之一,KIAF ART SEOUL 2019不仅通过参与的画廊提供了当代艺术作品,还提供了个人项目,亮点部分,各种关于热点问题的谈话计划和特别展览。今年,KIAF准备了名为"历史中的浪漫主义--韩国现代主义绘画"的特别展,以揭示韩国当代艺术家的风采。     这个项目的目的似乎是为了实现博览会构成的多样性。然而,由于许多画廊都展示了李宇焕、刘永国、白南准等当代顶尖艺术家的作品,因此,画廊展台和项目之间不可能有明显的区别。 不过,也有一些优秀的画廊坚持韩国当代艺术,引进年轻新鲜的艺术家,呈现实验性作品。仿佛是为了证明这些画廊的显赫地位,很多画廊的作品下面都贴着红色的标签。这或许是一种确认,不再有导致顶级当代艺术家出售的确定性。       参展画廊   参展画廊 许多国际画廊都参加了韩国最重要的艺术博览会--KIAF。PACE画廊继去年之后第二次参加,Lehmann Maupin今年也是第一次参加。今年,Lehmann Maupin首次参与,专门从事亚洲市场的Whitestone Gallery也参与其中。     有了这么多国际画廊的参与,KIAF有潜力进一步发展。挑战性的作品并不意味着没有市场,但我们希望看到更多的实验性作品。不要仅仅满足于标题,它是韩国最大最著名的艺术博览会。   本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

画出残缺的形体之外的美–专访沙美希。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家,2020年毕业于武藏野美术大学油画专业,从2016年左右开始,她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩,反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi,了解了她的作品背景和她至今的心路历程,正如她所说:"可爱的东西即使被分解,也能保持可爱的一面。     三越,你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外,还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗?   恐怕是感觉上的问题,但说到图案,最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩,但受父母的影响,我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏,通过这些,我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ,也许是我的作品倾向的缘故,经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上,我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情,我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ,另一方面,我不仅对可爱感兴趣,还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱,但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚,也许只是一种感觉,但我真的很喜欢这种状态。 ,并不是我有上瘾的爱好,而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱,我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想,我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中,不仅脸部,而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌,你对变形的身体也感兴趣吗?   就像你说的,除了性格化的女孩和她们的解体,我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西,而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中,有一个角色的身体被改造的场景,我特别喜欢这个场景。事实上,这是我唯一看的场景(笑)。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西,比如魔女的变身场景。 ,所以我一直想画一个会变化形状的身体,但直到遇到马多野爱的作品,我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色,但这就是瓦解的来源。   是的,是这样的 有很多时候,我会拿到一根冰柱,然后说:"哦,就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉,但从那时起,我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年,《联合》,116.7×91cm,描纸,油画和钢笔,画布。   在形成你现在的画作时,你是否有参考过其他艺术家的作品?   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响,但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色,她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家,但你要摆脱他们的影响是不是很难? 不,真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶,而自己的性格又容易模仿别人,所以我很担心。 ,但是,你们两个都是独一无二的,所以,比如艾-麦当娜的女孩,皮肤颜色不同,阴影使用荧光色,以及其他视觉上独特的部分,比如在眼睛里放字母,我禁止使用,或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性,我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为,我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙,也喜欢不经意间画出线条的时间。 ,至于涂料,我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料,让画面看起来凹凸不平,但近距离看我的作品,粗糙感很突出,我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好",现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗?   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体,但更多的是二次创作,我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候,我觉得更安心。我喜欢画布的重量,当我从侧面,或从一个角度,或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的? 你一直喜欢画画吗?   其实我上的是设计类的高中,所以对画画比较熟悉,学了三年设计,但是设计就是用来和人交流的,你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ,有很多作业要求,比如:"只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出,笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃,他们就会很生气。即使是交作业的时候,也会有人对我说:"你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年,《联合》,41 x 41cm,油画和钢笔,画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗?   不,我当时根本没有想到。初中的时候,我就想做绘本家,我很喜欢酒井驹子,但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ,但到了选择职业道路的时候,我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校,那里有一个油画课程的摊位。 太美了!也就是在那时候,我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了,不是吗?你到底是什么时候开始的?   在活动方面,是在2016年大学一年级的时候,我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展,也就是在那里,我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品,然后是在上面画了线条的丙烯画。 ,在这之前,我的作品甚至都不是女孩的作品,都是比较抽象的,我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条,但我用的是油画颜料,而不是现在的丙烯颜料,我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的,但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了,而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩,表情的深度和重量,但速度不适合我。...

Quick Insight vol.1 – Yuta okuda-

活跃于日本和台湾的亚洲艺术界,Yuta okuda试图通过生物和花卉来描绘和肯定自然秩序之美。菊地TAKEO KIKUCHI的时装设计师转为艺术家,我们采访了他的活动和背景。 首先,你能给我们简单介绍一下你的工作吗?我的作品是基于无意识的自我投射和自我诠释。在无意识的层面上,我想到了生物,在有意识的层面上,我把它们变成了汉尼亚、玛丽莲、科迈努等等。 我想不自觉地描写的题材总是花和活物,由此我试图在一幅作品中表达两个矛盾的主题,如美与丑、爱与妒、生与死。我的图案总是活生生的东西,我根据食物链的概念,画出自然秩序的美。 智慧 743×607,2019,颜料墨水/肯特纸业。 点击这里查看她的作品。 你以前是一个时装设计师,是什么让你成为一个艺术家?我想这是因为我有强烈的愿望,想成为一名艺术家。因为设计师和艺术家的本质是完全不同的。商业设计师是不需要有个性的。我们需要以一定的方式,按照一定的时间表来做某项设计。但这是有压力的。所以我觉得一开始真的就是"我只想画我想画的画"。 那你是不是马上就开始画画了?不,一开始我只是在家里涉猎画画。现在回想起来,当时的照片似乎很密集。我好像在发泄我的负面情绪。我根本没想过要给人看。一点儿也没有。可以说,这是我的毒素(笑)。 紫玫瑰(粉红x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你是怎么开始做职业艺术家的?有人认可我的工作,我的画。当我的负面情绪完全表现出来的时候,也有人说:"我喜欢你的作品"。这是个惊喜,说白了,让我感觉很好。这绝不会发生在一个商业设计师身上。在时尚界,你要编造一些东西,但在绘画界,你是赤裸裸的。我很高兴能把自己的这部分表现出来,并得到赞赏。就在那个时候,我看到我的一些朋友是艺术家,我很嫉妒他们的作品,所以我想,我也应该这样做。但如果我要做的话,我想把它当做一个专业的事情来做,而不是作为一个爱好,我不想半途而废。如果我要做,我想做得彻底。 你说你的作品是一种自我投射。你从一开始就有这样的立场吗?刚开始的时候,都是"不停地画"。我会画三天,睡半天,就想把它画出来。我画了三天,睡了半天,就把所有的东西都放出来,当我把所有堆积的东西,所有的东西都放出来的时候,我终于可以看到概念了。这就是"自我投射"。 这与时尚完全相反。在时尚界,化妆的概念是第一位的,然后你再从那里建立起来,但我在艺术界做的是发现自己,展示最真实的自己。如何裸露自己,如何将自己的这部分展现出来,是很重要的。我想看看我的经验是如何输出的。 抽象花束(深蓝色x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 以自己的经验为基础的工作,是不是很难得到意见?前三年我就跑出来了(笑),30年的人生,三年就跑出来了。(笑)但我认为这是我生命中最重要的30年。我想我可以再深挖一下。回想这三年来,我的真性情是什么,我的底子是什么。所以从现在开始,我要接受各种事物,做出新的东西。 最近,您的作品中多用了苏米墨。这种变化是有意为之吗?我的工作确实发生了变化,因为它还与我有关。即使让我画出与过去一模一样的图画,无论是物质上还是精神上,都是非常困难的。虽然会变,但我可以说的是,我现在做的事情没有任何谎言。我真的没有任何怀疑。就像我前面提到的,我的画就是要让我能有多赤裸,能对自己有多诚实。所以如果你从这个角度去想,我想我可以肯定地说,我做的事情没有错。另一方面,我一直在努力更新我的材料。我尝试过水彩、铜版纸、油画、日本画、泥土。因此,我决定,苏米墨是最适合我的天性的。 抽象单花 (萨克斯 x 紫) 36×14厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你已经找到了新的目标和新的挑战,现在你的目标是下一步。你对这个目标是否已经有了具体的想法?我的作品是一种自我投射,所以我对未来的憧憬又不是全部都很清晰。我可以说的是,我还是不骗自己。我想在工作中赤裸裸地坦诚相待。所以我想充分利用我自然而然的经历。现在我终于习惯了空虚,我想我还有很多工作要做,吸取不同的经验,并把它们提炼成画。了解了环境和自己的变化,我会把它们融入到我的画作中去。无论事情如何变化,对我来说,只要不骗自己,没有疑惑,坦诚相待就好。因为对我来说,画画就是要把最赤裸裸、最真实的部分表现出来。 简介在伦敦留学后,她获得了ISTITUTO MARANGONI伦敦时装设计学院硕士课程的文凭。回国后在时装品牌"菊地TAKEO KIKUCHI"担任时装设计师。离开公司后,她开始不是作为时装设计师,而是作为艺术家"yutaokuda"工作。她用细腻的线条和斑点,以花朵和生物为主题,画出食物链等自然秩序之美。有时,我用欺骗的手法把矛盾的两面都画出来,如生与死、美与丑等。目前,她正积极在国内外举办个展和联展。 点击这里查看奥田雄太的作品。

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